CASSINA:
DIZAINAS LAISVA FORMA

Sąrašas Nr. 19

Antonella Dedini autorius

Toshiyuki Kita, fotelis Wink,
Cassina, 1980, (Archivio Cassina)

ĮŽANGA

“Dizainas yra Italijos inovacijų abėcėlė. Tai kažkas, ko negalima suvokti tradicinėmis estetikos kategorijomis, bet tuo pačiu tai kalba, paremta tvirtu meistriškumu, aukščiausios techninės vertės ir gebanti unikaliu būdu kurti įvairių menų tarpusavio įtakas“ Milano meras Beppe Sala (įžanga į Milano Design Film Festival 2018 katalogą).

Cassina yra viena iš įmonių, prisidėjusių prie Italijos dizaino pakilimo, pasižyminti pavyzdiniu technologinių žinių ir meistriškumo deriniu. Įkurta Cesare ir Umberto Cassina 1927 m. Medoje kaip kavos staliukų gamykla, Cassina 1950-aisiais Italijoje pradėjo pramoninį dizainą, paremtą visiškai nauju mąstymo būdu. Ji ne tik siūlė novatorišką, kokybišką Italijos dizainą, bet ir buvo viena iš pirmųjų įmonių, pasiekusių tarptautinę auditoriją dėka istorinių baldų dizainų perleidimų, kurie yra dizaino istorijos pagrindas.

Su Cassina I Maestri kolekcija ir jo perleidimai ikoniškų baldų ir objektų iš XX a. dizaino meistrų, tapo įmanoma atlikti atidžią ir tikslią archyvinių medžiagų analizę, daugiausia dėka paveldėtojų ir fondų bendradarbiavimo, kurie per metus išsaugojo vertingus prototipus, eskizus ir originalius brėžinius. Kolekcija buvo sukurta 1973 metais, o pirmieji perleidimai siekia 1965 metus (1964 m. susitarimas): naujų vertybių reinterpretacija, pritaikyta šiuolaikiniam kontekstui, naudojant tradicines ir šiuolaikines technikas, naudingus žingsnius link efektyvesnių ir pažangesnių gamybos sistemų.

Pirmiausia buvo įsigytos teisės į keturis Le Corbusier (tuomet dar gyvo) dizainus kartu su Charlotte Perriand ir Pierre Jeanneret. Vėliau buvo įsigytos teisės Gerrit.T. Rietveld, C.R. Mackintosh, Gunnar Asplund ir tada F.L. Wright kūriniams. Šiandien kolekcija toliau auga su naujomis leidimo versijomis, kurios niekada nebuvo pramoniniu būdu gamintos, taip pat dėka dizainerių, kurie sukūrė dizaino istoriją, įsigijimo (įskaitant Franco Albini, Ico Parisi, Giacomo Balla).

Atvira kolekcija, padedanti suprasti šiuolaikinio baldų dizaino šaltinius.

Kartu su šia kolekcija yra ir šiuolaikinė dizaino gamyba, kurios produktai išreiškia Cassina’s norą pristatyti save rinkai per skirtingas kalbas ir dizaino požiūrius, vienijamus nuolatinio tyrimų ir plėtros gebėjimo. Cassina’s viziją galima pamatyti The Cassina Perspective, kuri išreiškia įmonės vertybes per eklektišką kolekciją, kurioje produktai su inovatyviausia esme ir šiuolaikiniais ikonais kartu kuria jaukias atmosferas, harmoningai sąveikaudami pagal vieną dizaino kodą, įsišaknijusį meistriškume.

Šio leidinio pavadinimas Sąrašas yra tik dalis Cassina nuolatinio indėlio į dizaino pasaulį. Cassina: Dizainas laisva forma apibūdina pasirinkimą (kuris buvo asmeninis ir sudėtingas, atsižvelgiant į Cassina’s katalogo darbų grožį) baldų ir dizaino objektų, kurie buvo įkvėpti meno ir istorijos, motyvuoti funkcijos, bet laisvi nuo išankstinių nuostatų. Būtent taip dizainas turėtų būti šiandien.

ČIA MES NESIUVINĖJAME PAGALVĖLIŲ

“Austeraus biuro atmosfera buvo šiek tiek bauginanti, o jo pasisveikinimas gana šaltesnis.,“ rašė Charlotte Perriand savo atsiminimuose.
„Ko tu nori?“ paklausė jis, akys užmerktos akiniais. „Dirbti su jumis.“ Jis greitai peržvelgė mano piešinius. „Čia mes nesiuvinėjame pagalvėlių,“ atsakė ir parodė man duris..”

Buvo 1927 metai, ir labai jauna Perriand lankėsi Paryžiaus 35 Rue de Sèvres, Meistro dirbtuvėse, norėdama parodyti jam savo portfolio. Laimei, talentas galiausiai įveikė išankstinius nusistatymus ir misoginiją, o istorija pasisuko savo keliu, pristatydama vieną vaisingiausių XX a. dizaino bendradarbiavimų. Tai buvo vamzdinio plieno rėmo baldų laikai, ankstyva ekonominės pramoninės gamybos idėja, o Perriand buvo tikra šios technikos novatorė.

Kėdė 9 Tabouret papildo pirmąją kolekciją, įsigytą iš Cassina ir pagal Le Corbusier, Pierre Jeanneret ir Charlotte Perriand.

Tai yra kėdutė su architektūrine išvaizda, kuri puikiai atspindi Charlotte Perriand meilę poetinei harmonijai. Pirmoji šios kėdutės versija buvo skirta architektės valgomojo kambariui jos Paryžiaus bute, pagaminta iš vamzdinio plieno su rotango sėdyne. 1929 m. dizainas buvo eksponuojamas Équipement intérieur d’une Habitation parodoje Salon d’Automne Paryžiuje, kur buvo naudojamas salle de bain su kempinės sėdyne, tinkama erdvei, kur asmeninė priežiūra yra itin svarbi.

Dabartinis dizainas pasižymi chromuoto plieno rėmu ir plačiu sėdynių medžiagų pasirinkimu – nuo kempinės iki odos ir klasikinio rotango.

Charlotte Perriand, 9 Tabouret, įtraukta į Le Corbusier® kolekciją,
Pierre Jeanneret®, Charlotte Perriand® – Cassina I Maestri kolekcija, Prancūzija, 1927

Šis sėdėjimo elementas yra vienas iš tų baldų, kurie nuolat įgauna naują prasmę ir visada pasiruošę prisitaikyti prie besikeičiančių laikų ir aplinkų, kurioms jie buvo sukurti.

Šiuolaikinė 9 Tabouret aplinka, fotografija De Pasquale + Maffini

EN FORME LIBRE, CHARLOTTE PERRIAND KOLEKCIJA

Charlotte Perriand pradėjo kurti En forme libre stalų kolekciją 1928 m. savo Montparnasse dirbtuvėse, gamindama juos kartu su Galerie Steph Simon vėlyvaisiais 1950-aisiais.

Be kampų, apvalios ir asimetrinės formos prisitaiko net prie mažesnių erdvių, leidžiančių sėdėti iki aštuonių žmonių. Konstrukcija turi tris kojas: vieną didesnę ir dvi mažesnes cilindro formos, pastatytas 45 laipsnių kampu prie stalviršio. Ji pasižymi laisvos dvasios estetika, kuri yra toli nuo klasicizmo. 2011 m. Cassina išleido šį dizainą iš naujo, sumažindama kojų dydį, kad pasiūlytų naują stalo dydį, palengvinantį bendravimą. Masyvo medžio stalas taip pat yra blizgaus arba matinio lako apdailos (iš Cassina Dining products katalogo 2020).

PIRMINĖS KALBOS

Gerrit Thomas Rietveld, stalius ir amatininkas, buvo pagrindinė Nyderlandų De Stijl judėjimo figūra, prasidėjusio 1917 m. Leidene.

Čia susibūrė menininkų grupė, įskaitant Theo Van Doesburgą ir tapytoją Piet Mondrianą, kurių tikslas buvo „radikali meno atnaujinimas“. Menas kaip tapyba, skulptūra, architektūra ir baldų dizainas tapo erdvinės idėjos manifestais, kilusiais iš grynų formų ir spalvų, tokių kaip raudona, mėlyna ir geltona, dinamiško suskaidymo.

Rietveld priėmė pirminę kalbą, išradinėdamas kėdes ir baldus taip, tarsi niekas prieš jį jų nebūtų kūręs, sekdamas savo struktūriniu kodu. Jis sukūrė baldus su nauja konstrukcijos koncepcija: tiek struktūroje, tiek spalvose jie turėtų būti suprantami kaip naujo stiliaus manifestas, kuris neabejotinai buvo įtakotas Tolimųjų Rytų formų, kurios jau buvo perkelti į Europą, ir kubizmo dinamiškų tapybos technikų.

Piet Mondrian, Kompozicija Nr. II,
Nyderlandai, 1930

1972 m. Cassina įgijo išskirtines teisės gaminti visus Maestro baldus po ilgų derybų su jo palikuonimis. Architektas Daniele Baroni konsultavo dėl dizainų atkūrimo, o G.A. van de Groenekan, Rietveld artimiausias partneris, buvo atsakingas už pusiausvyros tarp originalių konstrukcijos technikų ir Cassina technologinių žinių radimą.

MERET OPPENHEIM IR SIURREALIZMAS

Nuotrauka De Pasquale + Maffini

Šveicarų-vokiečių menininkė ir poetė Meret Oppenheim laikoma siurrealizmo judėjimo muse, kuris buvo įkurtas 1920-ųjų pradžioje André Breton.

Ji atvyko į Paryžių būdama 20 metų ir susipažino su pagrindiniais judėjimo atstovais bei kitais asmenimis, kurie buvo susiję su juo: Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp ir Marcel Duchamp.

Apie 1930 metus Salvadoras Dalí – menininkas, visiškai įsiliejęs į tada tarptautinį judėjimą – pasiūlė naują meninį žanrą, kurdamas „objektus, veikiančius simboliškai“. Visų darbų bendras bruožas yra tas, kad jie atrodo kilę iš sapnų ir fantazijų. Dažnai kasdieniai daiktai tampa tokie svetimi, kad išsilaisvina iš savo pradinės funkcijos ir iššaukia nusistovėjusių interpretacijų iššūkį. Susižavėjusi šiuo požiūriu, Meret pradėjo kreipti dėmesį į kasdienius daiktus, interpretuodama juos pagal reikšmių pokyčius, kurie žiūrovui sukelia trikdančias, bet ir malonias naujas analogijas.

MODERNI ir FUNKCIONALUMAS

Ico Parisi buvo vienas iš išsamiausių ir eklektiškiausių XX a. antrosios pusės Italijos dizaino menininkų, jis buvo architektas, dizaineris, grafikos dizaineris, fotografas, kino režisierius, scenografas, tapytojas ir urbanistas. Jis eksperimentavo su išraiškingomis formomis ir kalbomis tiek architektūroje, tiek dizaine, suprasdamas glaudžius ryšius tarp jų. Iš pradžių Parisi eksperimentavo su vienetiniais baldais, o vėliau perejo prie sudėtingos pramoninės gamybos su įmonėmis, tokiomis kaip Cassina. 1943 m. jis kartu su žmona, Luisa Aiani, savo gyvenimo partnere ir begaline kūrybinės energijos šaltiniu, atidarė vieną iš pirmųjų interjero dizaino studijų. Studija vadinosi La Ruota ir buvo skirta dizainui, bet taip pat meno kuravimui, parodoms ir kultūriniams susitikimams. Parisi pasiūlė naują gyvenimo idėją, dėka jų gebėjimo derinti įvairius stilistinius laikotarpius. Baldai bendravo su antikvariniais daiktais ir apdaila, menas susimaišė su vietos ir etniniais amatais, o senoviniai šilkai ir nėriniai susiliejo su moderniomis medžiagomis ir kilimais. Interjero dizaino koncepcija, kuri šiandien yra labai aktuali.

Tiems, kurie domisi jo kūryba, Ico Parisi dizaino archyvas išsaugojo visus jo projektus kartu su eskizais, raštais ir nuotraukomis.

PRAKTIŠKUMAS IR ESMIŠKUMAS

Portemanteau pirmą kartą buvo sukurta Cabanon, mažam atostogų nameliui, kurį 1951 m. Prancūzijos Rivjeroje savo žmonai Yvonne sukūrė Le Corbusier.

Ši vieta, kurią laikau viena gražiausių Le Corbusier kūrinių, buvo sukurta radikaliam eksperimentavimui, kur viskas sumažinta iki esmės harmoningame proporcijų, spalvų, detalių ir medžiagų derinyje, kuris tampa šiuolaikinio gyvenimo manifestu. Architektą įkvėpė laivo kajutė, kurioje praktiškumas ir esmė dizaine yra absoliutūs poreikiai. Tarp baldų ir funkcinių objektų randame Portemanteau natūraliai pastatyta prie įėjimo ir sudaryta iš paprastų medinių kaiščių, kurių spalvos atitinka minimalistinių erdvių spalvas.

Cassina perleidimas įkvėptas 1957 m. modelio, kurį sukūrė Le Corbusier Unités de Camping, minimalistinių stovyklavimo vienetų, įkvėptų ir šalia Cabanon, struktūra. Paltų kabykla susideda iš masyvaus ąžuolo grybo formos elementų, išdėstytų skirtingais aukščiais pagal Modulor proporcijų skalę: su proporcijomis, kurios derino auksinį pjūvį su 1,83 metro ūgio vyro matavimais ir judesiais.

Le Corbusier, Le Cabanon, Roquebrune-Cap-Martin,
Prancūzija 1951, portfelių detalė

ŠVIESOS STABILUMAS

Šoninis staliukas Cicognino yra vienas iš „naminių gyvūnėlių“, kuriuos Albini visada įkvėpė savo dizainuose. Viena iš trijų plonų kojų išsiplečia ir tampa „rankena/ snapu“, todėl staliuką lengva nešioti. Jis yra puikiai subalansuotas ir labai stabilus, nepaisant to, kad jo dalys sumažintos iki minimumo. Albini visada sugebėjo suvokti formos esmę intensyviame lengvumo siekyje.

Jo anūkė Paola Albini pasakoja:

“Jis mylėjo kalnus ir judėjo kalnų žygeivio tempu tiek gyvenime, tiek darbe. Jam patiko lėtas kopimo tempas, siekiama pusiausvyra, metodas, žingsnis po žingsnio, be skubėjimo; virvės įtempimas ir pakibusi erdvė, lengvumo paieška, tuštumos, oro ir šviesos dimensija. Čia jis įsivaizduoja nuostabią erdvinę tinklelį, kuris tampa jo architektūros, instaliacijų ir baldų rėmu, kur pusiausvyra nugali formų gausą. Įgudęs įtemptų kabelių ir atsparumo žaidimas, ieškant dalykų ir gyvenimo stabilumo”.

(tekstas Paola Albini Šviesos stabilumas IG profiliui @deden_designlist)

Nuotrauka: Valentina Sommariva

PRUNIER RESTORANAS

Prunier yra vienas garsiausių Prancūzijos restoranų pasaulyje dėl savo specializuotos jūros gėrybių ir ikrų atrankos kokybės bei dėl žmonių, kurie sėdėjo prie jo stalų. Nuo įkūrimo metų daug panašių vietų atsirado ir išplito. Specializuodamasis jūros gėrybių virtuvėje, jis vis dar yra vienas žymiausių restoranų Paryžiuje.

Pirmoji Maison Prunier buvo įkurta 1872 metais Alfredo Prunier, ir laikui bėgant tapo aiškiu pavyzdžiu, kaip gali augti puikus modernus restoranas. 1925 metais, po įkūrėjo mirties, jo jaunoji anūkė Simone Prunier – daugeliui žinoma tiesiog kaip Madame Prunier – tęsė verslą, o 1934 metais atidarė Prunier St James’s restoraną Londone.

CAB, IKONINĖ KĖDĖ SUKURTA MARIO BELLINI

Ikona. Tai vienas svarbiausių didžiojo dizainerio Mario Bellini projektų. Jo žodžiai puikiai apibūdina šį projektą, kuris tapo dizaino istorijos dalimi: 

“Galbūt seniausias struktūriškai sudėtingo baldų elemento pavyzdys yra kėdė. Tai gali būti ir priežastis, kodėl būtent šis daiktas – keturios kojos, sėdynė ir atlošas – yra labiausiai įsišaknijęs kolektyvinėje atmintyje.

Su Kabina Bandžiau sukurti fotelį taip, kaip jis visada buvo, tačiau laikydamasis iki šiol aprašyto požiūrio, taip pat laikiau fotelį kaip protezą ir kūno pratęsimą. Rezultatas yra nešiojantis skeletas, ant kurio tempiasi oda, elastingai prisitaikanti prie žmogaus kūno.“ 

Mario Bellini

Kabina buvo pirmasis fotelis su savarankiška odine konstrukcija, įkvėptas santykio tarp struktūrinio skeleto ir odos. Jo apmušalai susideda iš 16 odos dalių, kurios pereina 14 rankinių procesų. Apmušalai tada uždedami ant plieno rėmo ir užtraukiami kaip siūtas kostiumas.

Nuotrauka De Pasquale + Maffini

WINK, FOTELIS SU AUSIMIS

Toshiyuki Kita, Wink fotelis, Cassina, 1980

Toshiyuki Kita yra japonų dizaineris, žinomas dėl savo bendradarbiavimo su Italijos įmonėmis ir dėl savo ikoniškų kūrinių, tapusių dizaino istorijos klasika. Vienas iš jų, išsiskiriantis iš kitų, yra „foteliukas su ausimis“ arba Wink chaise-longue, Cassina kataloge.

Jis atspindi naują neformalumą baldų dizaine, derinant su pažangiais techniniais ir medžiagų tyrimais. Tai fotelis, kuris pradėjo 1980-ųjų dešimtmetį, pažymėtą žaismingu požiūriu į baldus. Galime sakyti, šiek tiek „Disney“ stiliaus, nes primena garsųjį didyraus ausyto pelės personažą. Jis yra nepaprastai universalus, nes atlošas gali būti pastatytas skirtingose pozicijose. Sėdynė gali slysti į priekį, virstant patogia chaise longue. Galvos atramos gali būti reguliuojamos ir atlošiamos į priekį bei atgal, judėdamos nepriklausomai viena nuo kitos. Kiekviena jo dalis leidžia sukurti begalines spalvų kompozicijas, leidžiančias visiškai suasmeninti žaidimą, kuriame dalyvauja dizaineris ir vartotojas.

Nuotrauka: Valentina Sommariva

GAETANO PESCE, MENAS IR NAUDINGUMAS

[...] „Veikiu hibridiniame lauke tarp meno ir naudingumo [...] Vieną žiemą prieš daugelį metų buvau Venecijoje, ir Peggy Guggenheim pakvietė mane į savo namus vakarienei. Muziejus buvo uždarytas, erdvės vėl atrado savo neoficialų momentą.

Betmenas atidaro man duris. Turėjau savo paltą, jis paima jį ir pakabina ant liekno Giacometti skulptūros.

Muziejaus darbo valandomis tas „daiktas“ turėjo tapatybę savo, jį reikėjo žavėtis; vakare jis vėl tapdavo ponios G paltų kabykla. Todėl yra skirtingi momentai ir poreikiai, pagal kuriuos mes bendraujame su aplinkiniais daiktais skirtingais būdais. Tai reiškia išplėsti objekto komunikacinį potencialą [...] tai taip pat reiškia kalbėti apie meno naudingumą. 

[...] Anksčiau sakydavau, kad pramoninė serija yra neabejotinas pasiekimas... šiandien man tie vertybės nebeužtenka, šiandien noriu turėti didesnį turtą pramoninėje gamyboje, atrasti vienetinio kūrinio spontaniškumą. Štai teisinga įvairios serijinės gamybos prasmė: suteikti tam tikroms medžiagoms galimybę apibrėžti save mažiau griežtoje, mažiau represinėje ir diktatoriškoje riboje nei ta, dėl kurios net menkiausias defektas jas eliminuodavo. [...]
(iš Gaetano Pesce o dell’opposizione, interviu su Marco Romanelli Domus Nr. 712, 1990).

Fotelis pagamintas iš labai storos vilnos veltinio, įmirkytos skirtingais kiekiais poliesterio pagrindu pagaminto termiškai kietėjančio dervos, suteikiančios skirtingą elastingumą. Jis turi kaimišką, rankų darbo estetiką, sąmoningai nepaisantį masinės gamybos lūkesčių, daiktą, kuris gyvena pagal savo asmenybę, kur kiekvienas  „nelyginis“ gabalas skiriasi nuo kito.
Pesce atkuria būtiną ryšį tarp amato ir pramonės, kurdamas bendrą pagrindą tarp meno ir dizaino.

Nuotrauka De Pasquale + Maffini

JAIME HAYON, POETINĖ REAKCIJA

„Norėjau sukurti naudingus daiktus šiuolaikiniam namui, tokius kaip padėklai ir šoniniai stalai, bet su skulptūriniais elementais, žaidžiančiais formomis, šviesa ir šešėliu.

Tai buvo labai griežtas, beveik religinis iššūkis naudoti tik vieną medžiagą ir vieną apdailą, taikant mano dizaino filosofiją. Jaučiu, kad ši apribojimas iš tikrųjų tapo galimybe parodyti medžio grožį kartu su Cassina meistriškumo dirbtuvės meistriškumu.” Jaime Hayon.

Ši kolekcija semiasi įkvėpimo iš organinių Le Corbusier architektūros formų ir 1920-ųjų Esprit Nouveau meno kūrinių.

Iš Cassina katalogo: „Réaction Poétique kolekcija yra plastiko formų ir skulptūrų rinkinys, primenantis Le Corbusier ankstyvuosius darbus, gamtos elementų atvaizdus, kurie rezonuoja ir aidėja mūsų pasąmonėje. Šioje kolekcijoje yra naudingų objektai šiuolaikiniam namui tokie kaip padėklai ir šoniniai stalai pagamintas iš vienos medžiagos vienu apdaila, siekiant pabrėžti medžio tikrąją grožį ir Cassina gebėjimą ją formuoti”.

Jaime Hayon eskizas

BENDRŲJŲ OBJEKTŲ FILOSOFIJA

Šviesa be šviestuvo, vėjas be ventiliatoriaus, dūmai iš marmuro, lašantis krėslas, veidrodis, kuriame negalite savęs pamatyti, bet kuris atsiveria kaip durys į begalybę, siūlydamas naujas vizualines ir suvokimo perspektyvas.

Visa Ron Gilad kūryba verčia žiūrovą priimti abejonę kaip aukščiausią vertybę ir kelti klausimus apie tai, kas paprastai laikoma prielaidomis. Jo objektai atrodo pažįstami ir funkcionalūs, kasdieniai, tačiau Gilad darbo metodas atima jiems pradinę funkciją ir perkelia juos į naujus pasaulius.

Šis veidrodis yra 16 objektų kolekcijos dalis, kurią Izraelio dizainerė sukūrė Cassina, žinodama, kad juos bus galima sukurti derinant konstrukcinę inžineriją ir aukštos klasės baldų gamybą estetinėje sąveikoje tarp meno ir dizaino, abstraktaus ir funkcionalaus.

PATRICIA URQUIOLA: PROPORCIJOS JAUSMAS

Japonų kultūros įtaka yra akivaizdi. Šis kabinetas įgauna haori formą, tai yra švarkas, tradiciškai dėvimas virš kimono. Jis Japonijoje buvo pristatytas jau 1500-aisiais ir jį dėvėjo samurajai, kad apsisaugotų nuo šalčio. Jis turi „T“ formą, panašią į kimono, bet yra trumpesnis.

Nuoroda į šį tradicinį drabužį aiškiai matoma šio baldo proporcijose, kurios žaidžia tais pačiais tūriais kaip haori. Jo įstrižos kojos kontrastuoja su horizontaliosiomis spintelės linijomis. Jo minimalus, bet tvirtas siluetas pabrėžiamas plonais kraštais, kurie lengvina jo išvaizdą. Tačiau tai taip pat yra pagarba Kazuhide Takahama, architektui, kuris industrializavo seną lakavimo tradiciją, pirmą kartą masinės gamybos būdu pagaminęs apdailą, labai panašią į senovinį kinų laką, su ilgaamžiškumo pranašumu, kuris išliktų šimtmečius. Šiandien jo baldai taip pat yra Cassina kolekcijos dalis.

Patricia Urquiola dizaino filosofija yra gerai žinoma, o dėka jos istorijos ir mokymų ji paveldėjo analogijos principu paremtą dizaino požiūrį, kai objektas vadinamas objektais, nes objektas gimsta iš kito objekto interpretacijos.

Tradicinis japoniškas haori švarkas
(iš www.bottegagiapponese.it)

PAGARBA MURANO STIKLO GAMYBAI

Sestiere vazų kolekcija, sukurta Patricia Urquiola, yra Venecijos stiklo gamybos tradicijos išsaugojimas ir interpretacija, siekianti šimtmečius.

Vazos yra aiški pagarba meistrams stiklo gamintojams ir jų gerai žinomoms ilgalaikėms žinioms, kurios netgi siekia Romos ir Bizantijos laikų stiklo gamybos technikas.

Vazos yra spalvoti pūsti stiklo burbulai „įkalinti“ virvelių tinklelyje. Kiekviena morisa – kaip bet koks virvelių, rankenėlių ar kraštų pritaikymas objektui vadinamas Murano žargonu – yra atliekamas rankomis, sukuriant sąmoningą patrauklios netobulumo efektą objekte ir lingvistinį kryžminį nuorodą, įkvėptą kito Venecijos stiklo gamybos estetikos aspekto: technikos rigadin, tradicinis dryžuotas raštas, kurį randame pačiuose geriausiuose stiklo dirbiniuose. Dėl šių savybių ir technikų, naudojamų kuriant kiekvieną vazą, jie yra unikalūs išskirtinio meistriškumo kūriniai.

Nuotraukos: Paola Pansini

Perskaitykite ankstesnį The List straipsnį čia