CASSINA:
DESIGN W FORMIE SWOBODNEJ

The List #19

Autor: Antonella Dedini

Toshiyuki Kita, fotel Wink,
Cassina, 1980, (Archivio Cassina)

WSTĘP

“Design to alfabet włoskiej innowacji. To coś, czego nie da się uchwycić tradycyjnymi kategoriami estetyki, a jednocześnie jest to język oparty na solidnej wiedzy, o najwyższej wartości technicznej, zdolny w unikalny sposób tworzyć przenikania między różnymi sztukami” – burmistrz Mediolanu Beppe Sala (wstęp do katalogu Milano Design Film Festival 2018).

Cassina jest jedną z firm, które przyczyniły się do rozwoju włoskiego designu, dzięki wzorcowemu połączeniu wiedzy technologicznej i rzemiosła. Założona przez Cesare i Umberto Cassina w 1927 roku w Meda jako fabryka stolików kawowych, Cassina zapoczątkowała design przemysłowy oparty na zupełnie nowym sposobie myślenia we Włoszech lat 50. Nie tylko oferowała innowacyjny, wysokiej jakości włoski design, ale była także jedną z pierwszych firm, które dotarły do międzynarodowej publiczności dzięki wznowieniom historycznych projektów mebli, które stanowią fundament historii designu.

Z Cassina Kolekcja I Maestri i jej wznowienia ikonicznych mebli i przedmiotów od mistrzów designu XX wieku, możliwe stało się przeprowadzenie uważnej i dokładnej analizy materiałów archiwalnych, przede wszystkim dzięki współpracy spadkobierców i fundacji, które przez lata zachowały cenne prototypy, szkice i oryginalne rysunki. Kolekcja powstała w 1973 roku, natomiast pierwsze wznowienia sięgają 1965 roku (umowa z 1964): reinterpretacja nowych wartości przypisanych współczesnemu kontekstowi, z wykorzystaniem tradycyjnych i nowoczesnych technik, stanowiąca ważne kroki w kierunku bardziej efektywnych i zaawansowanych systemów produkcji.

Najpierw nastąpiło nabycie praw do czterech projektów Le Corbusier (który wówczas jeszcze żył) wraz z Charlotte Perriand i Pierre Jeanneret. Następnie nabyto prawa Gerrit.T. Rietvelda, C.R. Mackintosha, Gunnara Asplunda, a potem F.L. Wrighta. Dziś kolekcja nadal się powiększa o nowe edycje, które nigdy wcześniej nie były produkowane przemysłowo, dzięki także nabyciu projektantów, którzy zapisali się w historii designu (w tym Franco Albini, Ico Parisi, Giacomo Balla).

Otwartą kolekcją, która pomaga zrozumieć źródła współczesnych mebli.

Obok tej kolekcji znajduje się współczesna produkcja designu, której produkty wyrażają pragnienie Cassina’s zaprezentowania się na rynku poprzez różne języki i podejścia do designu, połączone stałą zdolnością do badań i rozwoju. Wizję Cassina’s można zobaczyć w The Cassina Perspective, która wyraża wartości firmy poprzez eklektyczną kolekcję, w której produkty o najbardziej innowacyjnej istocie i współczesne ikony tworzą razem przytulne atmosfery, harmonijnie współdziałając na podstawie jednego kodu designu zakorzenionego w doskonałości.

Tytuł tego wydania Lista to kolekcja tylko części stałego wkładu Cassina w świat designu. Cassina: Design w swobodnej formie opisuje wybór (który był osobisty i trudny, biorąc pod uwagę piękno dzieł w katalogu Cassina’s) mebli i obiektów designu inspirowanych sztuką i historią, motywowanych funkcją, ale wolnych od uprzedzeń. Tak właśnie powinien wyglądać design dzisiaj.

U NAS NIE HAFTUJEMY PODUSZEK

“Surowe biuro było nieco onieśmielające, a jego powitanie raczej chłodne,” napisała Charlotte Perriand w swoich wspomnieniach.
„Czego chcesz?” zapytał, a jego oczy były przysłonięte okularami. „Chcę z tobą pracować.” Szybko przejrzał moje rysunki. „U nas nie haftujemy poduszek,” odpowiedział i wskazał drzwi..”

Był rok 1927, a bardzo młoda Perriand odwiedzała atelier Mistrza przy 35 Rue de Sèvres w Paryżu, aby pokazać mu swoje portfolio. Na szczęście talent ostatecznie pokonał uprzedzenia i mizoginię, a historia potoczyła się dalej, wprowadzając jedną z najbardziej owocnych współprac w designie XX wieku. Był to czas mebli z rur stalowych, będących wczesną koncepcją ekonomicznej produkcji przemysłowej, a Perriand była prawdziwą innowatorką w tej technice.

Stołek 9 Tabouret uzupełnia pierwszą kolekcję nabytą przez Cassina oraz autorstwa Le Corbusier, Pierre Jeanneret i Charlotte Perriand.

To stołek o architektonicznej prezencji, który doskonale odzwierciedla miłość Charlotte Perriand do poetyckiej harmonii. Pierwsza wersja tego stołka powstała do jadalni architektki w jej paryskim mieszkaniu, wykonana była ze stalowych rur i miała siedzisko z rattanu. W 1929 roku projekt został zaprezentowany na wystawie Équipement intérieur d’une Habitation na Salon d’Automne w Paryżu, gdzie użyto go w salle de bain z siedziskiem z gąbki, co było odpowiednie w przestrzeni, gdzie pielęgnacja osobista ma najwyższe znaczenie.

Obecny projekt posiada chromowaną stalową ramę z szerokim wyborem materiałów siedziska, od gąbki przez skórę po klasyczny rattan.

Charlotte Perriand, 9 Tabouret, włączony do kolekcji Le Corbusier®,
Pierre Jeanneret®, Charlotte Perriand® – Cassina I Maestri Collection, Francja, 1927

Ten element siedziska należy do tych mebli, które nieustannie zyskują nowe znaczenie i są zawsze gotowe dostosować się do zmieniających się czasów i środowisk, dla których zostały stworzone.

Współczesna aranżacja dla 9 Tabouret, fotografia De Pasquale + Maffini

EN FORME LIBRE, KOLEKCJA CHARLOTTE PERRIAND

Charlotte Perriand rozpoczęła projektowanie kolekcji stołów En forme libre w 1928 roku dla swojego atelier w Montparnasse, produkując je wraz z Galerie Steph Simon pod koniec lat 50.

Obłe, pozbawione narożników i asymetryczne formy dostosowują się nawet do mniejszych przestrzeni, pozwalając usiąść do ośmiu osób. Konstrukcja ma trzy nogi: jedną większą i dwie mniejsze cylindryczne ustawione pod kątem 45 stopni względem blatu. Charakteryzuje się swobodną estetyką, daleką od klasycyzmu. W 2011 roku Cassina wznowiła projekt, zmniejszając rozmiar nóg, aby zaoferować nowy rozmiar stołu sprzyjający towarzyskości. Stół z litego drewna jest również dostępny w wykończeniu lakierowanym na wysoki połysk lub matowym (z katalogu Cassina Dining products 2020).

PRYMITYWNE JĘZYKI

Gerrit Thomas Rietveld, stolarz i rzemieślnik, był czołową postacią holenderskiego ruchu De Stijl, który rozpoczął się w 1917 roku w Leiden.

To tutaj zebrała się grupa artystów, w tym Theo Van Doesburg i malarz Piet Mondrian, których celem była „radykalna odnowa sztuki”. Sztuka jako malarstwo, rzeźba, architektura i projektowanie mebli stały się manifestami idei przestrzennej, która powstała z dynamicznego rozbicia czystych form i kolorów, takich jak czerwony, niebieski i żółty.

Rietveld przyjął prymitywny język, wymyślając krzesła i meble, jakby nikt przed nim ich nigdy nie zbudował, podążając za własnym kodem konstrukcyjnym. Projektował meble z nową koncepcją budowy: zarówno w strukturze, jak i kolorze miały być rozumiane jako manifest nowego stylu, który z pewnością był inspirowany formami Dalekiego Wschodu, które już zostały przeniesione do Europy, oraz dynamicznymi technikami malarskimi kubizmu.

Piet Mondrian, Kompozycja nr II,
Holandia, 1930

W 1972 roku Cassina uzyskała wyłączne prawa do reprodukcji całego meblarstwa Maestro po długich negocjacjach z jego spadkobiercami. Architekt Daniele Baroni doradzał przy odtwarzaniu projektów, podczas gdy G.A. van de Groenekan, najbliższy współpracownik Rietvelda, odpowiadał za znalezienie równowagi między oryginalnymi technikami konstrukcyjnymi a know-how technologicznym Cassina.

MERET OPPENHEIM I SURREALIZM

Fotografia De Pasquale + Maffini

Szwajcarsko-niemiecka artystka i poetka Meret Oppenheim uważana jest za muzę ruchu surrealistycznego, założonego na początku lat 20. XX wieku przez André Bretona.

Przybyła do Paryża mając 20 lat i poznała głównych przedstawicieli ruchu oraz inne osoby z nim związane: Man Raya, Maxa Ernsta, Alberto Giacomettiego, Jeana Arpa i Marcela Duchampa.

Około 1930 roku Salvador Dalí – artysta, który w pełni zaangażował się w ówczesny międzynarodowy ruch – zaproponował nowy gatunek artystyczny, tworząc „przedmioty funkcjonujące symbolicznie”. Wspólną cechą wszystkich dzieł jest to, że wydają się pochodzić ze snów i fantazji. Często codzienne przedmioty stają się tak obce, że wyzwalają się z pierwotnej funkcji i kwestionują ustalone interpretacje. Zafascynowana tym podejściem, Meret zaczęła przesuwać swoją uwagę na przedmioty codziennego użytku, reinterpretowane zgodnie ze zmianą znaczeń, które wywołują niepokojące, ale także przyjemne nowe analogie u widza.

NOWOCZESNOŚĆ I FUNKCJONALNOŚĆ

Ico Parisi był jednym z najbardziej wszechstronnych i eklektycznych artystów drugiej połowy włoskiego designu XX wieku, będąc architektem, projektantem, grafikiem, fotografem, reżyserem filmowym, scenografem, malarzem i urbanistą. Eksperymentował z ekspresyjnymi formami i językami zarówno w architekturze, jak i designie, rozumiejąc bliskie powiązania między nimi. Początkowo Parisi eksperymentował z pojedynczymi meblami, a następnie przeszedł do zaawansowanej produkcji przemysłowej z firmami takimi jak Cassina. W 1943 roku otworzył jedno z pierwszych studiów projektowania wnętrz wraz z żoną, Luisą Aiani, swoją życiową partnerką i nieustającym źródłem kreatywnej energii. Studio nazywało się La Ruota i było miejscem projektowania, ale także kurateli sztuki, wystaw i spotkań kulturalnych. Parisi zaproponowali nową koncepcję życia dzięki umiejętności łączenia różnych stylów. Meble rozmawiały z antykami i wyposażeniem, sztuka mieszała się z lokalnym i etnicznym rzemiosłem, a antyczne jedwabie i koronki łączyły się z nowoczesnymi tkaninami i dywanami. Koncepcja projektowania wnętrz, która jest bardzo aktualna także dzisiaj.

Dla zainteresowanych poznaniem jego twórczości, Archiwum Projektowe Ico Parisi zachowało wszystkie jego projekty wraz ze szkicami, pismami i fotografiami.

FUNKCJONALNOŚĆ I ISTOTNOŚĆ

Wieszak został pierwotnie zaprojektowany dla Cabanon, małego domu wakacyjnego Le Corbusier, który zaprojektował dla swojej żony Yvonne w 1951 roku na Lazurowym Wybrzeżu.

To miejsce, które uważam za jeden z najpiękniejszych projektów Le Corbusier, powstało z myślą o radykalnym eksperymencie, gdzie wszystko zostało zredukowane do istoty w harmonijnym połączeniu proporcji, kolorów, detali i materiałów, tworząc manifest współczesnego życia. Architekt zainspirował się kabiną statku, gdzie praktyczność i esencjalność w projekcie są absolutną koniecznością. Wśród mebli i funkcjonalnych przedmiotów znajdujemy Portemanteau umieszczony naturalnie przy wejściu i składający się z prostych drewnianych kołków w kolorach dopasowanych do minimalistycznych przestrzeni.

Wznowienie Cassina jest inspirowane modelem z 1957 roku zaprojektowanym przez Le Corbusier dla Unités de Camping, minimalistycznych jednostek kempingowych inspirowanych i sąsiadujących z Cabanon. Konstrukcja wieszaka składa się z litego dębowego elementu przypominającego grzyb, umieszczonego na różnych wysokościach według skali proporcji Modulor: z proporcjami łączącymi złotą proporcję z wymiarami i ruchami mężczyzny o wzroście 1,83 metra.

Le Corbusier, Le Cabanon, Roquebrune-Cap-Martin,
Francja 1951, detal wieszaka

STABILNOŚĆ LEKKOŚCI

Stolik boczny Cicognino jest efektem jednego z „zwierząt domowych”, które Albini zawsze wyczarowywał swoimi projektami. Jedna z trzech smukłych nóg rozciąga się, tworząc „uchwyt/dziobek”, co ułatwia przenoszenie stolika. Jest doskonale wyważony i bardzo stabilny, mimo że jego części zostały zredukowane do minimum. Albini zawsze potrafił uchwycić istotę formy w intensywnym dążeniu do lekkości.

Jego wnuczka Paola Albini opowiada:

“Kochał góry i postępował w życiu i pracy w tempie alpinisty. Uwielbiał powolne tempo wspinaczki, poszukiwanie równowagi, metodę, krok po kroku, bez pośpiechu; napięcie liny i zawieszoną przestrzeń, poszukiwanie lekkości, wymiar pustki, powietrza i światła. Tutaj wyobraża sobie cudowną siatkę przestrzenną, która staje się ramą jego architektury, instalacji i mebli, gdzie równowaga zwycięża nad ekspresją form. Zręczna gra napiętych lin i oporu, w poszukiwaniu stabilności rzeczy i życia.”.

(tekst Paoli Albini The Stability of Lightness dla profilu IG @deden_designlist)

Fotografia Valentina Sommariva

PRUNIER RESTAURANT

Prunier jest jedną z najsłynniejszych francuskich restauracji na świecie ze względu na jakość specjalistycznego wyboru owoców morza i kawioru oraz ze względu na osoby, które zasiadały przy jej stołach. Od roku założenia powstało i rozwinęło się wiele podobnych miejsc. Specjalizując się w kuchni z owoców morza, nadal jest jedną z najbardziej renomowanych restauracji w Paryżu.

Pierwsza Maison Prunier została założona w 1872 roku przez Alfreda Pruniera i z czasem stała się wyraźnym przykładem tego, jak może rozwijać się wspaniała nowoczesna restauracja. W 1925 roku, po śmierci założyciela, jego młoda wnuczka Simone Prunier – znana wielu tylko jako Madame Prunier – kontynuowała działalność, a w 1934 roku otworzyła restaurację Prunier St James’s w Londynie.

CAB, IKONICZNE KRZESŁO MARIO BELLINIEGO

Ikona. To jeden z najważniejszych projektów wielkiego projektanta Mario Bellini. Jego słowa doskonale opisują ten projekt, który stał się częścią historii designu: 

“Być może najstarszym elementem mebli o złożonej strukturze jest krzesło. To może być także powód, dla którego to właśnie ten element – cztery nogi, siedzisko i oparcie – jest najbardziej utrwalony w zbiorowej pamięci.

Z Kabina Próbowałem zaprojektować krzesło tak, jak zawsze było, jednak zgodnie z opisanym wcześniej podejściem rozważałem krzesło także jako protezę i przedłużenie ciała. Efektem jest nośny szkielet, na którym rozciągnięta jest powłoka, elastycznie dopasowująca się do ludzkiego ciała.” 

Mario Bellini

Kabina był pierwszym krzesłem z samonośną ramą ze skóry, inspirowaną relacją między szkieletem konstrukcyjnym a skórą. Tapicerka składa się z 16 skórzanych segmentów, które przechodzą 14 ręcznych procesów. Następnie tapicerka jest nakładana na stalową ramę i zapinana na zamek jak szyta na miarę marynarka.

Fotografia De Pasquale + Maffini

WINK, FOTEL Z USZAMI

Toshiyuki Kita, Fotel Wink, Cassina, 1980

Toshiyuki Kita to japoński projektant znany ze współpracy z włoskimi firmami oraz z ikonicznych dzieł, które stały się klasykami historii designu. Jednym z najbardziej wyróżniających się jest „fotel z uszami”, czyli leżanka Wink z katalogu Cassina.

Reprezentuje nową nieformalność w projektowaniu mebli połączoną z zaawansowanymi badaniami technicznymi i materiałowymi. To fotel, który zapoczątkował dekadę lat 80., charakteryzującą się zabawnym podejściem do mebli. Można by powiedzieć, że jest trochę „disneyowski”, ponieważ przywodzi na myśl słynnego mysiego bohatera z dużymi uszami. Jest niezwykle wszechstronny, ponieważ oparcie można ustawić w różnych pozycjach. Siedzisko może przesuwać się do przodu, przekształcając się w wygodną leżankę. Zagłówki można regulować i odchylać do przodu i do tyłu, poruszając się niezależnie od siebie. Można tworzyć nieskończone kompozycje kolorystyczne z każdego z jego elementów, co pozwala na pełną personalizację w grze ukrytej współpracy między projektantem a użytkownikiem.

Fotografia Valentina Sommariva

GAETANO PESCE, SZTUKA I UŻYTECZNOŚĆ

[...] „Działam na hybrydowym terenie między sztuką a użytecznością [...] Pewnej zimy wiele lat temu byłem w Wenecji, a Peggy Guggenheim zaprosiła mnie do swojego domu na kolację. Muzeum było zamknięte, przestrzenie ponownie odkryły swój nieoficjalny moment.

Lokaj otwiera przede mną drzwi. Miałem płaszcz, on go bierze i wiesza na smukłej rzeźbie Giacomettiego.

W godzinach otwarcia muzeum „to coś” miało tożsamość własny, należał do podziwiania; wieczorem znów stawał się wieszakiem na płaszcze pani G. Istnieją więc różne momenty i potrzeby, w zależności od których komunikujemy się z otaczającymi nas przedmiotami na różne sposoby. Oznacza to rozszerzenie komunikacyjnego potencjału przedmiotu [...] oznacza to także rozmowę o użyteczności sztuki. 

[...] Kiedyś mówiłem, że seria przemysłowa to niezaprzeczalne osiągnięcie... dziś te wartości już mi nie wystarczają, dziś chcę mieć większe bogactwo w produkcji przemysłowej, aby na nowo odkryć spontaniczność unikatowego egzemplarza. Oto prawidłowe znaczenie zróżnicowanej produkcji seryjnej: postawić pewne materiały w warunkach definiowania się w mniej sztywnych, mniej represyjnych i dyktatorskich granicach niż te, które powodowały eliminację nawet najmniejszej wady. [...]
(z Gaetano Pesce o dell’opposizione, wywiad z Marco Romanelli w Domus nr 712, 1990).

Fotel wykonany jest z bardzo grubego filcu wełnianego nasączonego różnymi ilościami termoutwardzalnej żywicy poliestrowej dla zróżnicowanej elastyczności. Ma rustykalną, ręcznie wykonaną estetykę, świadomie niepodporządkowaną oczekiwaniom produkcji masowej, jest to przedmiot żyjący własną osobowością, gdzie każdy „niedoskonały” egzemplarz różni się od pozostałych.
Pesce odtwarza niezbędną relację między rzemiosłem a przemysłem, tworząc wspólną płaszczyznę między sztuką a designem.

Fotografia De Pasquale + Maffini

JAIME HAYON, POETIC REACTION

„Chciałem stworzyć użyteczne przedmioty do nowoczesnego domu, takie jak tace i stoliki boczne, ale z elementami rzeźbiarskimi, które łączą formy, światło i cień.

Było to bardzo surowe, niemal religijne wyzwanie, aby użyć tylko jednego materiału i jednego wykończenia, realizując moją filozofię projektowania. Czuję, że to ograniczenie stało się okazją do pokazania piękna drewna oraz mistrzowskiego kunsztu warsztatu stolarskiego Cassina.” Jaime Hayon.

Ta kolekcja czerpie inspirację z organicznych form architektury Le Corbusier oraz dzieł Esprit Nouveau z lat 20. XX wieku.

Z katalogu Cassina: „Kolekcja Réaction Poétique to zestaw plastikowych kształtów i rzeźb przypominających wczesne prace Le Corbusiera, przedstawienia elementów natury, które rezonują i odbijają się w naszej podświadomości. Ta kolekcja zawiera użyteczne przedmioty do nowoczesnego domu takich jak tace i stoliki boczne wykonany z jednego materiału w jednym wykończeniu, aby podkreślić prawdziwe piękno drewna i zdolność Cassina do jego obróbki”.

Szkic Jaime Hayon

FILOZOFIA CODZIENNYCH PRZEDMIOTÓW

Światło bez oprawy, wiatr bez wentylatora, dym z marmuru, kapające krzesło, lustro, w którym nie możesz się zobaczyć, ale które otwiera się jak drzwi do nieskończoności, oferując nowe perspektywy wizualne i percepcyjne.

Cała twórczość Rona Gilada zmusza widza do przyjęcia wątpliwości jako najwyższej wartości i kwestionowania rzeczy, które zwykle są założeniami. Jego obiekty wydają się znajome i funkcjonalne, codzienne, ale metoda pracy Gilada pozbawia je pierwotnej funkcji i przenosi do nowych światów.

To lustro jest częścią kolekcji 16 obiektów, które izraelska projektantka zaprojektowała dla Cassina, wiedząc, że możliwe będzie ich stworzenie poprzez połączenie inżynierii konstrukcyjnej i wysokiego stolarstwa w estetycznej grze na pograniczu sztuki i designu, abstrakcji i funkcjonalności.

PATRICIA URQUIOLA: POCZUCIE PROPORCJI

Wpływ japońskiej kultury jest wyraźny. Ta szafka przyjmuje formy haori, kurtki tradycyjnie noszonej na kimono. Została wprowadzona w Japonii już w XVI wieku i noszona przez samurajów, aby chronić się przed zimnem. Ma kształt litery „T” podobny do kimona, ale jest krótsza.

Odniesienie do tego tradycyjnego stroju jest wyraźnie widoczne w proporcjach tego mebla, który operuje tymi samymi objętościami co haori. Jego skośne nogi kontrastują z poziomymi liniami szafki. Minimalistyczna, ale solidna forma podkreślona jest przez wycieniowane krawędzie, które odciążają jego wygląd. Jest to także hołd dla Kazuhide Takahamy, architekta, który zindustrializował starożytną tradycję lakierowania, produkując po raz pierwszy w masowej produkcji wykończenie bardzo podobne do starożytnego chińskiego lakieru, z zaletą trwałości sięgającej wieków. Dziś jego meble są również częścią kolekcji Cassina.

Filozofia projektowania Patricii Urquioli jest dobrze znana, a dzięki jej historii i wykształceniu odziedziczyła podejście do projektowania przez analogię, gdzie obiekt nazywany jest obiektami, ponieważ powstaje z interpretacji innego.

Tradycyjny japoński haori kurtka
(z www.bottegagiapponese.it)

HOŁD DLA SZKLARSTWA Z MURANO

Kolekcja wazonów Sestiere zaprojektowana przez Patricię Urquiolę to zachowanie i interpretacja wielowiekowej tradycji weneckiego szklarstwa.

Wazy są wyraźnym hołdem dla mistrzów szklarstwa i ich znanej, wielowiekowej wiedzy, sięgającej nawet technik szklarskich z okresu rzymskiego i bizantyjskiego.

Wazy to kolorowe bańki dmuchanego szkła „zamknięte” w sieci sznurków. Każda morisa – jak nazywa się w żargonie z Murano każde zastosowanie sznurków, uchwytów lub obramowań dodanych do wyrobu – jest nakładany ręcznie, tworząc celowy efekt atrakcyjnej niedoskonałości na obiekcie oraz lingwistyczne odniesienie inspirowane innym aspektem weneckiej estetyki szkła: techniką rigadin, tradycyjny wzór w paski, który można znaleźć na najpiękniejszych wyrobach szklanych. Dzięki tym cechom i technikom używanym do tworzenia każdej wazy, są to unikatowe dzieła niezwykłego rzemiosła.

Zdjęcia: Paola Pansini

Przeczytaj poprzedni artykuł z The List tutaj