DESIGN DLA MIŁOŚCI
Lista #07
autorstwa Antonelli Dedini
Wszystko o miłości
Tracey Emin, You Saved Me, wystawa Love, Chiostro del Bramante, Rzym, 2018
14 lutego 1400 roku we Francji powołano Wysoki Sąd Miłości, inspirowany zasadami miłości dworskiej, który był pierwszym sądem oficjalnie działającym na rzecz obrony kobiet. Rozpatrywał spory małżeńskie, zdrady oraz przemoc często stosowaną wobec kobiet, czy to matek, żon czy córek. Miał także jurysdykcję nad sporami między kochankami i rozdzielonymi parami, co czyniło go bardzo nowatorskim jak na tamte czasy. Niestety, od tamtej pory niewiele z niego korzystano, a przemoc wobec kobiet nadal występuje w dzisiejszym społeczeństwie.
Więc w tym roku spójrzmy na Walentynki nie tylko jako dzień świętowania chrześcijańskiego męczennika Walentego z Terni – patrona zakochanych, który potajemnie udzielał ślubów chrześcijańskich w czasach, gdy było to zabronione – ale jako święto miłości. Jako święto pasji i szacunku dla partnera, z którym zdecydowaliśmy się dzielić nasze życie na teraz lub na zawsze.
A zgodnie z tym tematem, w tym miesiącu The List poświęcone jest przedmiotom oraz dziełom sztuki i designu o miłości.
MIŁOŚĆ
Robert Indiana, Miłość, USA, 1964
To być może jedno z najlepiej znanych dzieł sztuki na świecie, ponieważ jest nie tylko ikoną amerykańskiego pop-artu, ale także ze względu na natychmiastowy przekaz, jaki przedstawia.
Robert Indiana, ze swoją kolorową i wyrazistą grafiką, szeroko korzystał z reklamy i jej języków. Używał czcionek znanych i budzących zaufanie, aby tworzyć wizualne koncepcje i jasne przekazy. Jego prace składają się z fraz i „rzeźbiarskich poematów”, jak je nazywał, szanując słowo pisane jako medium dla społecznych przekazów, które muszą być zachowane na przestrzeni czasu.
W swoich pracach Indiana wykorzystywał obrazy związane z współczesną sztuką wizualną tak bardzo, jak to możliwe, aby treści jego dzieł mogły być przyswajane, przekształcając przekaz w dzieło sztuki i odwrotnie.
Love to jedno z najsłynniejszych dzieł Indiany, zamówione przez MoMA w 1964 roku na kartkę świąteczną.
BROSZKA SURREALISTYCZNA
Salvador Dalì, Tristan i Izolda, stworzony przez warsztat Carlosa Alemany’ego, USA, około 1944
Ten surrealistyczny brosz został stworzony przez jeden z najbardziej odważnych i eklektycznych umysłów w historii sztuki. Salvador Dalì zainspirował się legendą o Tristanie i Izoldzie, tworząc oszałamiający element biżuterii z przesłaniem o miłości. Brosz przedstawia profile dwojga kochanków, które tworzą kielich, symbolizujący możliwą obfitość miłości między mężczyzną a kobietą.
Dalì stworzył scenografię do baletu Mad Tristan do muzyki Richarda Wagnera w 1944 roku i szczególnie poruszyła go intensywna pasja historii i muzyki. W tych latach, głównie dzięki miłości do swojej muzy Gali, zaczął projektować biżuterię, w tym ten wspaniały brosz. Jego seria rysunków i biżuterii ze złota i kamieni szlachetnych powstała we współpracy z mistrzem złotnictwa Carlosem Alemanym w latach 40.–70. XX wieku i daje nam możliwość zanurzenia się w jego wyjątkowej wyobraźni, gdzie miłość była uczuciem kontrowersyjnym.
Miłość za wszelką cenę, bo miłość nie jest miłością, jeśli nie jest pragnieniem, jak również cierpieniem. Jak mawiał Thomas Mann: prawdziwa miłość to królestwo emocji w opozycji do rozumu.
Dalì powiedział o swojej biżuterii: „Moim celem jest ukazanie sztuki jubilerskiej w jej prawdziwym znaczeniu. Projektowanie i rzemiosło powinny kosztować więcej niż kamienie szlachetne i metale”.
HOŁD DLA KOBIETY
Fabio Viale, La Venere tatuata, Turyn, Włochy, 2016
Ta rzeźba jest hołdem dla kobiet i Wenus z Milo, symbolu piękna i zmysłowości. Rzeźba, pokryta fragmentami Triumfu Śmierci, aby symbolizować horror rzeczywistości w opozycji do ideału piękna, jest współczesną interpretacją mitu, który należy pamiętać i unowocześniać.
Viale czerpie z klasycyzmu, nie naśladując go, lecz tworząc nowe eksperymenty, by opowiadać o niezwykłym, wykraczając poza zwykłość. Dla Viale tatuaże zdobiące plecy Wenus są sposobem na podkreślenie uwodzicielskich kształtów ciała posągu, tworząc zaskakujące połączenie klasycznego i skromnego piękna oraz nieoczekiwanego i prowokującego uroku.
DALÌ I MAE WEST
Salvador Dalì, Mae West, Hiszpania 1935
Salvador Dalí chciał, aby sztuka była częścią wszystkich aspektów życia. Zainteresował się meblarstwem dzięki swojemu przyjacielowi, projektantowi wnętrz Jeanowi Michelowi Frankowi. W latach 1934-1935 pracował nad portretem w technice gwaszu na fotografii aktorki Mae West, kiedy w pewnym momencie wizja poprowadziła go do wyobrażenia sobie surrealistycznej przestrzeni mieszkania na jej twarzy. Przemienił jej blond loki w drzwi, oczy w obrazy, nos w kominek, a usta w sofę.
Był to tak prowokujący i zmysłowy mebel, że brytyjski mecenas Edward James zamówił pełnowymiarową, trójwymiarową wersję. Frank zlecił także pięć kolejnych dla swoich zamożnych klientów, a jeden nawet w „szokująco różowym” kolorze na szminkę wypuszczoną przez projektantkę mody Elsę Schiaparelli.
Nie możemy zapomnieć, że w 1970 roku sofa stała się ikoną pop, przeprojektowaną przez radykalną grupę Studio65 dla Gufram.
EMBRIONY
Alexa Lixfeld, Metamorphose Spoons, Niemcy, 2010
Ta instalacja to opowieść o zmianie i składa się z trzynastu różnych sztućców, które przechodzą transformację. Podobnie jak embriony, elementy zamieniają się w łyżki (żeńskie) lub widelce (męskie).
Ale to właśnie przemiana jest najciekawszym aspektem. Obserwując je, nie można jeszcze określić ich płci, a co za tym idzie, funkcji. Wszystko to opowiedziane jest przez formę.
Metamorphose to opowieść o przemianie czegoś: jak łyżka staje się widelcem? Kiedy jest jeszcze łyżką, a kiedy już widelcem? Kiedy jest męska, a kiedy żeńska? Mówienie o płciach za pomocą sztućców jako metafory jest fascynujące.
KONTROWERSYJNE I DEKORACYJNE
Piero Fornasetti, Adamo ed Eva, Włochy, 1950; remake 2000 Atelier Fornasetti
Ta seria porcelanowych talerzy zdobionych złotem, z rozpoznawalnymi technikami i detalami typowymi dla twórczości Fornasettiego, tworzy artystyczny portret ciał Adama i Ewy.
21 października 1988 roku artykuł w NY Times autorstwa Suzanne Slesin donosił o śmierci wielkiego artysty. W opisie niektórych jego dzieł, kolekcja talerzy Adam i Ewa, z których każdy przedstawia inną część ludzkiego ciała, została określona jako kontrowersyjna i dekoracyjna. W rzeczywistości nigdy nie było lepszego podwójnego przymiotnika dla Fornasettiego, ponieważ był on z pewnością wielkim estetykiem i kochał piękno, ale także artystą, który lubił prowokować.
Przedmioty Fornasettiego są multiplikatami. Jego syn Barnaba Fornasetti, który od ponad trzydziestu lat jest dyrektorem artystycznym mediolańskiego atelier designu, stworzył międzynarodową markę znaną z rzemiosła, sztuki i designu.
WENUS
Carlo Mollino, lustro Wenus, Casa Miller, Turyn, Włochy, 1938
W Casa Miller Mollino ukazuje swoją oryginalność jako dekorator: zręcznie przekracza funkcjonalistyczne schematy tamtych czasów, nie popadając w przesadzone style. Jego pomysłowość jest widoczna w domu zaprojektowanym jako swego rodzaju miejsce „złożone ze ścian i przedmiotów, kształtów i przestrzeni”, gdzie każdy z nich jest częścią „starannie opracowanego scenariusza” (Carlo Levi, Domus).
Każdy obiekt odnosi się do czegoś, jak lustra ze swoimi nieskończonymi aluzjami. Stworzył, ponad dwadzieścia lat przed swoim czasem, tę architekturę perswazji typową dla amerykańskiej teatralności lat 60.
Jego interpretacja profilu Wenus z Milo jako lustra to odejście od konwencjonalnych kształtów luster, przyjmując i wykorzystując znacznie bardziej zmysłowe formy ikonicznej rzeźby przedstawiającej bóstwo. Lustro z kolei odbija, w powiązanej narracji, przedmioty erotycznie ukazane w zmysłowych kobiecych formach.
Na ostatnim zdjęciu widoczne jest lustro, obecnie nazywane Milo i produkowane przez Zanottę.
ESTETYCZNA REWOLUCJA
Verner Panton, krzesło Heart Cone, Szwajcaria, 1958, dla Vitra
W latach 50. Verner Panton, duński projektant o funkcjonalistycznym wykształceniu, został porwany przez niespodziewaną rewolucję w estetyce i myśleniu, wyprzedzającą kolejne dekady pop-artu. Miał ogromny wpływ na pop-art, od przedmiotów po wyposażenie domów i modę, i był czymś zupełnie innym niż skandynawski minimalizm. Wziął do serca motto Walta Disneya „jeśli potrafisz o tym marzyć, potrafisz to zrobić”, eksperymentując z formami, kolorami i nowymi materiałami, tworząc innowacyjne koncepcje przestrzeni dla domów i biur.
Wyobraził sobie i stworzył fantastyczne meble: krzesła wiszące pod sufitem, obrotowe i regulowane na wysokość, a także niezwykłe kształty siedzisk, takie jak słynne krzesło Panton, które mogło powstać tylko dzięki nowym technologiom. Krzesło Heart Cone, współczesna odmiana fotela bergère, jest całe czerwone i ma uspokajający, pocieszający kształt serca.
I MOBILI GRIGI
Ettore Sottsass, Ultrafragola, seria Mobili Grigi, Poltronova, Włochy, 1970
To lustro zostało zainspirowane Alicją w Krainie Czarów Lewisa Carrolla, co widać także po jego rozmiarze (100 cm na 195 cm): duże drzwi, przez które można przejść, będące hołdem dla kobiecości.
Ten egzemplarz był jedynym z serii, który wszedł do produkcji, a bardzo niewiele innych powstało na wystawy lub do prywatnych kolekcji. Tak Sottsass opisał swój projekt Mobili Grigi (Szare Meble): „zaokrąglone i napęczniałe formy (na zawsze), formy o kobiecym pochodzeniu być może lub – jeśli wolisz – o religijnym pochodzeniu (co jest tym samym)”.
To kolekcja mebli zaprojektowanych nie tylko jako funkcjonalne, ale jako obiekty niosące silny komponent emocjonalny, przekazujące przesłania i symbole.
To lustro zostało po raz pierwszy zaprezentowane przez Poltronovę w 1970 roku na Eurodomus 3, prekursorze wydarzenia, które później stało się słynnym Salone del Mobile w Mediolanie.
JEST TAK, JAK WYGLĄDA
Ettore Sottsass, wazon na kwiaty Shiva, BD Barcelona Design, 1973
„Wciąż tworzę małe, małe, małe architektury, takie jak ten ceramiczny obiekt, trochę jak pomniki, trochę jak grobowce, trochę jak opuszczone świątynie bogów, trochę jak ruiny starożytnej i nieznanej cywilizacji, w której coś, jak się mówi, było znane; mówi się, że rozumieli osie, krzywe, przecięcia, być może nawet przyczyny ruchów ciał kosmicznych, po których każdego dnia przesuwają się prywatne wierzchołki atomów tworzących naszą kruchą ciało i krew”.
Ettore Sottsass
DWA SPLĄTANE NITKI
Ingo Maurer, One from the Heart, Niemcy, 1989, prod. I.M.
Ingo Maurer nazywany był poetą światła i geniuszem designu, był wizjonerem i nieprzewidywalnym twórcą. Na każdym Salone del Mobile w Mediolanie pamiętam, że nie mogłem się doczekać, by zobaczyć jego nową kolekcję lamp w Spazio Krizia przy Via Senato. Zawsze potrafił zaskakiwać i być innowacyjny.
Lata 90. były wspaniałe, a geniuszy takich jak on nie było wielu. Był jednym z pierwszych, którzy produkowali własne dzieła i balansował między byciem artystą tworzącym unikalne dzieła sztuki a znalezieniem równowagi i materiałów do tworzenia bardziej przemysłowych projektów.
Ostatecznie zdecydował się produkować własne dzieła, eksperymentując ze światłem i pozwalając swojej wyobraźni biec swobodnie. Stworzył piękne lampy, które są rzeźbami światła, które nigdy nie zgasną. We Włoszech w 2011 roku otrzymał nagrodę Compasso d’oro za całokształt twórczości.
Ta lampka nocna została zaprojektowana jako prezent ślubny dla pary przyjaciół. Czerwone i niebieskie nici są zawiązane i splecione, tworząc obietnicę wiecznej miłości. Podczas gdy lustro w kształcie serca rzuca swój kształt na ścianę, u podstawy lampy czają się dwa małe krokodyle.
MIŁOŚĆ
Fabio Novembre, czerwony kredens LOVe, Driade, Włochy.
„Miłość to wybieranie siebie nawzajem, owiane aurą tajemnicy. Miłość to wierny strażnik wspólnych marzeń, przestrzeń możliwości” – powiedział Fabio Novembre.
Ten jaskrawoczerwony kredens to dwuwymiarowy manifest poświęcony miłości, gdzie litery słowa towarzyszą ci podczas otwierania jego drzwi.
To oszałamiająca jednostka do przechowywania, ale także piękne miejsce, gdzie możemy przechowywać rzeczy, które kochamy. Takie są projekty Fabio Novembre: kontaminacja, zmysłowość, empatia i funkcjonalność.
LINIE ZMYSŁOWE
Driade Lab, jednostki do przechowywania Ercole e Afrodite, Driade, 2021
Antropomorfizm to starożytna sztuka, której znaczenie wywodzi się od greckich słów ánthrōpos, człowiek, i morphē, forma. Zanim zajął centralne miejsce w architekturze Witruwiusza, dominował w kulturach archaicznych, gdzie budynki odzwierciedlały antropomorficzną symbolikę, powielając postacie i proporcje zaczerpnięte z obserwacji ludzkiego ciała.
W czasach nowożytnych i we wzornictwie powstały niezapomniane ikoniczne dzieła artystów takich jak Salvador Dalí, Carlo Mollino, Piero Fornasetti, Gaetano Pesce, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass i Fabio Novembre, by wymienić tylko kilku wielkich projektantów, którzy eksperymentowali z cudami ludzkiego ciała.
To połączenie sztuki i wzornictwa, trend i wspólny wątek między projektantami, którzy decydują się eksperymentować z nowymi formami o zabawnym lub prowokacyjnym charakterze, badając ludzkie ciało i jego części. Wzmacniają cechy i detale ciała, nadając mu magiczny i prastary wymiar dzięki połączeniu języków klasycznych i popkultury.
ON I ONA
Fabio Novembre, Him & Her, Casamania, Włochy, 2008
Na tej liście z pewnością nie mogło zabraknąć tego dzieła.
Zainspirowany fragmentem z Księgi Rodzaju w Biblii, gdzie Bóg tworzy mężczyznę i kobietę, Fabio Novembre przypisał płcie męską i żeńską tym dwóm siedziskom, które przypominają ikoniczny fotel Panton zaprojektowany przez Vernera Pantona w 1959 roku.
W oryginalnym modelu projektant rozróżnił męskie i żeńskie dzięki dwóm różnym odciskom pośladków. Te nagie ciała zostały „wyrzeźbione” w tak realistyczny i bezwstydny sposób, że niemal czujemy ich erotyczny patos.
Są wręcz ikoniczne.
Miękkie serca
Ron Arad, Soft Heart, Moroso, Włochy, 1991
W 1989 roku właśnie dołączyłem do redakcji jako młody praktykant w magazynie Ottagono i (śmiało) wysłano mnie do Londynu, aby przeprowadzić wywiad z izraelsko-urodzonym architektem Ronem Aradem w jego studiu projektowym One Off.
W swojej wizjonerskiej przestrzeni projektował niekonwencjonalne, ręcznie wykonane meble, głównie z spawanych stalowych płyt, o nigdy wcześniej nie widzianych rzeźbiarskich formach. Czułem się najszczęśliwszą osobą na świecie, mając tę fantastyczną pracę i starałem się, mimo braku doświadczenia, jak najwięcej z tego doświadczenia przenieść do Mediolanu, w tym rozmowę z projektantem, która pozwoliła mi zrozumieć, że „forma podąża za funkcją” to bardzo dyskusyjna zasada. Nauczyłem się też, że wkrótce nastąpi konstruktywny dialog między sztuką współczesną a wzornictwem przemysłowym.
Badania Rona Arada wkrótce połączyły się z umiejętnościami Moroso, a ten fotel, będący ewolucją słynnego stalowego fotela The Big Easy zaprojektowanego w 1988 roku, jest tego efektem.
Soft Heart to zabawa zmieniającymi się formami, przechodząc od fotela do serca, od serca do fotela, i eksperymentuje z kształtami, wykorzystując nowe materiały.
PIERŚCIONEK 3D
Giulio Iacchetti, pierścionek Anellove, Cyrcus
Ten pierścionek wydrukowany w 3D można spersonalizować literami imion dwojga kochanków, których chcemy uwiecznić, co czyni go idealnym prezentem na urodziny lub Walentynki.
Cyrcus to ruch/firmą założona przez projektanta Denisa Santachiarę, który opiera się na cyfrowej produkcji, aby tworzyć swoje projekty. Tworzenie, produkcja, wymiana i konsumpcja designu przybiera dzięki temu nowe, niespotykane i naprawdę zrównoważone formy. Cyrcus przekształcił język designu, tworząc swoje produkty z metali szlachetnych i cenionych materiałów, takich jak złoto, srebro, marmur, stal i aluminium, wykorzystując technologie druku 3D, laserowe i CNC, które ułatwiają tworzenie skomplikowanych kształtów, trudnych lub niemożliwych do wykonania tradycyjnymi metodami.
ANNA G
Alessandro Mendini, korkociąg Anna G, Alessi, 1994, Włochy
Ten jasny i kolorowy korkociąg to ikona designu, która zainspirowała inne projekty. Mendini poświęcił gadżet swojej przyjaciółce i koleżance Annie Gili, którą uchwycił idealnie z charakterystycznym bobem. Mendini wprowadził bardzo niewiele zmian do oryginalnego projektu, który wszyscy znamy i kochamy, a który można znaleźć w wielu kuchniach.
Zaprojektowany przez Dominicka Rosatiego w 1928 roku, ma dwa uchwyty i śruby, i przeszedł bardzo niewiele zmian na przestrzeni czasu, poza dodaniem otwieracza do butelek na górze. Najważniejszym elementem jest centralne ciało z śrubą Archimedesa, która wnika w korek i ma łatwo obracający się wierzch. Cały przedmiot został zaprojektowany tak, aby powodować jak najmniejsze uszkodzenia korka. Poprzez dźwignię dwóch uchwytów korek wyskakuje.
Po 1880 roku zaczęto używać korków do zamykania butelek (wcześniej stosowano słoje ze skóry zwierzęcej, ceramiczne lub szklane dzbany oraz drewniane beczki, które po otwarciu nie nadawały się do przechowywania wina). Od tego czasu do 1930 roku zarejestrowano ponad 300 patentów na korkociągi. Ten zaprojektowany przez Alessandro Mendiniego jest zdecydowanie najsłodszym i najbardziej oryginalnym.
Pocałunek
Marco de Masi, solniczka i pieprzniczka Bino & Bina, Cyrcus Design, Włochy
Leonardo da Vinci powiedział, że prostota to najwyższa forma wyrafinowania.
Ten piękny, minimalistyczny zestaw do soli i pieprzu doskonale uosabia tę koncepcję.
To ikoniczny przedmiot wydrukowany w 3D przy użyciu cyfrowych procesów produkcji.
