WOLNOŚĆ W PROJEKTOWANIU: WARUNEK INNOWACJI
Lista #12
Wydanie tego miesiąca The List dotyczy szeroko pojętej koncepcji wolności, pokazując, jak sztuka i design poprawiają nasze życie i często sugerują nowe sposoby bycia wolnym.
Okładka obrazu: Maria Prymachenko, ukraińska artystka
Dziś bardziej niż kiedykolwiek w historii rozumiemy znaczenie wolności przemieszczania się, wspólnej miłości do wolności gwarantowanej przez prawo, demokrację i niepodległość.
Wolność myśli poprawia kulturę, komunikację i dialog między religiami i krajami, podczas gdy wolność płci wywołała jeszcze większą świadomość znaczenia obrony wyjątkowości i szacunku dla innych. Bo wolność to globalne prawo i uczucie oraz fundamentalna wartość bycia człowiekiem.
Ta świadomość pomaga nam planować lepszą przyszłość. Nasze domy, przedmioty, które nas otaczają, oraz nasze ubrania i dodatki musiały przejść transformację.
„Fontanna Wyczerpania” Pavlo Makova: przedstawienie ukraińskiego oporu
Pavlo Makov; Fontanna Wyczerpania. Acqua Alta; Pawilon Ukraiński, 59. Biennale w Wenecji, 2022
Sztuka Pavlo Makova podróżowała samochodem z Charkowa do Wenecji, a kuratorka Maria Lanko została wyznaczona do kurateli wystawy ukraińskiego artysty na Biennale w Wenecji 2022 wraz z Lizą German i Borysem Filonenko. Cudem praca Makova dotarła nienaruszona i reprezentuje ukraiński opór, który nigdy nie przestał wierzyć.
Praca miała premierę w 1995 roku. „To nie praca się zmieniła – to świat zbliżył się do tego, co ta praca reprezentuje”, powiedział 63-letni Makov dla Kyiv Independent. „Rosja chce wyeliminować Ukrainę – i wyeliminować ukraińską kulturę. Jeśli nie ma kultury, Ukraina nie istnieje,” kontynuował, parafrazując wypowiedź brytyjskiego premiera Winstona Churchilla. „Nie czuję się tu artystą, czuję się bardziej obywatelem Ukrainy i uważam, że moim obowiązkiem jest, aby Ukraina była reprezentowana na Biennale.”
Fontanna Wyczerpania. Acqua Alta składa się z 78 mosiężnych lejków ułożonych w trójkąt na 12 poziomach, z wodą płynącą z jednego na górze. Lejki wiszą na ścianie, każdy rozdziela się na dwa i dzieli wodę między kilka lejkóww na każdym poziomie. Gdy dociera do poziomu 3, przepływ zwalnia do kropelki, a na poziomie 6 do zaledwie kropli. Na poziomie 12 ledwo przefiltrowuje się przez ostatnie 12 lejków do płytkiego basenu.
W końcu sztuka jest nie do powstrzymania.
Cats of Brutalism, konto artystyczne na Instagramie wspomniane przez New York Times
Odwiedź @catsofbrutalism na Instagramie
Czasem pomysły są tak głupie, że stają się genialne. Tak jest w przypadku profilu na Instagramie @cats_of_brutalism, wskazanego przez New York Times jako jedno z 5 kont artystycznych, które warto zacząć obserwować na Instagramie.
Profil łączy obrazy dwóch rzeczy, które nie mogłyby być bardziej różne: kotów i brutalistycznych budynków. Czarno-białe zdjęcia brutalistycznych konstrukcji – od Le Corbusiera po budynki Oscara Niemeyera w Brasilii – są przerabiane w Photoshopie z gigantycznymi kotami, które śpią, bawią się lub mruczą.
Wszystkie zdjęcia są opatrzone podpisami wyjaśniającymi architekturę na fotografii (w tym rok, miejsce i nazwisko architekta) oraz koty, zarówno bezpańskie, jak i influencerzy, którzy są już znani w sieci. Bo kto nie kocha kotów?
"Wazon i Artysta" autorstwa ceramika Ugo Marano
Ugo Marano; Wazon i Artysta; Cetara, Włochy; 1991
Ugo Marano był ceramikiem, eklektykiem i utalentowanym wizjonerem. W 1991 roku założył grupę Vasai di Cetara w rybackiej wiosce, gdzie mieszkał niedaleko Salerno w południowych Włoszech.
Używał ceramiki – która dla niego była „sztuką mistrzowską” – połączonej z żelazem jako symbolu przemyślenia wartości umiejętności manualnych, rozumianych jako etyczne nakazy i bogactwo wiedzy.
Pracował w dziedzinie sztuki i designu z „humanistycznym” nastawieniem do współczesnego człowieka.
Gillo Dorfles pisał o Marano, przedstawiając jego twórczość w artykule opublikowanym w magazynie Area w 1989 roku. Można mówić o Marano jako o „misji”, ponieważ w rzeczywistości „to tak, jakby został obarczony rolą świeckiego misjonarza, futurystycznego proroka, [...] z którym Marano wykonuje swoją pracę, tworząc obiekty [...] które wyzwalają jednostkę spod podporządkowania schematom narzuconym przez dominującą technokrację”.
"Afghan Hound", performatywna sztuka Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen; Afghan Hound, 54; Biennale w Wenecji, Włochy; 2011
Afghan Hound było przedstawieniem łączącym taniec, muzykę i grę aktorską na żywo, wystawionym podczas otwarcia 54. Biennale w Wenecji w 2011 roku.
Dzięki ekspresyjnej sile imponującego, ptakopodobnego kostiumu scenicznego oraz kija, który służy jako symboliczny partner do tańca (użycie futra inspirowane jest tradycją wyścigów afgańskich chartów), artystka Lilibeth Cuenca Rasmussen odegrała cztery różne postacie.
Praca poruszała złożoność kwestii płci w kulturach, gdzie mężczyźni i kobiety są segregowani według zasad kultury męskiej. Eksplorowała także, jak stłumiona seksualność może rozwijać nowe transformacje płciowe wykraczające poza tradycje społeczeństwa i kultury.
Afghan Hound wyprowadziła na pierwszy plan stłumione głosy, próbując przekazać historie w ramach afgańskiej tradycji i kultury, kwestionując często stereotypowe i czasem uproszczone zachodnie myślenie o świecie Wschodu.
Aktywistka i pisarka Malalai Joya dołożyła swoje teksty do słów muzyki towarzyszącej występowi:
Refren:
- Alias – nie jestem tym, co widzisz
Refren:
- Mój mężczyzna i ja nigdy nie jesteśmy sami
Chalet w Méribel Les Allues, zaprojektowany przez Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND: WOLNA KOBIETACharlotte Perriand; chalet w Méribel Les Allues, Sabaudia, Francja; 1960-61
W latach 1960-1961 projektantka i miłośniczka gór Charlotte Perriand zaprojektowała swój mały, intymny i przytulny chalet.
Usytuowane na zboczu góry, chalet ma dwa poziomy, które całkowicie otwierają się na krajobraz doliny i oba są dostępne z zewnątrz.
Na niższym poziomie znajduje się mała kuchnia, salon z dużym kominkiem oraz małe pomieszczenie, które jest samodzielne i dostępne tylko z zewnątrz. Przezwane tanière, lub kącik, wyposażony w rozkładane łóżko, umywalkę, prysznic i toaletę.
Na górze znajduje się duże pomieszczenie w stylu tradycyjnych budynków, z odsłoniętym skośnym dachem i dużym oknem wychodzącym na przyrodę.
„Zastosowałam podstawową zasadę: drewniana konstrukcja na kamiennych ścianach, ale aby zamknąć przestrzenie, zamiast drewnianych listew, podwójne szyby oprawione w to samo sosnowe drewno co konstrukcja. Wszystkie przestrzenie na drugim piętrze są więc zamknięte przesuwanymi drzwiami z drewna i przezroczystego szkła. Są ukryte, znikają między kamiennymi ścianami na zewnątrz a drewnianymi panelami wewnątrz. [...]
Brak ściany działowej na drugim piętrze, dwa łóżka w stylu sabaudzkim ustawione w przyjemnych niszach, które pozostawiają dużo wolnej przestrzeni, by być razem. A w mojej niszy, gdy słońce przechodzi nad szczytami - bam! prosto w moje oko -, budzę się” (fragment z Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Zdjęcie: Fred Lahache.
Dozownik na pigułki, rewolucyjny produkt w innowacyjnym opakowaniu
David i Doris Wagner; dozownik na pigułki Ortho-Novum; 1963 (patent z 1961)
Pierwsza doustna pigułka antykoncepcyjna nazywała się Enovid i pojawiła się na rynku w 1960 roku. Już dwa lata później korzystało z niej 1,2 miliona amerykańskich kobiet.
Większość kobiet zna przynajmniej jedną wersję opakowania: okrągły plastikowy dysk, który otwiera się jak muszla i wygląda jak etui na kosmetyki. Jednak pigułka nie zawsze była pakowana w ten sposób. Pierwsza pigułka antykoncepcyjna na rynku była sprzedawana w prostej szklanej butelce z luźnymi tabletkami, tak jak każda inna recepturowa pigułka.
W 1961 roku David i Doris Wagner byli parą w średnim wieku z czwórką dzieci. Nie chcąc mieć więcej, byli podekscytowani możliwością poznania pigułki. Doris otrzymała receptę, a tabletki przyszły w dużej szklanej butelce. Instrukcje mówiły, aby zacząć brać pigułkę piątego dnia cyklu. Ale co jeśli zapomniałaby zażyć tabletkę?
Razem z mężem wynalazła skuteczniejszą metodę przypominania o zażywaniu pigułek: stworzyła prosty kalendarz na kartce papieru i umieściła każdą tabletkę na odpowiednim dniu.
Oryginalny prototyp Wagnerów składał się z dwóch przezroczystych plastikowych dysków i zatrzasku, który wzięli z zabawki jednego z ich synów. Dolny dysk mieścił dwadzieścia tabletek, podczas gdy górny dysk miał otwór, który można było codziennie obracać, aby pokazać właściwą tabletkę wraz z odpowiadającym dniem tygodnia.
Zastrzegli opakowanie, a pierwszą firmą farmaceutyczną, która je przyjęła, była Ortho-Novum. Nowy projekt dozownika, który stworzyli dla Enovid w 1973 roku, stał się opakowaniem, jakie znamy dzisiaj.
"Stolik z ptasimi stopami": wznowienie w kolekcji Cassina Simon
Meret Oppenheim; Stolik z ptasimi stopami; 1939; zdjęcie; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Teraz wznowienie w kolekcji Simon Cassina
Meret Oppenheim była szwajcarsko-niemiecką artystką i poetką, uważaną za muzę ruchu surrealistycznego założonego na początku lat 20. XX wieku przez André Bretona. Przybyła do Paryża w wieku dwudziestu kilku lat i poznała czołowych przedstawicieli ruchu oraz innych członków, w tym Man Raya, Maxa Ernsta, Alberto Giacomettiego, Jeana Arpa i Marcela Duchampa.
Około 1930 roku Salvador Dalí – który dołączył do ruchu, który już wtedy miał zasięg międzynarodowy – zaproponował nowy gatunek artystyczny, czyli „przedmioty funkcjonujące symbolicznie”.
Cechą łączącą wszystkie dzieła tego gatunku jest to, że wydają się pochodzić ze snów i fantazji. Często codzienne przedmioty stają się tak odmienne, że uwalniają się od swoich pierwotnych funkcji i kwestionują ustalone interpretacje. Meret, zafascynowana tym podejściem, zaczęła skupiać się na codziennych przedmiotach, reinterpretowanych na podstawie zmiany znaczeń, które wywołują tajemnicze i unikalne analogie dla widza.
Bikini: rewolucja w strojach kąpielowych
Bikini, 1946
Twórca bikini, Louis Réard, wybrał Micheline Bernardini, tancerkę z Casino de Paris, na modelkę do prezentacji swojego rewolucyjnego stroju kąpielowego i zaprezentował go na pokazie w Hotelu Molitor w Paryżu. Chociaż bikini początkowo nie było całkowicie akceptowane przez kobiety, odniosło ogromny sukces wśród mężczyzn.
W tym roku USA przeprowadzały testy bomb atomowych na atolu Bikini, jednej z 36 Wysp Marshalla na Oceanie Spokojnym. Bikini, nazwane na cześć bomby atomowej, która eksplodowała na wyspie kilka dni wcześniej, również wybuchło na scenie mody.
Wszyscy na świecie wiedzieli, co dzieje się na atolu, więc dlaczego nie nazwać nowego stroju kąpielowego „bikini”? Do swojego pierwszego bikini Réard wybrał materiał z wzorem z pierwszej strony gazety.
Réard zapisał się więc w historii i otworzył swój sklep w Paryżu, który działał tam przez 40 lat.
"Bikini tak małe jak atom"
Pomimo że mozaika z IV wieku n.e. z Villa Romana del Casale przedstawia rzymskie kobiety noszące coś, co wygląda na bikini, musieliśmy czekać wieki, aby zobaczyć dwuczęściowe stroje kąpielowe odsłaniające pępek. Damska odzież plażowa pozostawała bardzo skromna aż do niedawna.
W 1932 roku paryski projektant Jacques Heim stworzył pierwszy kostium kąpielowy znacznie mniejszy od istniejących modeli, co wywołało wtedy niemałe poruszenie. Ze względu na niewielki rozmiar nazwano go Atome, czyli „atom”, na cześć najmniejszego znanego do tej pory elementu, i reklamowano jako „najmniejszy kostium kąpielowy na świecie”.
Paul Poiret i moda Belle Epoque
Paul Poiret; piżamy dzienne i nocne z jedwabnego żakardu; 1918
Paul Poiret (1879–1944) był legendarnym francuskim projektantem mody. Jego wkład w modę XX wieku porównywany jest do wkładu Picassa w sztukę XX wieku.
Poiret dominował w modzie Belle Epoque i przekształcił sylwetki kobiet, uwalniając je od krępujących gorsetów i popularyzując wysokie talie. Po zniesieniu gorsetu posunął się dalej, wprowadzając drapowane spódnice, spodnie haremki i tuniki w kształcie abażurów. Jego technika „drapowania” zamiast powszechnego „kroju” przyniosła mu wielki sukces.
W latach 1916–1918 wprowadził wersję piżam, które można było nosić zarówno w dzień, jak i w nocy, promując modę „w stylu piżamy” jako egzotyczną i elegancką alternatywę dla sukienek do herbaty.
Coco Chanel i emancypacja kobiet
Coco Chanel nie tylko wywróciła świat mody do góry nogami, ale po raz pierwszy sprawiła, że kobiety zaczęto cenić. Stworzyła rewolucyjny styl dla nowego sposobu życia, marząc o awangardowej i wyemancypowanej kobiecie o nowoczesnym sposobie bycia i stylu.
W latach 30. odważna Coco Chanel była jedną z pierwszych kobiet, które nosiły męskie jedwabne (lub aksamitne) piżamy na ulicach, a środowisko modowe nigdy nie zmieniło zdania od tego czasu. Początkowo noszone przez kobiety przy nieformalnych okazjach, w tym zamiast kostiumów kąpielowych, ekstrawaganckie pokazanie déshabillé stało się niekonformistycznym wyrazem zarówno dla arystokracji awangardowej mody, jak i świata artystów.
Ważne kobiety, w tym Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, markiza Luisa Casati, Isadora Duncan, a nawet mężczyźni tacy jak Salvador Dali i Garcia Lorca, nie mieli oporów, by wyznać swoją miłość do wygodnego stylu jedwabnych piżam.
Guma Wrigley’s Spearmint, symbol popkultury
Guma Wrigley’s Spearmint; William Wrigley Jr.; Chicago, USA; 1893
Guma do żucia to fascynujący element popkultury, biorąc pod uwagę, że jest wykonana z syntetycznego materiału na bazie gumy, do którego dodaje się dodatki smakowe i zapachowe, a całkowicie pozbawiona jest wartości odżywczych. Jednak stała się częścią nawyków wielu osób jako środek łagodzący stres i odświeżający oddech.
Żucie z otwartymi ustami przez pewien czas uważane było za fajny i buntowniczy sposób zachowania, stając się symbolem kultury młodzieżowej.
Reklama produktu z pewnością przyczyniła się do rozgłosu gumy do żucia. A reklamy Wrigley’s zawsze były hitem, jak jego reklama z lat 90.
W reklamie mężczyzna i kobieta w autobusie Greyhound wymieniają kilka spojrzeń, zastanawiając się, jak podzielić się ostatnią gumą do żucia. W tle leci piosenka All Right Now zespołu Free, a reklama kończy się hasłem „świetna do żucia, jeszcze lepsza do dzielenia się”.
Plastikowe kubki Dixie: jednorazowe naczynia stołowe poprawiające higienę
Hugh Everett Moore; plastikowe kubki Dixie; USA; 1908
Badania nad chorobami zakaźnymi przyczyniły się do rozwoju szczepionek na początku XX wieku, ale także pomogły spopularyzować jednorazowe naczynia stołowe, w tym jednorazowe papierowe kubki, które zostały wprowadzone do wszystkich dystrybutorów wody pitnej, zwłaszcza w placówkach szpitalnych.
Woda była kiedyś nalewana bezpośrednio z metalowej chochli i pita z wspólnych kubków na ulicach: praktyka wysoce niehigieniczna.
Krucjata Moore’a przeciwko tej praktyce doprowadziła go do opatentowania pierwszego papierowego kubka wykonanego z dwóch połączonych części z płaskim dnem, które później zostało lekko wydrążone, aby kubki można było ustawiać jeden na drugim. Brzeg został następnie lekko zaokrąglony, aby zapewnić solidność konstrukcji i ergonomię podczas picia.
W 1910 roku Moore założył firmę Individual Drinking Cup Company, która później stała się Dixie. Kubki przyjazne środowisku i higieniczne, takie jak te, nigdy nie były bardziej aktualne niż teraz.
Zegarek "Ora Unica" firmy Nava Design zaprojektowany przez Denisa Guidone
Denis Guidone; zegarek Ora Unica; Nava Design; Włochy; 2010
Ten zegarek ma tarczę o unikalnym wzornictwie, a jego pętlaste wskazówki są niemal nieczytelne, tworząc dziwny i wyjątkowy zegarek.
Ten zegarek na rękę staje się niemal dekoracyjną bransoletką, pozornie bez praktycznej funkcji, ale w rzeczywistości jest doskonale czytelny i funkcjonalny, zamieniając czas w coś zabawnego i pełnego radości.
Zegarek Tempo Libero, ostatnie dzieło Bruno Munari
Bruno Munari; Swatch; 1997
Zegarek Tempo Libero to być może Bruno Munari’ego ostatnie dzieło. Miał 90 lat i zaprojektował zegar, którego tarcza jest podzielona na dwa poziomy: dolny wskazuje czas, a górny, gdzie cyfry na tarczy swobodnie mieszają się z każdym ruchem nadgarstka noszącego, uwolnione od standardowych pozycji.
Nieposkromione cyfry sugerują, że być może nie jest ważne, która jest dokładnie godzina, lecz byśmy uświadomili sobie, że mamy wolność korzystać z naszego czasu według własnego uznania.
Minerva pierwszy przenośny gramofon zaprojektowany przez Mario Belliniego
Mario Bellini; Minerva przenośny gramofon; Irradio; 1965
W 1965 roku Irradio poprosiło Mario Belliniego o zaprojektowanie przenośnego gramofonu. Tak powstał Irradiette – obiekt nigdy wcześniej nie widziany, który stał się symbolem całego pokolenia. Jest częścią stałej kolekcji MOMA w Nowym Jorku.
Po Irradiette w 1965 roku pojawiła się Fonette, a trzy lata później bardzo popularny GA 45 Pop Minerva, później produkowany przez Grunding pod nazwą Phono Boy. Phono Boy miał bardziej dojrzały kształt niż jego poprzednicy i cechował się zwartą, lecz smukłą formą.
Został stworzony jako ikona i stał się wizualnym oraz funkcjonalnym wyrazem wolności od burżuazyjnych ram. Środek ucieczki, a także zaangażowania politycznego w roku, gdy protesty młodzieży osiągnęły szczyt.
Ceram X Collection Pierre Charpin: limitowana edycja rzemieślnicza
Pierre Charpin; Ceram X Collection; Craft limitowana edycja; Limoges, Francja; 2003
Dekoracje są całkowicie oderwane od funkcji przedmiotów, chociaż istnieje związek w możliwości wyboru, czy eksponować zmysłowy design, czy ukryć go poprzez różne ustawienia wazonów.
„Nie rozróżniam pracy dla galerii, kolekcjonera czy firmy” – wyjaśnił Charpin, którego kreacje obejmują produkty przemysłowe, instalacje oraz dzieła sztuki w limitowanych seriach, a który został nazwany Projektantem Roku 2017 przez Maison&Objet za swoją „poetycką formę” składającą się z odważnych kształtów i kolorów.
Zdjęcie Morgane Le Gall.
"Sosia dla Campeggi": mutujące siedzisko zaprojektowane przez Emanuele Magini
Emanuele Magini; Sosia dla Campeggi; 2011
Ten piękny projekt Magini jest niemal proroczy. To sofa, która może rozdzielić się na dwa fotele, sofę z funkcją spania lub stać się przestrzenią intymności i schronienia.
Ten element gra na metamorfozach, aby dostosować się do współczesnego stylu życia, który wymaga przedmiotów w domu, które możemy przekształcać w zależności od naszych potrzeb. Cały system jest wykonany z poliuretanu pokrytego lycrą.
Cyrcus, nowa koncepcja studia designu
Alessandro Mendini; Monsters waza do zupy; wyprodukowana przez Cyrcus; 2016, rzeźba wydrukowana w 3D na podstawie cyfrowo zeskanowanej neapolitańskiej barokowej wazy do zupy, reinterpretowana przez projektanta.
Założony przez projektanta Denisa Santachiarę, Cyrcus jest zarówno ruchem, jak i firmą, która wyłącznie korzysta z dostawców 2.0, czyniąc powszechną produkcję cyfrową rzeczywistością.
Tworzenie, produkcja, wymiana i konsumpcja designu przybiera więc bezprecedensowe i naprawdę zrównoważone formy.
Cyrcus odnawia język designu, tworząc swoje produkty z materiałów takich jak złoto, srebro, marmur, stal i aluminium, oraz wykorzystując technologie druku 3D, takie jak cięcie laserowe i CNC, tworząc w ten sposób formy, które byłyby skomplikowane lub niemożliwe do wykonania tradycyjnymi technikami.
