DISEÑO PARA EL AMOR
La lista #07
por Antonella Dedini
Todo sobre el amor
Tracey Emin, Me salvaste, exposición Amor, Chiostro del Bramante, Roma, 2018
El 14 de febrero de 1400 se creó en Francia el Tribunal Superior del Amor, inspirado en los principios del amor cortés, y fue el primer tribunal que trabajó oficialmente en favor de la defensa de la mujer. Se ocupó de las disputas matrimoniales, las traiciones y la violencia que a menudo se perpetraba contra las mujeres, ya fueran madres, esposas o hijas. También tenía jurisdicción sobre las disputas entre amantes y entre parejas separadas, lo que lo adelantó mucho a su época. Lamentablemente, desde entonces se ha hecho poco uso de ella y la violencia contra las mujeres continúa incluso en la sociedad actual.
Así que este año veamos el Día de San Valentín no sólo como un día para celebrar al mártir cristiano Valentín de Terni – patrón de los amantes que oficiaba en secreto matrimonios cristianos en una época en la que esto no estaba permitido – sino como una celebración del amor. Como celebración de la pasión y el respeto por la pareja y con la que hemos decidido compartir nuestra vida por ahora, o para siempre.
Y de acuerdo con este tema, The List de este mes trata sobre objetos, obras de arte y diseño sobre el amor .
AMAR
Robert Indiana, Amor, Estados Unidos, 1964
Esta es quizás una de las obras de arte más conocidas a nivel mundial ya que no sólo es protagonista del arte pop estadounidense, sino también por el mensaje inmediato que transmite.
Robert Indiana, con su gráfica colorida e incisiva, hizo un amplio uso de la publicidad y sus lenguajes. Usó fuentes familiares y tranquilizadoras para crear conceptos visuales y mensajes claros. Su obra se compone de frases y “poemas escultóricos”, como él los llamaba, respetando la palabra escrita como soporte de mensajes sociales que deben preservarse en el tiempo.
En sus obras, Indiana utilizó en la medida de lo posible imágenes ligadas al arte visual contemporáneo para que el contenido de sus obras pudiera ser absorbido, transformando el mensaje en una obra de arte y viceversa.
Love es una de las piezas más famosas de Indiana y el MoMA le encargó una tarjeta de Navidad en 1964.
EL BROCHE SURREALISTA
Salvador Dalí, Tristán e Isolda, creado en el taller de Carlos Alemany, EE.UU., hacia 1944
Este broche surrealista fue creado por una de las mentes más atrevidas y eclécticas de la historia del arte. Salvador Dalí se inspiró en la leyenda de Tristán e Isolda para crear una impresionante pieza de joyería con un mensaje sobre el amor. El broche muestra los perfiles de dos amantes que forman una copa, que a su vez representa una posible abundancia de amor entre un hombre y una mujer.
Dalí creó los decorados para el ballet Mad Tristan con música de Richard Wagner en 1944 y quedó particularmente impresionado por la intensa pasión de la historia y la música. En esos años, gracias principalmente al amor por su musa Gala, comenzó a diseñar joyas, entre ellas este magnífico broche. Sus series de dibujos y joyas en oro y piedras preciosas fueron creadas con el maestro orfebre Carlos Alemany entre los años 40 y 70, y nos ofrecen la oportunidad de sumergirnos en su especial imaginación, donde el amor era un sentimiento controvertido.
Amar a toda costa, porque el amor no es amor si no es deseo además de sufrimiento. Como solía decir Thomas Mann: el verdadero amor es un reino de emociones en antítesis de la razón.
Dalí dijo lo siguiente sobre sus joyas: “Mi objetivo es mostrar el arte de la joyería en su verdadero significado. El diseño y la artesanía deberían costar más que las piedras y los metales preciosos”.
ODA A LA MUJER
Fabio Viale, La Venus tatuada, Turín, Italia, 2016
Esta escultura es una oda a la mujer y a la Venus de Milo, emblema de belleza y sensualidad. Esta escultura, tatuada con fragmentos de El triunfo de la muerte para simbolizar el horror de la realidad frente al ideal de belleza, es una interpretación contemporánea de un mito que conviene recordar y modernizar.
Viale toma prestado del clasicismo sin emularlo, sino que crea nuevos experimentos para narrar lo extraordinario, yendo más allá de lo ordinario. Para Viale, los tatuajes que decoran la espalda de Venus son una forma de resaltar las formas seductoras del cuerpo de la estatua, creando una sorprendente asociación entre la belleza clásica y modesta, y la belleza inesperada y provocativa.
DALÌ Y MAE WEST
Salvador Dalí, Mae West, España 1935
Salvador Dalí quería que el arte fuera parte de todos los aspectos de la vida. Se interesó por los muebles gracias a su amigo, el interiorista Jean Michel Frank. Entre 1934 y 1935 trabajó en un retrato al gouache sobre una fotografía de la actriz Mae West cuando, en cierto momento, una visión le llevó a imaginar el espacio surrealista de un piso en su rostro. Convirtió sus rizos rubios en una puerta, sus ojos en cuadros, su nariz en una chimenea y sus labios en un sofá.
Era una pieza tan provocativa y sensual que el mecenas británico Edward James pidió una versión tridimensional a escala real. Frank también encargó cinco más para sus clientes adinerados y uno incluso en “rosa impactante” para el lápiz labial lanzado por la diseñadora de moda Elsa Schiaparelli.
Y no podemos olvidar que en 1970, el sofá se convirtió en un icono pop rediseñado por el grupo radical Studio65 para Gufram.
EMBRIONES
Alexa Lixfeld, Metamorphose Spoons, Alemania, 2010
Esta instalación es una historia de cambio y está compuesta por trece piezas diferentes de platería que sufren una transformación. Al igual que los embriones, los trozos se convierten en cucharas (hembras) o en tenedores (machos).
Pero es precisamente la transformación el aspecto más interesante. Al observarlos, todavía no es posible definir su sexo y, por tanto, su función. Todo esto se cuenta a través de la forma.
La metamorfosis trata sobre el devenir de algo: ¿cómo se convierte una cuchara en un tenedor? ¿Cuándo sigue siendo cuchara y cuándo ya es tenedor? ¿Cuándo es macho y cuándo es hembra? Hablar de los sexos a través de los cubiertos como metáfora es fascinante.
CONTROVERSIAL Y DECORATIVO
Piero Fornasetti, Adán y Eva, Italia, 1950; Nueva versión de 2000 de Atelier Fornasetti
Esta serie de platos de porcelana decorados con oro, con las reconocibles técnicas y detalles típicos de la obra de Fornasetti, componen en conjunto un retrato artístico de los cuerpos de Adán y Eva.
El 21 de octubre de 1988, un artículo del New York Times escrito por Suzanne Slesin informaba de la muerte del gran artista. En la descripción de algunas de sus obras, la colección de láminas de Adán y Eva, cada una de las cuales muestra una parte diferente del cuerpo humano, fue definida como controvertida y decorativa. De hecho, nunca hubo un doble adjetivo mejor para Fornasetti, ya que ciertamente era un gran esteta y amaba la belleza, pero también era un artista al que le gustaba ser provocador.
Los objetos de Fornasetti son múltiples. Su hijo Barnaba Fornasetti, director artístico del taller de diseño milanés durante más de treinta años, ha creado una marca internacional conocida por su artesanía, arte y diseño.
VENUS
Carlo Mollino, Espejo de Venus, Casa Miller, Turín, Italia, 1938
En Casa Miller, Mollino revela su originalidad como decorador: trasciende hábilmente los esquemas funcionalistas de la época sin caer en estilos exagerados. Su ingenio queda patente en una casa concebida como una especie de lugar “compuesto de paredes y objetos, formas y espacios”, donde cada uno forma parte de “un guión bien elaborado” (Carlo Levi, Domus).
Cada objeto remite a algo así como espejos con sus infinitas alusiones. Creó, más de veinte años adelantado a su tiempo, esa arquitectura de persuasión propia de la teatralidad estadounidense de los años sesenta.
Su interpretación del perfil de la Venus de Milo como un espejo rompe con las formas convencionales de los espejos, adoptando y utilizando las formas mucho más sensuales de la icónica estatua que representa a la divinidad. El espejo, a su vez, refleja, en una narrativa conectada, objetos retratados eróticamente en sensuales formas femeninas.
En la última imagen se muestra el espejo, ahora llamado Milo y producido por Zanotta.
REVOLUCIÓN ESTÉTICA
Verner Panton, Heart Cone Chair, Suiza, 1958, para Vitra
En la década de 1950, Verner Panton, un diseñador danés con formación funcionalista, se vio arrastrado por una revolución inesperada en la estética y el pensamiento que se adelantó a las décadas posteriores del arte pop. Tuvo una gran influencia en el arte pop, desde objetos hasta muebles para el hogar y moda, y era todo menos un diseño escandinavo minimalista. Tomó en serio el lema de Walt Disney, “si puedes soñarlo, puedes hacerlo”, experimentando con formas, colores y nuevos materiales, creando ideas innovadoras de espacio para hogares y oficinas.
Imaginó y creó muebles fantásticos: sillas suspendidas del techo, giratorias y regulables en altura, así como formas de asientos inusuales, como la famosa Panton Chair, que sólo podía crearse con nuevas tecnologías. La Heart Cone Chair, una evolución contemporánea del sillón bergère, es completamente roja y tiene la tranquilizadora y reconfortante forma de un corazón.
MUEBLES GRISES
Ettore Sottsass, Ultrafragola, serie Mobili Grigi, Poltronova, Italia, 1970
Este espejo se inspiró en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol, como también lo demuestra su tamaño (100 cm por 195 cm): una gran puerta por la que se puede pasar y un homenaje a la feminidad.
Esta pieza fue la única de la serie que entró en producción, y muy pocas de las demás se realizaron para exposiciones o colecciones privadas. Así describió Sottsass su proyecto Mobili Grigi (Muebles grises): “formas redondeadas e hinchadas (para siempre), formas de origen femenino tal vez o, si se quiere, de origen religioso (que es lo mismo)”.
Se trata de una colección de muebles diseñada no solo para ser funcional, sino para objetos que abrazan un fuerte componente emocional que transmite mensajes y símbolos.
Este espejo fue presentado por primera vez por Poltronova en 1970 para Eurodomus 3, un evento precursor del que más tarde se convertiría en el ahora famoso Salone del Mobile de Milán.
ES LO QUE PARECE
Ettore Sottsass, florero Shiva, BD Barcelona Design, 1973
“Sigo haciendo pequeñas, pequeñas, pequeñas arquitecturas, como esta pieza de cerámica, por ejemplo, un poco como monumentos, un poco como tumbas, un poco como los templos abandonados de los dioses, un poco como las ruinas de los antiguos y civilización desconocida en la que algo, digamos, era conocido; se dice que comprendieron los ejes, las curvas, las intersecciones, tal vez incluso la causación de los cursos de los cuerpos cósmicos, por los que se deslizan cada día los vértices privados de los átomos que componen nuestra frágil carne y nuestra sangre”.
Ettore Sottsass
DOS HILOS TRENZADOS
Ingo Maurer, Uno desde el corazón, Alemania, 1989, prod. SOY.
Ingo Maurer fue llamado el poeta de la luz y el genio del diseño y era visionario e impredecible. En cada Salone del Mobile de Milán recuerdo que no podía esperar a ver su nueva colección de lámparas en el Spazio Krizia de Via Senato. Siempre logró ser sorprendente e innovador.
Los años 90 fueron años maravillosos y no hubo muchos genios como él. Fue uno de los primeros en producir sus propias obras y caminó en la línea entre ser un artista que creaba obras de arte únicas y encontrar el equilibrio y los materiales para crear diseños más industriales.
Finalmente decidió producir sus propias piezas, experimentando con la luz y siendo libre de dejar volar su imaginación. Creó hermosas lámparas, que son esculturas de luz que nunca se desvanecen. En Italia, recibió el Premio a la Trayectoria Compasso d’oro en 2011.
Esta lámpara de noche fue diseñada como regalo de bodas para una pareja de amigos. Hilos rojos y azules se anudan y entrelazan, creando una promesa de amor eterno. Mientras un espejo en forma de corazón proyecta su forma en la pared, dos pequeños cocodrilos acechan en la base de la lámpara.
AMAR
Fabio Novembre, mueble LOVe en rojo, Driade, Italia.
“El amor es elegirse el uno al otro, envuelto en un aura de misterio. El amor es un fiel guardián de los sueños compartidos, un espacio de posibilidades”, afirmó Fabio Novembre.
Este aparador de color rojo vivo es un manifiesto bidimensional dedicado al amor, y donde las letras de la palabra te acompañan al abrir sus puertas.
Esta es una impresionante unidad de almacenamiento, pero también un hermoso espacio donde podemos guardar las cosas que amamos. De eso tratan los diseños de Fabio Novembre: contaminación, sensualidad, empatía y funcionalidad.
LÍNEAS SENSUALES
Dryad Lab, almacenamiento de Hércules y Afrodita unidos, Dryad, 2021
El antropomorfismo es un arte antiguo cuyo significado se remonta a la palabra griega ánthrōpos, hombre, y morphē, forma. Antes de asumir un papel central en la arquitectura de Vitruvio, dominó las culturas arcaicas, donde los edificios reflejaban un simbolismo antropomórfico al replicar figuras y medidas derivadas de la observación del cuerpo humano.
En los tiempos modernos y en el diseño, ha habido obras icónicas inolvidables de artistas como Salvador Dalí, Carlo Mollino, Piero Fornasetti, Gaetano Pesce, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass y Fabio Novembre, por nombrar sólo algunos de los grandes diseñadores que han experimentado con el maravillas del cuerpo humano.
Cruce entre arte y diseño, es una tendencia y un hilo conductor entre diseñadores que deciden experimentar con nuevas formas con un aire lúdico o provocativo, experimentando con el cuerpo humano y sus partes. Magnifican los rasgos y detalles del cuerpo, dándole una dimensión mágica y ancestral gracias a una mezcla de lenguajes clásicos y pop.
EL Y ELLA
Fabio Novembre, Él y ella, Casamania, Italia, 2008
Esta lista ciertamente no podía dejar de lado esta pieza.
Inspirándose en el pasaje del Génesis de la Biblia donde Dios crea al hombre y a la mujer, Fabio Novembre asignó sexos masculino y femenino a estos dos asientos, que recuerdan a la icónica Silla Panton diseñada por Verner Panton en 1959.
En el modelo original, el diseñador distinguía entre hombre y mujer gracias a las dos huellas diferentes de las nalgas. Estos cuerpos desnudos fueron “esculpidos” de una manera tan realista y descarada que casi podemos sentir su patetismo erótico.
Son francamente icónicos.
CORAZONES SUAVES
Ron Arad, Corazón blando, Moroso, Italia, 1991
En 1989, acababa de incorporarme a la redacción de la revista Ottagono como joven aprendiz y me enviaron (audazmente) a Londres para entrevistar al arquitecto israelí Ron Arad en su estudio de diseño One Off.
En su espacio visionario diseñó muebles artesanales inconformistas, principalmente en placas de acero soldadas, que tenían formas escultóricas nunca antes vistas. Me sentí la persona más afortunada del mundo por tener ese fantástico trabajo e intenté, aunque no tuviera experiencia, traer todo lo posible de esa experiencia a Milán, incluida mi charla con el diseñador que me permitió entender eso”. la forma sigue a la función” es un axioma muy discutible. También aprendí que pronto habría un diálogo constructivo entre el arte contemporáneo y el diseño industrial.
La investigación de Ron Arad pronto se combinó con las habilidades de Moroso, y el resultado es este sillón, que es la evolución del famoso sillón de acero The Big Easy diseñado en 1988.
Soft Heart es un juego de cambiar volúmenes, pasar de un sillón a un corazón, de un corazón a un sillón, y experimentar con formas utilizando nuevos materiales.
ANILLO 3D
Giulio Iacchetti, Anillo Anellove, Cyrcus
Este anillo impreso en 3D se puede personalizar con las letras de los nombres de los dos enamorados que queramos inmortalizar, lo que lo convierte en el regalo perfecto para un cumpleaños o San Valentín.
Cyrcus es un movimiento/empresa fundado por el diseñador Denis Santachiara y depende de la fabricación digital para producir sus diseños. Crear, producir, intercambiar y consumir diseño adquiere así formas nuevas, sin precedentes y verdaderamente sostenibles. Cyrcus ha transformado el lenguaje del diseño, fabricando sus productos en metales preciosos y materiales preciados como oro, plata, mármol, acero y aluminio mientras utiliza tecnologías de impresión 3D, láser y CNC, que facilitan la creación de formas complejas que de otro modo serían difíciles o imposible de realizar utilizando técnicas tradicionales.
ANNA G.
Alessandro Mendini, Sacacorchos Anna G, Alessi, 1994, Italia
Este sacacorchos brillante y colorido es un ícono del diseño que ha inspirado otros diseños. Mendini dedicó el gadget a su amiga y colega Anna Gili, a quien Mendini capturó a la perfección con su característico bob. Mendini hizo muy pocos cambios al diseño original que todos conocemos y amamos y que se puede encontrar en muchas cocinas.
Diseñado por Dominick Rosati en 1928, tiene dos manijas y tornillos, y ha sufrido muy pocos cambios a lo largo del tiempo excepto por la adición del abridor de botellas en la parte superior. La característica ganadora es el cuerpo central que tiene un tornillo de Arquímedes que penetra en el corcho y tiene una tapa fácil de girar. Toda la pieza fue diseñada para crear el menor daño posible al corcho. Al hacer palanca en las dos asas, el corcho sale.
A partir de 1880 se empezó a utilizar el corcho para sellar las botellas (anteriormente se habían utilizado tinajas de piel de animal, cántaros de cerámica o vidrio y barriles de madera, que una vez abiertos ya no servían para almacenar vino). Desde entonces hasta 1930 se registraron más de 300 patentes de sacacorchos. El diseñado por Alessandro Mendini es, con diferencia, el más dulce y original.
EL BESO
Marco de Masi, salero y pimentero Bino & Bina, Cyrcus Design, Italia
Leonardo da Vinci decía que la simplicidad es la máxima sofisticación.
Este hermoso y minimalista juego de salero y pimentero encarna este concepto a la perfección.
Se trata de una pieza icónica que fue impresa en 3D mediante procesos de fabricación digital.
