LIBERTAD EN EL DISEÑO: UN PRERREQUISITO PARA LA INNOVACIÓN
La lista #12
La edición de este mes de The List trata sobre el concepto de libertad a gran escala, aborda cómo el arte y el diseño mejoran nuestras vidas y, a menudo, sugieren nuevas formas de ser libres.
Imagen de portada: María Prymachenko artista ucraniana
Hoy más que en cualquier otro momento de la historia, entendemos el significado de la libertad de movimiento, el amor común a la libertad garantizada por la ley, la democracia y la independencia.
La libertad de pensamiento mejora la cultura, la comunicación y el diálogo entre religiones y países, mientras que la libertad de género ha generado aún más conciencia sobre la importancia de defender la singularidad y el respeto por los demás. Porque la libertad es un derecho y un sentimiento global y un valor fundamental del ser humano.
Esta conciencia nos ayuda a planificar un futuro mejor. Nuestros hogares, los objetos que nos rodean y nuestra ropa y accesorios necesariamente han sufrido una transformación.
"Fuente del agotamiento" de Pavlo Makov: una representación de la resistencia ucraniana
Pavlo Makov; Fuente del agotamiento. Agua Alta; Pabellón de Ucrania, 59. Bienal de Venecia, 2022
El arte de Pavlo Makov viajó en automóvil desde Kharkiv a Venecia, y la curadora Maria Lanko fue asignada para curar la exposición del artista ucraniano en la Bienal de Venecia 2022 junto con Liza German y Borys Filonenko. Por milagro, la obra de Makov llegó intacta y representa la resistencia ucraniana que nunca ha dejado de creer.
La obra se estrenó en 1995. “No es que la obra haya cambiado, es el mundo que se ha acercado a lo que representa esta obra”, dijo Makov, de 63 años, al Kyiv Independent. "La idea de Rusia es eliminar a Ucrania y eliminar la cultura ucraniana. Si no tiene cultura, Ucrania no existe", continuó, parafraseando una declaración del primer ministro británico Winston Churchill. "Aquí no me siento un artista, me siento mucho más un ciudadano de Ucrania y es mi deber que Ucrania esté representada en la Bienal".
Fuente del agotamiento. Agua Alta Consta de 78 embudos de bronce dispuestos en forma de triángulo en 12 niveles, de uno de los cuales fluye agua en la parte superior. Los embudos cuelgan de la pared, cada uno de los cuales se divide en dos y dividen el agua entre múltiples embudos en cada nivel. Cuando alcanza el nivel 3, el flujo se reduce a un goteo y en el nivel 6 a un simple goteo. En el nivel 12, apenas se filtra a través de los últimos 12 embudos hacia una piscina poco profunda.
Al final, el arte es imparable.
Cats of Brutalism, la cuenta de arte de Instagram mencionada por el New York Times
Visita @catsofbrutalism en Instagram
A veces las ideas son tan tontas que acaban siendo brillantes. Este es el caso del perfil de Instagram @cats_of_brutalism, señalado por el New York Times como una de las 5 cuentas de arte para empezar a seguir en Instagram.
El perfil combina imágenes de dos cosas que no podrían ser más diferentes: gatos y edificios brutalistas. Se toman fotografías en blanco y negro de construcciones brutalistas, desde las de Le Corbusier hasta las de Oscar Niemeyer en Brasilia, y retocadas con gatos de gran tamaño que duermen, juegan o ronronean.
Todas las imágenes van acompañadas de leyendas que explican la arquitectura de la fotografía (incluyendo año, ubicación y nombre del arquitecto) y los felinos, ya sean gatos callejeros o gatos influencers que ya son famosos en la web. Porque ¿a quién no le gustan los gatos?
"El jarrón y el artista" del ceramista Ugo Marano
Ugo Marano; El jarrón y el artista; Cetara, Italia; 1991
Ugo Marano fue un ceramista, ecléctico y un visionario talentoso. En 1991 creó el grupo Vasai di Cetara en el pueblo de pescadores donde vivía cerca de Salerno, en el sur de Italia.
Utilizó la cerámica –que para él era un “arte maestro”– combinada con el hierro como símbolo de repensar el valor de las habilidades manuales, entendidas como un dictamen ético y una riqueza de conocimientos.
Trabajó en el arte y el diseño con una inclinación "humanista" hacia el hombre contemporáneo.
Gillo Dorfles escribió sobre Marano, presentando su trabajo en el artículo aparecido en la revista Area en 1989. Se puede hablar de la de Marano como una 'misión', porque en realidad “es como si tuviera el encargo de ser un misionero laico, un profeta futurista, [...] con el que Marano realiza su trabajo para realizar objetos [...] que liberen al individuo del sometimiento a los esquemas impuestos por la tecnocracia dominante”.
“Sabueso Afgano”, el arte performativo de Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen; Lebrel Afgano, 54; Bienal de Venecia, Italia; 2011
Perro afgano fue una actuación que incluía danza, música y actuación en vivo y se presentó en la inauguración de la 54ª Bienal de Venecia en 2011.
A través del poder expresivo de un impresionante traje escénico con forma de pájaro y un bastón que sirve como compañero de baile simbólico (el uso de pieles está inspirado en la tradición de las carreras de galgos afganos), la artista Lillibeth Cuenca Rasmussen interpretó cuatro personajes diferentes.
El trabajo abordó las complejidades del género en culturas donde hombres y mujeres están segregados bajo las reglas de la cultura masculina. También exploró cómo la sexualidad reprimida puede desarrollar nuevas transformaciones de género más allá de las tradiciones de la sociedad y la cultura.
Perro afgano puso en primer plano las voces reprimidas mientras intentaba comunicar historias dentro de la tradición y la cultura afganas desafiando el pensamiento occidental, a menudo estereotipado y a veces reduccionista, sobre el mundo oriental.
La activista y escritora Malalai Joya contribuyó con sus escritos a la letra de la música que acompaña la actuación:
Abstenerse:
- Alias – No soy lo que ves
Abstenerse:
- Mi hombre y yo nunca estamos solos
El chalet en Méribel Les Allues, diseñado por Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND: UNA MUJER LIBRECharlotte Perriand; chalet en Méribel Les Allues, Saboya, Francia; 1960-61
Entre 1960 y 1961, la diseñadora y entusiasta de la montaña Charlotte Perriand diseñó su pequeño, íntimo y acogedor chalet .
Ubicado en la ladera de la montaña, el chalet tiene dos niveles que se abren completamente al paisaje del valle y son accesibles desde el exterior.
En el nivel inferior hay una pequeña cocina , una sala de estar con una gran chimenea y una pequeña habitación independiente a la que solo se puede acceder desde el exterior. Apodado el guarida, o estudio, está equipado con una cama plegable, un lavabo, una ducha y un inodoro.
Arriba hay una gran sala al estilo de los edificios tradicionales, con un techo inclinado visto y un gran ventanal que da a la naturaleza.
“Apliqué un principio básico: estructura de madera sobre muros de piedra, pero para cerrar los huecos, en lugar de listones de madera, doble acristalamiento enmarcado por la misma madera de pino que la estructura. De este modo, todos los huecos del segundo piso se cierran mediante puertas correderas de madera y cristal transparente. Quedan ocultos, desapareciendo entre los muros de piedra del exterior y los paneles de madera del interior. [...]
En el segundo piso, sin tabique, dos camas de estilo Saboya dispuestas en agradables nichos que dejan mucho espacio libre para estar juntos. Y, en mi nicho, cuando el sol se esconde entre las cumbres - ¡bam! en mi ojo -, me despierto” (extracto de Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Foto de Fred Lahache.
El Pastillero, un producto revolucionario en envases innovadores
David y Doris Wagner; dispensador de pastillas para Ortho-Novum; 1963 (patente de 1961)
La primera píldora anticonceptiva oral se llamó Enovid y se comercializó en 1960. Sólo dos años después, 1,2 millones de mujeres estadounidenses ya la utilizaban.
La mayoría de las mujeres están familiarizadas con al menos una versión de su empaque: un disco redondo de plástico que se abre como una concha y parece un estuche de maquillaje. Pero la píldora no siempre estuvo empaquetada de esta manera. La primera píldora anticonceptiva del mercado vino en un simple frasco de vidrio con tabletas sueltas, como cualquier otra píldora recetada.
En 1961, David y Doris Wagner eran una pareja de mediana edad con cuatro hijos. Sin querer más, se emocionaron al saber sobre la píldora. Doris recibió la receta y las pastillas llegaron en un frasco grande de vidrio. Las instrucciones decían que debía comenzar a tomar la píldora el quinto día de su ciclo. ¿Pero qué pasa si se le olvidó tomar una pastilla?
Junto con su marido, inventó un método más eficaz para recordar tomar las pastillas: creó un calendario sencillo en una hoja de papel y colocó cada pastilla en el día correcto.
El prototipo original de Wagner constaba de dos discos de plástico transparente y un cierre a presión que tomaron de uno de los juguetes de su hijo. El disco inferior contenía veinte pastillas, mientras que el disco superior tenía un orificio que se podía girar cada día para mostrar la pastilla correcta junto con el día de la semana correspondiente.
Patentaron el envase y la primera empresa farmacéutica en adoptarlo fue Ortho-Novum. El nuevo diseño de dispensador que crearon para Enovid en 1973 se convirtió en el envase tal como lo conocemos hoy.
"Mesa con patas de pájaro": una reedición de la colección Cassina Simon
Meret Oppenheim; Mesa con patas de pájaro; 1939; foto; Imágenes de V&A, Museo de Victoria y Alberto.
Ahora una reedición de la colección Simon de Cassina
Meret Oppenheim fue la artista y poeta suizo-alemana considerada una musa del movimiento surrealista fundado a principios de la década de 1920 por André Breton. Llegó a París cuando tenía poco más de veinte años y conoció a los principales exponentes del movimiento y a otros miembros, incluidos Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp y Marcel Duchamp.
Hacia 1930 Salvador Dalí –que se había sumado al movimiento, que entonces ya tenía alcance internacional– sugirió un nuevo género artístico, el de los “objetos que funcionan simbólicamente”.
La característica que une a todas las obras de este género es que parecen surgir de sueños y fantasías. A menudo los objetos cotidianos se vuelven tan diferentes que se liberan de sus funciones originales y desafían las interpretaciones establecidas. Meret, fascinada por este enfoque, comenzó a centrar su atención en objetos cotidianos, reinterpretados en base a un cambio de significados que provocan analogías desconcertantes y únicas para el espectador.
El Bikini: la revolución de los bañadores
El bikini, 1946
El inventor del bikini Louis Réard eligió a Micheline Bernardini, bailarina del Casino de París, como modelo para el lanzamiento de su revolucionario bañador y la hizo desfilar en el Hotel Molitor de París. Aunque al principio el bikini no fue del todo aceptado por las mujeres, entre los hombres tuvo un gran éxito.
Ese año, Estados Unidos estaba realizando pruebas de bombas atómicas en el atolón Bikini, una de las 36 Islas Marshall en el Océano Pacífico. El bikini, que lleva el nombre de la bomba atómica que había explotado en la isla unos días antes, también irrumpió en escena.
Todo el mundo sabía lo que estaba pasando en el atolón, así que ¿por qué no llamar “bikini” al nuevo traje de baño? Para su primer bikini, Réard eligió una tela con el estampado de la portada de un periódico.
Réard hizo así historia y abrió su tienda en París, que permaneció allí durante 40 años.
"Bikini tan pequeño como el Átomo"
A pesar de que un mosaico del siglo IV d.C. de la Villa Romana del Casale muestra a mujeres romanas vistiendo lo que parecen ser bikinis, tuvimos que esperar siglos para ver trajes de baño de dos piezas que permitieran vislumbrar el ombligo. La ropa de playa femenina hasta hace poco era muy modesta.
En 1932, el modisto parisino Jacques Heim creó por primera vez un traje de baño mucho más pequeño que los modelos existentes, lo que causó cierto revuelo en ese momento. Debido a su pequeño tamaño, pasó a llamarse Atome, o “átomo”, en honor al elemento más pequeño conocido hasta la fecha, y se anunció como “el traje de baño más pequeño del mundo”.
Paul Poiret y la moda Belle Epoque
Pablo Poiret; pijamas de día y de noche en jacquard de seda; 1918
Paul Poiret (1879-1944) fue un legendario modisto francés. Sus contribuciones a la moda del siglo XX han sido comparadas con las contribuciones de Picasso al arte del siglo XX.
Poiret dominó la moda Belle Epoque y remodeló la figura de las mujeres liberándolas de los corsés restrictivos y popularizando las cinturas altas. Tras la abolición del corsé, fue más allá con faldas drapeadas, pantalones harén y túnicas con pantalla de lámpara. Su técnica de "drapear" en lugar de la "sastrería" común le trajo un gran éxito.
Entre 1916 y 1918 lanzó una versión de pijama que podía usarse tanto de día como de noche, fomentando la moda "estilo pijama" como una alternativa exótica y elegante a los vestidos de té.
Coco Chanel y el empoderamiento de la mujer
Coco Chanel no sólo puso patas arriba el mundo de la moda, sino que también lo hizo valorar a las mujeres por primera vez. Creó un estilo revolucionario para una nueva forma de vida, soñando con una mujer vanguardista y emancipada con una manera y un estilo modernos.
En la década de 1930, la valiente Coco Chanel fue una de las primeras mujeres en usar pijamas de seda (o terciopelo) para hombres en las calles, y el establishment de la moda nunca ha cambiado de opinión desde entonces. Inicialmente usado por mujeres en ocasiones informales, incluso en lugar de trajes de baño, la exhibición excéntrica de sin curtir se convirtió en una declaración inconformista tanto para la aristocracia de la moda de vanguardia como para el mundo de los artistas.
Mujeres importantes como Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, la marquesa Luisa Casati, Isadora Duncan e incluso hombres como Salvador Dalí o García Lorca, no tuvieron reparos en confesar su amor por el estilo cómodo de los pijamas de seda.
El chicle Spearmint de Wrigley, un símbolo de la cultura pop
chicle Wrigley's Spearmint; William Wrigley Jr.; Chicago, Estados Unidos; 1893
Masticar chicle es una parte fascinante de la cultura pop, considerando que está hecho de un material a base de caucho sintético, que se deben agregar aditivos para darle sabor y fragancia, y que carece por completo de valor nutricional. Pero ahora forma parte de los hábitos de muchas personas como calmante para el estrés y refrescante del aliento.
Masticar con la boca abierta durante un tiempo se consideró una forma fría y rebelde de hacer las cosas y se convirtió en un símbolo de la cultura juvenil.
La publicidad del producto ciertamente contribuyó a promocionar el chicle. Y la publicidad de Wrigley siempre fue un éxito, como su Comercial de los años 1990.
En el comercial, un hombre y una mujer en un autobús Greyhound intercambian algunas miradas mientras piensan en cómo compartir el último chicle que queda. De fondo suena la canción All Right Now de Free, y el anuncio cierra con el lema “genial para masticar, aún mejor para compartir”.
Vasos de plástico Dixie: vajilla desechable para mejorar la higiene
Hugh Everett Moore; vasos de plástico Dixie; EE.UU; 1908
La investigación sobre enfermedades contagiosas contribuyó a la investigación sobre vacunas a principios del siglo XX, pero también ayudó a popularizar la vajilla desechable, incluidos los vasos de papel desechables que se adoptaron en todos los dispensadores de agua dulce y especialmente en las instalaciones hospitalarias.
Antiguamente el agua se servía directamente de un cucharón de hojalata y se bebía en vasos comunitarios en las calles: una práctica muy antihigiénica.
La cruzada de Moore contra esta práctica le llevó a patentar el primer vaso de papel formado por dos piezas unidas entre sí con un fondo plano, que posteriormente fue ligeramente ahuecado para poder apilar los vasos uno encima del otro. Luego, el borde se redondeó ligeramente para brindar solidez estructural y ergonomía al beber.
En 1910, Moore fundó Individual Drinking Cup Company, que más tarde se convirtió en Dixie. Tazas higiénicas y respetuosas con el medio ambiente como estas nunca han sido más relevantes que ahora.
El "reloj Ora Unica" de Nava Design diseñado por Denis Guidone
Denis Guidone; Reloj Ora Única; Diseño Nava; Italia; 2010
Este reloj presenta una esfera con un diseño único y sus manecillas en forma de bucle son casi ilegibles, generando un reloj extraño y único.
Este reloj de pulsera se convierte en una pulsera casi decorativa que aparentemente no tiene ninguna función práctica, pero que en realidad es perfectamente legible y funcional, haciendo del tiempo algo divertido y divertido .
Reloj Tempo Libero, la última creación de Bruno Munari
Bruno Munari; Muestra de tela; 1997
El reloj Tempo Libero es quizás la última creación de Bruno Munari . Tenía 90 años y diseñó un reloj cuya esfera se divide en dos niveles: uno inferior que marca el tiempo y uno superior donde los números de la esfera quedan libres para mezclarse con cada movimiento de la muñeca del usuario, liberada de sus posiciones estándar.
Los revoltosos números sugieren que tal vez no sea importante saber exactamente qué hora es, sino más bien darnos cuenta de que somos libres de usar nuestro tiempo como queramos.
Minerva primer tocadiscos portátil diseñado por Mario Bellini
Mario Bellini; Tocadiscos portátil Minerva; Irradio; 1965
En 1965 Irradio pidió a Mario Bellini que creara un tocadiscos portátil. Irradiette nació así y fue un objeto nunca antes visto que se convirtió en el símbolo de toda una generación. Forma parte de la colección permanente del MOMA de Nueva York.
A Irradiette le siguió en 1965 Fonette y, tres años más tarde, el muy popular GA 45 Pop Minerva, posteriormente producido por Grunding bajo el nombre de Phono Boy. Phono Boy tenía una forma más madura que sus predecesores y presentaba una forma compacta pero esbelta.
Fue creado como un icono y se convirtió en una expresión visual y funcional de libertad respecto de los marcos burgueses . Una forma de escapismo y de compromiso político en el año en que las protestas juveniles alcanzaron su punto máximo.
Colección Ceram X de Pierre Charpin: una edición limitada artesanal
Pierre Charpin; Colección Ceram X; Edición limitada artesanal; Limoges, Francia; 2003
Las decoraciones están completamente desligadas de la función de los objetos, aunque existe una conexión en la posibilidad de elegir mostrar el diseño sensual u ocultarlo colocando los jarrones de diferentes maneras.
“No distingo entre trabajar para una galería, un coleccionista o una empresa”, explica Charpin, cuyas creaciones van desde productos industriales hasta instalaciones y creaciones artísticas en series limitadas, y que fue nombrado Diseñador del Año 2017 por Maison&Objet por su “forma poética” que consiste en formas y colores llamativos.
Foto de Morgane Le Gall.
"Sosia para Campeggi": el asiento mutante diseñado por Emanuele Magini
Emanuele Magini ; Doble para Camping; 2011
Este hermoso diseño de Magini es casi profético. Se trata de un sofá que puede dividirse en dos sillones , un sofá-cama, o convertirse en un espacio de intimidad y refugio.
Esta pieza juega con las metamorfosis para adaptarse a la vida contemporánea que requiere objetos en el hogar que podamos transformar según nuestras necesidades. Todo el sistema es de poliuretano revestido de Lycra.
Cyrcus, un nuevo concepto de estudio de diseño
Alejandro Mendini; Sopera de monstruos; producido por Cyrcus; 2016, escultura impresa en 3D de una sopera barroca napolitana escaneada digitalmente, reinterpretada por el diseñador.
Fundada por el diseñador Denis Santachiara , Cyrcus es a la vez un movimiento y una empresa y utiliza exclusivamente proveedores 2.0, haciendo realidad la fabricación digital generalizada.
Crear, producir, intercambiar y consumir diseño adquiere así formas sin precedentes y verdaderamente sostenibles.
Cyrcus renueva el lenguaje del diseño creando sus productos en materiales como oro, plata, mármol, acero y aluminio, y utiliza tecnologías de impresión 3D como el corte por láser y el CNC, creando así formas que serían complejas o imposibles con las técnicas tradicionales.
