CASSINA :
DESIGN EN FORME LIBRE

The List #19

Par Antonella Dedini

Toshiyuki Kita, fauteuil Wink,
Cassina, 1980, (Archivio Cassina)

INTRODUCTION

“Le design est l'alphabet de l'innovation italienne. C'est quelque chose qui ne peut être saisi avec les catégories traditionnelles de l'esthétique, mais en même temps c'est un langage construit sur une expertise solide, de la plus haute valeur technique et capable de créer des contaminations entre diverses arts de manière unique" maire de Milan Beppe Sala (introduction au catalogue du Milano Design Film Festival 2018).

Cassina est l'une des entreprises qui ont contribué à l'essor du design italien, avec sa combinaison exemplaire d'expertise technologique et d'artisanat. Fondée par Cesare et Umberto Cassina en 1927 à Meda en tant que fabrique de tables basses, Cassina a lancé le design industriel basé sur une toute nouvelle façon de penser dans l'Italie des années 1950. Non seulement elle offrait un design italien innovant et de qualité, mais elle fut aussi l'une des premières entreprises à atteindre un public international grâce à ses rééditions de meubles historiques qui sont à la base de l'histoire du design.

Avec le Cassina I Maestri Collection et ses rééditions de meubles et objets iconiques des maîtres du design du XXe siècle, il est devenu possible de réaliser une analyse attentive et précise des matériaux d'archives, grâce surtout à la collaboration des héritiers et fondations qui ont conservé au fil des années des prototypes précieux, des croquis et des dessins originaux. La collection a été créée en 1973, tandis que les premières rééditions remontent à 1965 (accord de 1964) : la réinterprétation de nouvelles valeurs attribuées à un contexte contemporain, avec des techniques traditionnelles et actuelles, étapes utiles vers des systèmes de production plus efficaces et avancés.

D'abord, il y a eu l'acquisition des droits de quatre créations de Le Corbusier (qui était encore vivant à l'époque) avec Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret. Ensuite, il y a eu l'acquisition des droits de Gerrit.T. Rietveld, C.R. Mackintosh, Gunnar Asplund puis F.L. Wright. Aujourd'hui, la collection continue de s'enrichir avec de nouvelles éditions jamais produites industriellement, grâce aussi à l'acquisition de designers qui ont marqué l'histoire du design (dont Franco Albini, Ico Parisi, Giacomo Balla).

Une collection ouverte qui aide à comprendre les sources du mobilier contemporain.

Aux côtés de cette collection se trouve une production de design contemporaine, dont les produits expriment le désir de Cassina de se présenter au marché à travers différents langages et approches du design, unis par une capacité constante de recherche et développement. La vision de Cassina se manifeste dans The Cassina Perspective, qui exprime les valeurs de l'entreprise à travers une collection éclectique où des produits à l'essence la plus innovante et des icônes contemporaines créent ensemble des atmosphères chaleureuses, interagissant harmonieusement selon un code de design unique ancré dans l'excellence.

Le titre de ce numéro de La Liste est une collection d'une partie seulement de la contribution constante de Cassina au monde du design. Cassina: Le design en forme libre décrit un choix (qui fut personnel et difficile, compte tenu de la beauté des œuvres dans le catalogue Cassina) de meubles et d'objets de design inspirés par l'art et l'histoire, motivés par la fonction, mais libres de tout préjugé. C'est exactement ainsi que le design devrait être aujourd'hui.

NOUS NE BRODONS PAS DE COUSSINS ICI

“Le bureau austère était quelque peu intimidant, et son accueil plutôt glacial», écrivit Charlotte Perriand dans ses mémoires.
« Que voulez-vous ? » demanda-t-il, les yeux cachés par ses lunettes. « Travailler avec vous. » Il parcourut rapidement mes dessins. « Nous ne brodons pas de coussins ici, » répondit-il, et me montra la porte..”

Nous étions en 1927 et une très jeune Perriand visitait le 35 Rue de Sèvres à Paris, l'atelier du Maître, pour lui montrer son portfolio. Heureusement, le talent finirait par triompher des préjugés et de la misogynie, et l'histoire suivrait son cours, introduisant l'une des collaborations les plus fructueuses du design du XXe siècle. C'était l'époque du mobilier à structure tubulaire en acier pour une première idée de production industrielle économique, et Perriand était une véritable innovatrice avec cette technique.

Stool 9 Tabouret complète la première collection acquise par Cassina et par Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand.

Ceci est un tabouret avec une présence architecturale qui reflète parfaitement l'amour de Charlotte Perriand pour l'harmonie poétique. La première version de ce tabouret était pour la salle à manger de l'architecte dans son appartement parisien, et il était fait d'acier tubulaire avec une assise en rotin. En 1929, le design a été présenté dans le cadre de l'exposition Équipement intérieur d’une Habitation au Salon d’Automne à Paris, où il a été utilisé dans la salle de bain avec une assise en éponge, ce qui convenait parfaitement à un espace où le soin personnel est primordial.

Le design actuel présente une structure en acier chromé avec un large choix de matériaux pour l'assise, allant de l'éponge au cuir en passant par le rotin classique.

Charlotte Perriand, 9 Tabouret, intégré à la Collection Le Corbusier®,
Pierre Jeanneret®, Charlotte Perriand® – Collection Cassina I Maestri, France, 1927

Cet élément d'assise fait partie de ces meubles qui prennent constamment un nouveau sens et sont toujours prêts à s'adapter aux temps et environnements changeants pour lesquels ils ont été créés.

Mise en scène contemporaine pour 9 Tabouret, photographie de De Pasquale + Maffini

EN FORME LIBRE, UNE COLLECTION DE CHARLOTTE PERRIAND

Charlotte Perriand a commencé à concevoir la collection de tables En forme libre en 1928 pour son atelier de Montparnasse, les produisant avec la Galerie Steph Simon à la fin des années 1950.

Les formes arrondies, sans angle et asymétriques s'adaptent même aux espaces plus petits, permettant d'asseoir jusqu'à huit personnes. La structure comporte trois pieds : un plus grand et deux autres plus petits de forme cylindrique placés à 45 degrés par rapport au plateau. Elle présente une esthétique libre d'esprit, très éloignée du classicisme. En 2011, Cassina a réédité le design en réduisant la taille des pieds pour offrir une nouvelle taille de table favorisant la convivialité. La table en bois massif est également disponible avec une finition laquée brillante ou mate (du catalogue Cassina Produits de salle à manger 2020).

LANGAGES PRIMORDIAUX

Gerrit Thomas Rietveld, ébéniste et artisan, était une figure de proue du mouvement néerlandais De Stijl qui a commencé en 1917 à Leiden.

C'est ici qu'un groupe d'artistes s'est réuni, dont Theo Van Doesburg et le peintre Piet Mondrian, dont le but était « un renouveau radical de l'art ». L'art en tant que peinture, sculpture, architecture et design de mobilier est devenu un manifeste d'une idée spatiale née de la décomposition dynamique des formes et des couleurs pures comme le rouge, le bleu et le jaune.

Rietveld a adopté un langage primordial, inventant des chaises et des meubles comme si personne avant lui ne les avait jamais construits, suivant son propre code structurel. Il a conçu des meubles avec un nouveau concept de construction : tant dans la structure que dans la couleur, ils devaient être compris comme un manifeste d'un nouveau style certainement influencé par les formes d'Extrême-Orient déjà transplantées en Europe et par les techniques de peinture dynamique du cubisme.

Piet Mondrian, Composition n° II,
Pays-Bas, 1930

En 1972, Cassina a acquis les droits exclusifs de reproduction de tous les meubles du Maestro après de longues négociations avec ses héritiers. L'architecte Daniele Baroni a conseillé sur la reproduction des designs, tandis que G.A. van de Groenekan, le partenaire le plus proche de Rietveld, était responsable de trouver un équilibre entre les techniques de construction originales et le savoir-faire technologique de Cassina.

MERET OPPENHEIM ET LE SURRÉALISME

Photograph by De Pasquale + Maffini

L'artiste et poète suisse-allemande Meret Oppenheim est considérée comme la muse du mouvement surréaliste, fondé au début des années 1920 par André Breton.

Elle est arrivée à Paris à l'âge de 20 ans et a fait la connaissance des principaux représentants du mouvement ainsi que d'autres personnes gravitant autour : Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp et Marcel Duchamp.

Vers 1930, Salvador Dalí – un artiste qui a pleinement rejoint le mouvement alors international – a suggéré un nouveau genre artistique, créant des « objets fonctionnant symboliquement ». La caractéristique commune à toutes les œuvres est qu'elles semblent provenir de rêves et de fantasmes. Souvent, des objets du quotidien deviennent si étrangers qu'ils se libèrent de leur fonction originale et remettent en question les interprétations établies. Fascinée par cette approche, Meret a commencé à orienter son attention vers les objets du quotidien, réinterprétés selon un changement de significations qui suscitent des analogies nouvelles, à la fois troublantes et agréables, chez le spectateur.

MODERNITÉ ET FONCTIONNALITÉ

Ico Parisi was one of the most complete and eclectic artists of the second half of Italian 20th century design and was an architect, designer, graphic designer, photographer, film director, set designer, painter and urban planner. He experimented with expressive forms and languages in both architecture and design, understanding the close connections between them. Initially Parisi experimented with one-off pieces of furniture and then moved on to sophisticated industrial production with companies like Cassina. In 1943 he opened one of the first interior design studios with his wife, Luisa Aiani, his life partner and endless source of creative energy. The studio was called La Ruota and was a place for design, but also for art curatorship, exhibitions and cultural meetings. The Parisis proposed a new idea of living thanks to their ability to mix various stylistic eras. Furniture conversed with antiques and furnishings, art mixed with local and ethnic crafts, and antique silks and laces mingled with modern fabrics and carpets. A concept of interior design that is very relevant today.

Pour ceux qui souhaitent en savoir plus sur son œuvre, les Archives de Design Ico Parisi ont conservé tous ses projets accompagnés de croquis, écrits et photographies.

PRATICITÉ ET ESSENTIEL

Portemanteau a été conçu pour la première fois pour le Cabanon, la petite maison de vacances que Le Corbusier a dessinée pour sa femme Yvonne en 1951 sur la Côte d'Azur.

Cet endroit, que je considère comme l'une des plus belles créations de Le Corbusier, a été conçu dans une optique d'expérimentation radicale où tout est réduit à l'essentiel dans une combinaison harmonieuse de proportions, couleurs, détails et matériaux qui devient un manifeste du mode de vie contemporain. L'architecte s'est inspiré de la cabine d'un navire, où la praticité et l'essentiel dans le design sont des nécessités absolues. Parmi les meubles et objets fonctionnels que l'on trouve, il y a Portemanteau placé naturellement à l'entrée et composé de simples chevilles en bois aux couleurs assorties à celles des espaces minimalistes.

Cassina réédition s'inspire du modèle de 1957 conçu par Le Corbusier pour les Unités de Camping, des unités de camping minimalistes inspirées et adjacentes au Cabanon. La structure du porte-manteau se compose d'éléments en chêne massif en forme de champignon placés à différentes hauteurs selon l'échelle Modulor des proportions : avec des proportions combinant le nombre d'or aux mesures et mouvements d'un homme de 1,83 mètre.

Le Corbusier, Le Cabanon, Roquebrune-Cap-Martin,
France 1951, détail du porte-manteau

STABILITÉ DE LA LÉGÈRETÉ

La table d'appoint Cicognino est le résultat de l'un des « animaux domestiques » que Albini a toujours imaginés avec ses créations. L'une des trois jambes fines s'étend pour devenir une « poignée/bec », facilitant le transport de la table. Elle est parfaitement équilibrée et très stable malgré le fait que ses parties soient réduites au strict minimum. Albini a toujours su saisir la substance de la forme dans une quête intense de légèreté.

Sa petite-fille Paola Albini raconte :

“Il aimait les montagnes et avançait au rythme d'un alpiniste tant dans la vie que dans le travail. Il aimait le rythme lent de l'escalade, l'équilibre recherché, la méthode, un pas après l'autre, sans hâte ; la tension d'une corde et l'espace suspendu, la quête de légèreté, la dimension du vide, de l'air et de la lumière. Ici, il imagine une merveilleuse grille spatiale qui devient le cadre de son architecture, de ses installations et de son mobilier, où l'équilibre l'emporte sur l'exubérance des formes. Un jeu habile de câbles tendus et de résistance, à la recherche de la stabilité des choses et de la vie”.

(texte de Paola Albini La Stabilité de la Légèreté pour le profil IG @deden_designlist)

Photographie de Valentina Sommariva

PRUNIER RESTAURANT

Prunier est l'un des restaurants français les plus célèbres au monde pour la qualité de sa sélection spécialisée de fruits de mer et de caviar ainsi que pour les personnes qui ont pris place à ses tables. De nombreux établissements ont suivi et proliféré depuis l'année de sa fondation. Spécialisé dans la cuisine de fruits de mer, il reste l'un des restaurants les plus renommés de Paris.

La première Maison Prunier a été fondée en 1872 par Alfred Prunier, et au fil du temps elle est devenue un exemple clair de la façon dont un grand restaurant moderne peut se développer. En 1925, après le décès du fondateur, sa jeune petite-fille Simone Prunier – connue de beaucoup seulement sous le nom de Madame Prunier – a poursuivi l'entreprise, et en 1934 elle a ouvert le restaurant Prunier St James à Londres.

CAB, LA CHAISE ICONIQUE DE MARIO BELLINI

Une icône. C'est l'un des projets les plus importants du grand designer Mario Bellini. Ses mots décrivent parfaitement ce projet qui est devenu une partie de l'histoire du design : 

“Peut-être l'objet le plus ancien de mobilier structurellement complexe est la chaise. Cela peut aussi être la raison pour laquelle c'est l'objet dont l'image essentielle – quatre pieds, siège et dossier – est la plus profondément ancrée dans la mémoire collective.

Avec Cab J'ai essayé de concevoir une chaise telle qu'elle a toujours été, bien que conformément à l'approche décrite jusqu'ici, j'ai également considéré la chaise comme une prothèse et une extension du corps. Le résultat est un squelette porteur avec sa peau tendue dessus pour accueillir élastiquement le corps humain." 

Mario Bellini

Cab était la première chaise dotée d'une structure autoportante en cuir inspirée par la relation entre le squelette structurel et la peau. Son revêtement se compose de 16 sections de cuir qui subissent 14 processus manuels. Le revêtement est ensuite ajusté sur un cadre en acier et fermé par une fermeture éclair comme un costume sur mesure.

Photograph by De Pasquale + Maffini

WINK, LE FAUTEUIL AVEC OREILLES

Toshiyuki Kita, Fauteuil Wink, Cassina, 1980

Toshiyuki Kita est un designer japonais connu pour ses collaborations avec des entreprises italiennes et pour ses pièces emblématiques qui sont devenues des classiques de l'histoire du design. L'une qui se distingue est le « fauteuil avec oreilles », ou la chaise longue Wink, dans le catalogue de Cassina.

Il représente une nouvelle informalité dans le design de mobilier combinée à une recherche technique et matérielle approfondie. C'est le fauteuil qui a initié la décennie des années 1980, marquée par une approche ludique du mobilier. Un peu « disneyesque », pourrions-nous dire, car il évoque la célèbre souris aux grandes oreilles. Il est extraordinairement polyvalent, car le dossier peut être placé dans différentes positions. L'assise peut glisser vers l'avant, se transformant en une chaise longue confortable. Les appuie-têtes peuvent être ajustés et s'inclinent vers l'avant et l'arrière en se déplaçant indépendamment les uns des autres. Des compositions de couleurs infinies peuvent être créées avec chacune de ses parties, permettant une personnalisation complète dans un jeu de complicité implicite entre le designer et l'utilisateur.

Photographie de Valentina Sommariva

GAETANO PESCE, ART ET UTILITÉ

[...] « J'agis sur un terrain hybride entre l'art et l'utilité [...] Un hiver, il y a des années, j'étais à Venise et Peggy Guggenheim m'a invité chez elle pour dîner. Le musée était fermé, les espaces avaient une fois de plus retrouvé leur moment non officiel.

Un majordome m'ouvre la porte. J'avais mon manteau, il le prend et le suspend à une sculpture élancée de Giacometti.

Pendant les heures d'ouverture du musée, cette « chose » avait une identité de sa propre, il fallait l'admirer ; le soir, il redevenait le porte-manteau de Mme G. Il y a donc différents moments et besoins selon lesquels nous communiquons avec les choses qui nous entourent de différentes manières. Cela signifie élargir le potentiel communicatif de l'objet [...] cela signifie aussi parler de l'utilité de l'art. 

[...] Je disais que la série industrielle est un accomplissement incontestable... aujourd'hui ces valeurs ne me suffisent plus, aujourd'hui je veux avoir une plus grande richesse dans la production industrielle, redécouvrir la spontanéité d'une pièce unique. Voici le sens correct de la production en série variée : mettre certains matériaux en condition de se définir dans une marge moins rigide, moins répressive et dictatoriale que celle qui faisait éliminer le moindre défaut. [...]
(extrait de Gaetano Pesce o dell’opposizione, interview par Marco Romanelli dans Domus No. 712, 1990).

Le fauteuil est fait de feutre de laine très épais imbibé de quantités variables de résine thermodurcissable à base de polyester pour une élasticité différenciée. Il a une esthétique rustique et artisanale, délibérément insoumise à ce que l'on attend de la production de masse, une pièce qui vit selon sa propre personnalité, où chaque pièce « imparfaite » est différente de l'autre.
Pesce reconstruit la relation nécessaire entre artisanat et industrie en créant un terrain commun entre art et design.

Photograph by De Pasquale + Maffini

JAIME HAYON, RÉACTION POÉTIQUE

« Je voulais créer des objets utiles pour la maison moderne tels que des plateaux et des tables d'appoint, mais avec des éléments sculpturaux jouant avec les formes, la lumière et l'ombre.

C'était un défi très strict, presque religieux, d'utiliser un seul matériau et une seule finition, exerçant ma philosophie de design. Je ressens que cette restriction est en réalité devenue une opportunité de mettre en valeur la beauté du bois, ainsi que la maîtrise experte de l'atelier de menuiserie de Cassina." Jaime Hayon.

Cette collection s'inspire des formes organiques de l'architecture de Le Corbusier et des œuvres Esprit Nouveau des années 1920.

Du catalogue Cassina : «La collection Réaction Poétique est un ensemble de formes et sculptures en plastique qui rappellent les premières œuvres de Le Corbusier, des représentations d'éléments naturels qui résonnent et font écho dans notre subconscient. Cette collection contient des objets utiles objets pour la maison moderne comme des plateaux et des tables d'appoint construit à partir d'un seul matériau avec une seule finition afin de mettre en valeur la véritable beauté du bois et la capacité de Cassina à le manipuler”.

Croquis de Jaime Hayon

PHILOSOPHIE DES OBJETS COMMUNS

Lumière sans luminaire, vent sans ventilateur, fumée faite de marbre, chaise qui goutte, miroir dans lequel on ne peut pas se voir mais qui s'ouvre comme une porte vers l'infini, offrant de nouvelles perspectives visuelles et perceptives.

L'ensemble du travail de Ron Gilad oblige le spectateur à embrasser le doute comme une valeur suprême et à remettre en question ce qui est habituellement considéré comme acquis. Ses objets semblent familiers et fonctionnels, quotidiens, mais la méthode de travail de Gilad les dépouille de leur fonction originale et les transporte vers de nouveaux mondes.

Ce miroir fait partie d'une collection de 16 objets que la designer israélienne a conçus pour Cassina, sachant qu'il serait possible de les créer en combinant ingénierie constructive et haute ébénisterie dans un jeu esthétique entre art et design, abstrait et fonctionnel.

PATRICIA URQUIOLA : UN SENS DE LA PROPORTION

L'influence de la culture japonaise est évidente. Ce cabinet prend la forme du haori, une veste traditionnellement portée sur le kimono. Il a été introduit au Japon dès les années 1500 et porté par les samouraïs pour se protéger du froid. Il présente une forme en « T » comme celle du kimono mais est plus court.

La référence à ce vêtement traditionnel est immédiatement apparente dans les proportions de ce meuble, qui joue sur les mêmes volumes que le haori. Ses pieds obliques contrastent avec les lignes horizontales du cabinet. Sa forme minimaliste mais solide est accentuée par des bords affinés qui allègent son apparence. Mais c'est aussi un hommage à Kazuhide Takahama, l'architecte qui a industrialisé l'ancienne tradition de la laque en produisant pour la première fois en production de masse une finition très similaire en résultat à la laque chinoise ancienne, avec l'avantage d'une durabilité qui durerait des siècles. Aujourd'hui, ses meubles font également partie de la collection Cassina.

Patricia Urquiola est bien connue pour sa philosophie de design, et grâce à son histoire et sa formation, elle a hérité d'une approche du design par analogie, où un objet est appelé objets puisque un objet naît de l'interprétation d'un autre.

Traditionnel japonais haori veste
(de www.bottegagiapponese.it)

HOMMAGE À LA VERRERIE DE MURANO

La collection de vases Sestiere conçue par Patricia Urquiola est une préservation et une interprétation de la tradition séculaire de la verrerie vénitienne.

Les vases sont un hommage clair aux maîtres verriers et à leur savoir-faire bien connu et ancien, qui trouve même ses racines dans les techniques de verrerie des périodes romaine et byzantine.

Les vases sont des bulles colorées de verre soufflé « enfermées » dans un réseau de cordons. Chaque morisa – comme toute application de cordons, poignées ou bordures ajoutée à la fabrication de l'objet est appelée dans le jargon de Murano – est appliqué à la main, créant un effet délibéré d'imperfection attrayante sur l'objet et une référence linguistique inspirée par un autre aspect de l'esthétique du verre vénitien : la technique du rigadin, un motif rayé traditionnel que l'on retrouve sur les plus belles œuvres en verre. Grâce à ces caractéristiques et aux techniques utilisées pour créer chaque vase, ce sont des pièces uniques d'un artisanat extraordinaire.

Photographies par Paola Pansini

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