CASINA:
DISEÑO EN FORMA LIBRE
La lista #19
Por Antonella Dedini
Toshiyuki Kita, Poltrona Wink,
Cassina, 1980, (Archivo Cassina)
INTRODUCCIÓN
“El diseño es el alfabeto de la innovación italiana. Es algo que no se puede entender con las categorías tradicionales de la estética, pero al mismo tiempo es un lenguaje construido sobre una sólida experiencia, del más alto valor técnico y que es capaz de crear contaminaciones entre varias artes de una manera única” Beppe, alcalde de Milán Sala (introducción al catálogo del Milano Design Film Festival 2018).
Cassina es una de las empresas que han contribuido al auge del diseño italiano, con su combinación ejemplar de experiencia tecnológica y artesanía. Fundada por Cesare y Umberto Cassina en 1927 en Meda como fábrica de mesas de café, Cassina puso en marcha el diseño industrial basado en una forma de pensar completamente nueva en la Italia de los años cincuenta. No sólo ofreció un diseño italiano innovador y de calidad, sino que también fue una de las primeras empresas en llegar a una audiencia internacional gracias a sus reediciones de diseños de muebles históricos que son la base de la historia del diseño.
con la cassina Colección I Maestri y sus reediciones de muebles y objetos icónicos de los maestros del diseño del siglo XX, fue posible realizar un análisis atento y preciso de los materiales de archivo, gracias sobre todo a la colaboración de los herederos y fundaciones que a lo largo de los años conservaron valiosos prototipos, bocetos y dibujos originales. La colección fue creada en 1973, mientras que las primeras reediciones datan de 1965 (acuerdo de 1964): la reinterpretación de nuevos valores asignados a un contexto contemporáneo, con técnicas tradicionales y actuales, pasos útiles hacia sistemas de producción más eficientes y avanzados.
En primer lugar, se produjo la adquisición de los derechos de cuatro diseños de Le Corbusier (que todavía vivía en ese momento) con Charlotte Perriand y Pierre Jeanneret . A continuación se produjo la adquisición de los derechos de Gerrit.T. Rietveld, CR Mackintosh, Gunnar Asplund y luego FL Wright. Hoy en día, la colección sigue creciendo con nuevas ediciones que nunca se habían producido industrialmente, gracias también a la adquisición de diseñadores que han hecho historia del diseño (entre ellos Franco Albini , Ico Parisi , Giacomo Balla).
Una colección abierta que ayuda a comprender los orígenes del mueble contemporáneo.
Junto a esta colección se encuentra una producción de diseño actual, cuyos productos expresan el deseo de Cassina de presentarse al mercado a través de diferentes lenguajes y enfoques del diseño, unidos por una constante capacidad de investigación y desarrollo. La visión de Cassina se puede ver en The Cassina Perspective , que expresa los valores de la compañía a través de una colección ecléctica en la que productos con la esencia más innovadora e iconos contemporáneos crean juntos atmósferas acogedoras, interactuando armoniosamente en base a un único código de diseño arraigado en la excelencia.
El título de este número de La lista es una colección de sólo una parte de la constante contribución de Cassina al mundo del diseño. casina: Diseño en forma libre describe una elección (que fue personal y desafiante, dada la belleza de las obras del catálogo de Cassina ) de muebles y objetos de diseño inspirados en el arte y la historia, motivados por la función, pero libres de ideas preconcebidas. Así es como debería ser el diseño hoy en día.
AQUÍ NO BORDAMOS COJINES
“Charlotte Perriand, Taller de Saint Sulpice, París, 1927
(del libro: Una vida de creación, Edición Odile Jacob, París, 1998)
“La austera oficina resultaba un tanto intimidante y su saludo, más bien glacial.”, escribió Charlotte Perriand en sus memorias.
—¿Qué quieres? —preguntó, con los ojos tapados por las gafas. "Para trabajar contigo." Echó un rápido vistazo a mis dibujos. “Aquí no bordamos cojines”, respondió, y me mostró la puerta..”
Corría el año 1927 y una muy joven Perriand visitaba el número 35 de la Rue de Sèvres de París, el taller del Maestro, para mostrarle su portafolio. Afortunadamente, el talento eventualmente superaría los prejuicios y la misoginia, y la historia seguiría su curso, introduciendo una de las colaboraciones más fructíferas en el diseño del siglo XX. Era la época de los muebles con estructura tubular de acero para una idea temprana de producción industrial económica, y Perriand fue un verdadero innovador con esta técnica.
Taburete 9 Tabouret completa la primera colección adquirida por Cassina y porLe Corbusier , Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand .
Se trata de un taburete con una presencia arquitectónica que refleja perfectamente el amor de Charlotte Perriand por la armonía poética. La primera versión de este taburete fue para el comedor de la arquitecta en su apartamento de París, estaba fabricado en tubo de acero y tenía un asiento de ratán. En 1929, el diseño se exhibió como parte de la exposición Équipement intérieur d'une Habitation en el Salon d'Automne de París, donde se utilizó en la salle de bain con un asiento de esponja, como complemento en un espacio donde el cuidado personal es importante. de suma importancia.
El diseño actual presenta una estructura de acero cromado con una amplia variedad de materiales para el asiento, desde esponja hasta cuero y el clásico ratán.
Charlotte Perriand, 9 Taburete, parte de la colección Le Corbusier®,
Pierre Jeanneret®, Charlotte Perriand® – Colección Cassina I Maestri, Francia, 1927
Este elemento de asiento forma parte de esos muebles que constantemente adquieren nuevos significados y siempre están dispuestos a adaptarse a los tiempos y ambientes cambiantes para los que fueron creados.
Marco contemporáneo para 9 Tabouret, fotografía de De Pasquale + Maffini
EN FORMA LIBRE, UNA COLECCIÓN DE CHARLOTTE PERRIAND
Charlotte Perriand comenzó a diseñar En forma libre colección de mesas en 1928 para su taller de Montparnasse, y las produjo con la Galerie Steph Simon a finales de los años cincuenta.
Las formas sin esquinas, redondas y asimétricas se adaptan incluso a espacios más pequeños, permitiéndoles acomodar hasta ocho personas. La estructura consta de tres patas: una más grande y otras dos más pequeñas de forma cilíndrica colocadas a 45 grados respecto a la parte superior. Presenta una estética de espíritu libre y alejada del clasicismo. En 2011 Cassina reeditó el diseño reduciendo el tamaño de las patas para ofrecer un nuevo tamaño de mesa que facilite la convivencia. La mesa de madera maciza también está disponible en acabado lacado brillante o mate (del catálogo de productos Cassina Dining 2020).
LENGUAS PRIMORDIALES
frente a su taller con sus trabajadores, 1917
Gerrit Thomas Rietveld , ebanista y artesano, fue una figura destacada del movimiento holandés De Stijl que comenzó en 1917 en Leiden.
Fue aquí donde se reunió un grupo de artistas, entre ellos Theo Van Doesburg y el pintor Piet Mondrian, cuyo objetivo era “una renovación radical del arte”. El arte como pintura, escultura, arquitectura y diseño de muebles se convirtió en manifiesto de una idea espacial que surgió de la ruptura dinámica de formas y colores puros como el rojo, el azul y el amarillo.
Rietveld adoptó un lenguaje primordial, inventando sillas y muebles como si nadie antes que él los hubiera construido, siguiendo su propio código estructural. Diseñó muebles con un nuevo concepto de construcción: tanto en estructura como en color, deben entenderse como el manifiesto de un nuevo estilo que seguramente estaba influenciado por las formas del Lejano Oriente ya trasplantadas a Europa y por las dinámicas técnicas pictóricas del cubismo. .
Piet Mondrian, Composición nº II,
Países Bajos, 1930
En 1972, Cassina adquirió los derechos exclusivos de reproducción de todos los muebles del Maestro tras largas negociaciones con sus herederos. El arquitecto Daniele Baroni asesoró en la reproducción de los diseños, mientras que GA van de Groenekan, el socio más cercano de Rietveld , se encargó de encontrar un equilibrio entre las técnicas de construcción originales y los conocimientos tecnológicos de Cassina .
Colección Cassina I Maestri, 1934
MERET OPPENHEIM Y EL SURREALISMO
Fotografía de De Pasquale + Maffini
La artista y poeta suizo-alemana Meret Oppenheim es considerada la musa del movimiento surrealista, fundado a principios de la década de 1920 por André Breton.
Llegó a París cuando tenía 20 años y conoció a los principales exponentes del movimiento y a otras personas que gravitaban en torno a él: Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp y Marcel Duchamp.
Casina, 1939
Alrededor de 1930 Salvador Dalí –un artista que se unió plenamente al entonces movimiento internacional– sugirió un nuevo género artístico, creando “objetos que funcionaban simbólicamente”. El rasgo común en todas las obras es que parecen provenir de sueños y fantasías. A menudo los objetos cotidianos se vuelven tan extraños que se liberan de su función original y desafían las interpretaciones establecidas. Fascinada por este enfoque, Meret comenzó a centrar su atención en objetos cotidianos, reinterpretados según un cambio de significado que suscita en el espectador nuevas analogías inquietantes pero también placenteras.
MODERNIDAD Y FUNCIONALIDAD
en la pata Y de la mesa, ©Ico Parisi Design Archive, Como
Para aquellos interesados en conocer más sobre su obra, el Archivo de Diseño Ico Parisi ha conservado todos sus proyectos acompañados de bocetos, escritos y fotografías.
PRACTICIDAD Y ESENCIALIDAD
Perchero fue diseñado por primera vez para Cabanon , la pequeña casa de vacaciones que Le Corbusier diseñó para su esposa Yvonne en 1951 en la Riviera francesa.
Este lugar, que considero uno de los diseños más bellos de Le Corbusier , fue creado con miras a una experimentación radical donde todo se reduce a lo esencial en una combinación armoniosa de proporciones, colores, detalles y materiales que se convierte en un manifiesto de la vida contemporánea. . El arquitecto se inspiró en la cabina de un barco, donde la practicidad y la esencialidad en el diseño son necesidades absolutas. Entre los muebles y objetos funcionales que encontramos se encuentran Portemanteau colocado de forma natural en la entrada y formado por simples clavijas de madera con colores a juego con los espacios minimalistas.
La reedición de Cassina está inspirada en el modelo de 1957 diseñado por Le Corbusier para Unités de Camping, unidades de camping minimalistas inspiradas en el Cabanon y adyacentes a él. La estructura del perchero está formada por elementos en forma de seta de roble macizo colocados a diferentes alturas según la escala de proporciones Modulor: con proporciones que combinan la proporción áurea con las medidas y movimientos de un hombre de 1,83 metros de altura.
Le Corbusier, Le Cabanon, Roquebrune-Cap-Martin,
Francia 1951, detalle de baúl
Fotografía de Paola Pansini
ESTABILIDAD DE LA LIGEREZA
La mesa auxiliar Cicognino es el resultado de uno de los “animales domésticos” que Albini siempre evocaba con sus diseños. Una de las tres patas delgadas se extiende para convertirse en un “asa/pico”, lo que facilita transportar la mesa. Está perfectamente equilibrado y muy estable a pesar de que sus piezas están reducidas al mínimo. Albini siempre logró captar la sustancia de la forma en una intensa búsqueda de la ligereza.
Su nieta Paola Albini cuenta:
“Amaba la montaña y actuaba con paso de alpinista tanto en la vida como en el trabajo. Amaba el ritmo lento de la escalada, el equilibrio buscado, el método, un paso tras otro, sin prisas; la tensión de una cuerda y el espacio suspendido, la búsqueda de la ligereza, la dimensión del vacío, el aire y la luz. Aquí imagina una maravillosa cuadrícula espacial que se convierte en el marco de su arquitectura, instalaciones y mobiliario, donde el equilibrio vence a la exuberancia de las formas. Un hábil juego de cables tensos y resistencias, en busca de la estabilidad de las cosas y de la vida.”.
(texto de Paola Albini La estabilidad de la ligereza para el perfil de IG @deden_designlist)
Fotografía de Valentina Sommariva
RESTAURANTE PRUNIER
Imágenes del libro de Alfred A. Knopf,
“Prunier's: La historia de un gran restaurante”, Estados Unidos, 1957
Prunier es uno de los restaurantes franceses más famosos del mundo por la calidad de su selección especializada de mariscos y caviar y por las personas que se han sentado en sus mesas. Muchos lugares han seguido y proliferado desde el año de su fundación. Especializado en cocina de mariscos, sigue siendo uno de los restaurantes más famosos de París.
La primera Maison Prunier fue fundada en 1872 por Alfred Prunier, y con el tiempo se convirtió en un claro ejemplo de cómo un gran restaurante moderno puede crecer. En 1925, tras la muerte del fundador, su joven nieta Simone Prunier, conocida por muchos sólo como Madame Prunier, continuó el negocio y en 1934 abrió el restaurante Prunier St James's en Londres.
En 1961 le pidió a Le Corbusier que diseñara un servicio de vajilla. El arquitecto aceptó y diseñó una colección de porcelana blanca con un detalle del diseño de manos entrelazadas que se encuentra en la parte inferior del tapiz de Les Mains diseñado por el arquitecto en 1951 y posteriormente expuesto en un salón privado del restaurante. Le Corbusier creó una serie de variaciones de color para el servicio, incluido un color ciruela para la parte donde convergen las tres manos entrelazadas, dibujadas con una fina línea negra. Hoy Cassina ha reeditado el servicio con gran atención al original y al detalle, con el diseño realizado a mano por los artesanos de Ginori 1735.
Fotografía de Luca Merli
CAB, LA SILLA ICÓNICA DE MARIO BELLINI
“Tal vez El mueble estructuralmente complejo más antiguo es la silla. Esta puede ser también la razón por la que es el único elemento cuya imagen esencial –cuatro patas, asiento y respaldo– está más arraigada en la memoria colectiva.
Con Taxi Intenté diseñar una silla como siempre ha sido, aunque siguiendo el enfoque descrito hasta ahora también consideré la silla como una prótesis y una extensión del cuerpo. El resultado es un esqueleto que soporta cargas con la piel estirada sobre él para acomodarse elásticamente al cuerpo humano”.
Mario Bellini
Taxi fue la primera silla con una estructura de cuero autoportante inspirada en la relación entre el esqueleto estructural y la piel. Su tapizado consta de 16 secciones de cuero que se someten a 14 procesos manuales. Luego, la tapicería se coloca sobre una estructura de acero y se cierra con cremallera como un traje a medida.
Fotografía de De Pasquale + Maffini
WINK, EL SILLÓN CON OREJAS
Toshiyuki Kita, Sillón Wink, Cassina, 1980
Toshiyuki Kita es un diseñador japonés conocido por sus colaboraciones con empresas italianas y por sus piezas icónicas que se han convertido en clásicos de la historia del diseño. Uno que destaca sobre el resto es el “sillón con orejas”, o chaise-longue Wink , del catálogo de Cassina .
Representa una nueva informalidad en el diseño de muebles combinada con una mayor investigación técnica y de materiales. Es el sillón que inició la década de 1980, marcada por un enfoque lúdico hacia los muebles. Un poco “disneyesco”, podríamos decir, ya que recuerda al famoso ratón de orejas grandes. Es extraordinariamente versátil, ya que el respaldo se puede colocar en diferentes posiciones. El asiento se puede deslizar hacia delante transformándose en una cómoda chaise longue. Los reposacabezas se pueden ajustar y reclinar hacia adelante y hacia atrás moviéndose independientemente uno del otro. Se pueden crear infinitas composiciones cromáticas con cada una de sus partes, permitiendo una personalización completa en un juego de complicidad implícita entre diseñador y usuario.
Fotografía de Valentina Sommariva
GAETANO PESCE, ARTE Y UTILIDAD
[...] “Actúo en un terreno híbrido entre arte y utilidad [...] Hace un invierno, hace años estaba en Venecia y Peggy Guggenheim me invitó a cenar a su casa. El museo había cerrado, los espacios habían vuelto a redescubrir su momento no oficial.
Un mayordomo me abre la puerta. Yo tenía mi abrigo, él lo toma y lo cuelga sobre una esbelta escultura de Giacometti.
[...] Solía decir que la serie industrial es un logro indiscutible... hoy esos valores ya no me bastan, hoy quiero tener mayor riqueza en la producción industrial, redescubrir la espontaneidad de una pieza única. He aquí el significado correcto de producción en serie variada: poner ciertos materiales en condiciones de definirse dentro de un margen menos rígido, menos represivo y dictatorial que aquel por el cual el más mínimo defecto los llevó a ser eliminados. [...]
(de Gaetano Pesce o dell'opposizione, entrevista de Marco Romanelli en Domus nº 712, 1990).
El sillón está fabricado con fieltro de lana muy grueso empapado en cantidades variables de resina termoestable a base de poliéster para una elasticidad diferenciada. Tiene una estética rústica, artesanal, deliberadamente insubordinada a lo que se espera de la producción en masa, una pieza que vive en base a su propia personalidad, donde cada pieza “imperfecta” es diferente a la otra.
Pesce reconstruye la necesaria relación entre artesanía e industria creando un terreno común entre arte y diseño.
Fotografía de De Pasquale + Maffini
JAIME HAYON, REACCIÓN POÉTICA
“Quería crear objetos útiles para el hogar moderno, como bandejas y mesas auxiliares, pero con elementos escultóricos que interactúen con formas, luces y sombras.
Fue un desafío muy estricto, casi religioso, utilizar un solo material y un acabado, ejerciendo mi filosofía de diseño. Siento que esta restricción en realidad se convirtió en una oportunidad para mostrar la belleza de la madera, junto con el dominio experto del taller de carpintería de Cassina ”. Jaime Hayón.
Esta colección se inspira en las formas orgánicas de la arquitectura de Le Corbusier y la obra de arte Esprit Nouveau de la década de 1920.
Del catálogo de Cassina : “La colección Réaction Poétique es un conjunto de formas plásticas y esculturas que recuerdan las primeras obras de Le Corbusier , representaciones de elementos naturales que resuenan y resuenan en nuestro subconsciente. Esta colección contiene útiles objetos para el hogar moderno como bandejas y mesas auxiliares Construido a partir de un solo material con un solo acabado para realzar la verdadera belleza de la madera y la capacidad de Cassina para manipularla.”.
Boceto de Jaime Hayón
FILOSOFÍA DE OBJETOS COMUNES
Luz sin luminaria, viento sin ventilador, humo de mármol, una silla goteando, un espejo en el que no puedes verte pero que se abre como una puerta al infinito, ofreciendo nuevas perspectivas visuales y perceptivas.
Todo el trabajo de Ron Gilad obliga al espectador a aceptar la duda como un valor supremo y a cuestionar cosas que normalmente son suposiciones. Sus objetos parecen familiares y funcionales, cotidianos, pero el método de trabajo de Gilad los despoja de su función original y los transporta a nuevos mundos.
Este espejo forma parte de una colección de 16 objetos que el diseñador israelí diseñó para Cassina , sabiendo que sería posible crearlos combinando ingeniería constructiva y ebanistería alta en un juego estético entre arte y diseño, abstracto y funcional. .
PATRICIA URQUIOLA: EL SENTIDO DE LA PROPORCIÓN
Casina, 2019
La influencia de la cultura japonesa es clara. Este mueble adopta la forma del haori , una chaqueta que tradicionalmente se lleva sobre el kimono. Se introdujo en Japón ya en el siglo XVI y lo usaban los samuráis para protegerse del frío. Tiene forma de “T” como la del kimono pero es más corto.
La referencia a esta prenda tradicional se hace evidente en las proporciones de este mueble, que juega con los mismos volúmenes que el haori . Sus patas oblicuas contrastan con las líneas horizontales del mueble. Su forma minimalista pero sólida se ve acentuada por bordes adelgazados que aligeran su apariencia. Pero también es un homenaje a Kazuhide Takahama, el arquitecto que industrializó la antigua tradición del lacado produciendo por primera vez en producción en masa un acabado muy similar en resultado a la antigua laca china, con la ventaja de una durabilidad que duraría siglos. Hoy en día, sus muebles también forman parte de la colección Cassina .
La filosofía del diseño de Patricia Urquiola es bien conocida, y gracias a su historia y formación heredó un enfoque del diseño por analogía, donde un objeto se llama objetos ya que un objeto nace de la interpretación de otro.
Japonés tradicional haori chaqueta
(de www.bottegagiapponese.it)
HOMENAJE AL VIDRIO DE MURANO
2022, fotografía de Luca Merli
La colección de jarrones Sestiere diseñada por Patricia Urquiola es una preservación e interpretación de la centenaria tradición vidriera veneciana.
Los jarrones son un claro homenaje a los maestros vidrieros y a su conocido conocimiento de larga data, que incluso tiene sus raíces en las técnicas de fabricación de vidrio de los períodos romano y bizantino.
Los jarrones son burbujas de colores de vidrio soplado “encerradas” dentro de una red de cuerdas. Cada morris – como se llama en la jerga de Murano cualquier aplicación de cordones, asas o bordes añadidos a la elaboración del objeto – se aplica a mano, creando un efecto deliberado de atractiva imperfección en el objeto y una referencia lingüística cruzada que se inspira en otro aspecto del arte veneciano. Estética vidriera: la técnica de rigadín, un patrón de rayas tradicional que encontramos en la cristalería más fina. Gracias a estas características y a las técnicas utilizadas para crear cada jarrón, son piezas únicas de extraordinaria artesanía.
Fotografías de Paola Pansini
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