CASSINA :
DESIGN EN FORME LIBRE

The List #19

Par Antonella Dedini

INTRODUCTION

“Le design, c'est l’abc de l’innovation italienne. Il ne peut être assimilé aux catégories esthétiques traditionnelles, il s’agit d’un langage construit sur des compétences solides, de la plus haute valeur technique et créant des contaminations uniques entre les différentes formes d’art” Beppe Sala, Maire de Milan (introduction au catalogue du Milano Design Film Festival 2018). 

Grâce à leur capacité technologique et leur savoir-faire, Cassina est l’une des entreprises pionnières du design italien. A Meda, Cesare et Umberto Cassina fondent en 1927 une usine de tables basses, c’est ainsi que Cassina lancera le design industriel, basé sur une toute nouvelle façon de penser des années '50 en Italie. En offrant un design italien innovant et de qualité, elle a été l’une des premières à atteindre un public international grâce à la réédition de certains meubles historiques appartenant à l’histoire du design.

Avec la collection Cassina I Maestri où sont réinterprétés meubles et objets iconiques des maîtres du design du XXème siècle, il a été possible d’analyser attentivement et avec précision les archives, grâce à la coopération des héritiers et des fondations qui au fil des années ont conservé de précieux prototypes, croquis et dessins originaux. La collection a été créée en 1973, et les premières rééditions remontent à 1965 (accord de 1964) : la réinterprétation de nouvelles valeurs destinées à un contexte actuel et élaborées avec des techniques traditionnelles et modernes, sont les étapes nécessaires pour des systèmes de production plus efficaces et évolués.

Tout commença avec l’acquisition des droits sur quatre modèles conçus par Le Corbusier (encore en vie à l’époque), avec Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret. Ensuite, il y eut l’acquisition des droits de Gerrit.T. Rietveld, C.R. Mackintosh, Gunnar Asplund et F.L. Wright. Aujourd’hui, la collection continue de croître avec de nouvelles éditions jamais produites industriellement, grâce aussi à l’assimilation de dessins par des designers qui ont fait l’histoire du design (par ex. Franco Albini, Ico Parisi, Giacomo Balla).

Une collection ouverte qui aide à comprendre les sources du mobilier contemporain.

A cette collection s’ajoute une production design actuelle, où Cassina exprime la volonté de se présenter sur le marché à travers langages et approches du design différents mais unis par une capacité constante de recherche et de développement. La conception de Cassina se retrouve dans 'The Cassina Perspective', où les valeurs de l’entreprise s’expriment à travers une collection éclectique alliant produits innovants et icônes contemporaines, afin de créer des atmosphères douillettes. On assiste à une interaction harmonieuse selon un code de conception unique fondé sur l’excellence.

Le titre de ce numéro de The List ne rassemble qu’une partie de la contribution constante de Cassina au monde du design : Cassina. Design en Forme Libre offre un choix (personnel et difficile, considéré la beauté des œuvres du catalogue Cassina) de meubles et d’objets de design inspirés par l’art et l’histoire, motivés par la fonction, mais libérés des préjugés. Voilà comment le design devrait être aujourd’hui.

ICI ON NE BRODE PAS DE COUSSINS

“Assez intimidée par l’ambiance austère des lieux, son accueil était plutôt froid ", écrit Charlotte Perriand dans ses mémoires. "Qu’est-ce que vous voulez? " demanda-t-il, son regard voilé derrières de grosses lunettes. "Travailler avec vous !" Il jeta rapidement un coup d’œil à mes dessins. "Ici on ne brode pas de coussins" répondit-il, et il me montra la porte.“

C'était en 1927 et un très jeune Perriand se rendait à l’atelier du Maître, au 35 rue de Sèvres à Paris, pour lui montrer son portfolio. Heureusement, le talent finirait par vaincre préjugés et misogynie, et l’histoire suivrait son cours avec l’une des collaborations les plus fructueuses du design au XXème siècle. C’était l’époque des meubles tubulaires en acier pour une production industrielle économique, et Perriand était une véritable innovatrice avec cette technique.

Le Tabouret 9 de  Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand complètent la première collection acquise par Cassina.

C'est un tabouret architectural où se reflète l’amour de Charlotte Perriand pour l’harmonie poétique. La première version de ce tabouret en acier tubulaire avec un siège en rotin était pour la salle à manger de l’architecte dans son appartement de Paris. En 1929, il est présenté à Paris au Salon d’Automne, à l’exposition Équipement Intérieur d’une Habitation, avec siège en éponge dans une salle de bain, car particulièrement adapté à un espace où le soin personnel est de la plus haute importance.

Son design actuel présente une structure en acier chromé avec un ample choix de matériaux d’assise, de l’éponge au cuir en passant par le rotin classique.

Cet élément d'assise fait partie de ces meubles qui prennent constamment un nouveau sens et sont toujours prêts à s'adapter aux temps et aux environnements changeants pour lesquels ils ont été créés.

EN FORME LIBRE, UNE COLLECTION DE CHARLOTTE PERRIAND

Charlotte Perriand commence à créer la collection de tables En forme libre en 1928 pour son atelier de Montparnasse, à la fin des années '50, elle les produira avec la galerie Steph Simon.

Ses formes arrondies, asymétriques, sans coin ni arête, s’adaptent même aux plus petits espaces et permettent d’accueillir jusqu’à huit personnes. La structure a trois pieds, un plus grand et deux plus petits de forme cylindrique placés à 45° par rapport au plateau. Une esthétique d’esprit libre, loin du classicisme. En 2011 Cassina réédite cette table en réduisant la taille des pieds pour offrir une nouvelle dimension et faciliter la convivialité. La table en bois massif est aussi disponible en finition laquée brillante ou mate (catalogue Cassina Dining 2020).

LANGUAGES PRIMORDIAUX

Gerrit Thomas Rietveld, ébéniste et artisan, fut une figure de proue du mouvement hollandais De Stijl, né en 1917 à Leiden.

C’est là qu’un groupe d’artistes, dont Theo Van Doesburg et le peintre Piet Mondrian, se réunissait,  avec l'objectif d'atteindre “un renouveau radical de l’art“. Peintures, sculptures, architectures et design de meubles deviennent les manifestes d’une idée spatiale, née de la décomposition dynamique des formes pures et des couleurs comme le rouge, le bleu et le jaune.

Rietveld adopte un langage primordial, inventer des chaises et des meubles comme si personne avant lui n'y avait pensé, il suit son propre code structurel. Ainsi il conçoit selon un nouveau concept de structure et de couleur, tel un manifeste d’un style nouveau, certainement influencé par les formes d’Extrême-Orient déjà portées en Europe par les techniques de peinture dynamique du Cubisme.

En 1972 à la suite de longues négociations avec les héritiers, Cassina acquiert les droits de reproduction exclusifs sur tous les meubles du Maestro. L’architecte Daniele Baroni suit la reproduction des dessins, et G.A. van de Groenekan, le plus proche partenaire de  Rietveld, est chargé de l'équilibre entre techniques de construction originales et savoir-faire technologique de Cassina.

MERET OPPENHEIM ET LE SURRÉALISME

Artiste et poète suisse-allemande, Méret Oppenheimest considérée la muse du mouvement surréaliste, fondé au début des années ‘20 par André Breton.

Arrivée à Paris à l’âge de 20 ans, elle fréquente les principaux représentants du mouvement et d’autres personnalités le côtoyant : Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp, et Marcel Duchamp.

Vers 1930, Salvador Dali, rejoint ce mouvement international, il propose un nouveau genre artistique en créant des "objets fonctionnant symboliquement". Toutes les œuvres semblent nées de rêves et de fantasmes. Souvent, les objets du quotidien deviennent si étrangers qu’ils se détachent de leur fonction originale et remettent en question les rôles établis. Fascinée par cette approche, Meret commence à se concentrer sur les objets du quotidien, en les réinterprétant et suscitant chez le spectateur de nouvelles analogies troublantes mais aussi agréables.

MODERNITÉ ET FONCTIONNALITÉ
 

Ico Parisi, l’un des artistes les plus complets et éclectiques du design italien de la seconde moitié du XXème siècle, était architecte, designer, graphiste, photographe, cinéaste, scénographe, peintre et urbaniste. Il expérimente les formes expressives et les langages en architecture et design, ainsi que les liens étroits les unissant.

Au départ, Parisi expérimente avec des meubles uniques, puis il passe à une production industrielle sophistiquée avec des entreprises comme Cassina. En 1943, il ouvre l’un des premiers studios de design d’intérieur avec son épouse, Luisa Aiani, sa partenaire de vie et source infinie d’énergie créative. Le studio s’appelait La Ruota et était un lieu de dédiction au design, mais aussi de conservation d’art, d’expositions et de rencontres culturelles. Le Parisis ont proposé une nouvelle idée de vie grâce à leur capacité à mélanger différentes époques et styles. Les meubles dialoguent avec objets et déco d’antiquités, l’art se marie à l’artisanat local et ethnique, et soies et lacets anciens se mêlent aux tissus et tapis modernes. Un concept de design d’intérieur très pertinent aujourd’hui.

Pour qui souhaiteraient en savoir plus sur son œuvre, les archives du Design Ico Parisi ont conservé tous ses projets avec croquis, textes et photographies.

PRATICITÉ ET ESSENTIALITÉ

Portemanteau a d'abord été conçu pour le Cabanon, la petite maison de vacances Le Corbusier pensée pour son épouse Yvonne en 1951 sur la Côte d’Azur.

Cet espace, que je considère comme l’un des plus beaux dessins de Le Corbusier, a été créé en vue d’une expérimentation radicale où tout est réduit à l’essentiel dans une combinaison harmonieuse de proportions, couleurs, détails et matériaux : un manifeste de la vie contemporaine. L’architecte a été inspiré par la cabine d’un navire, où la praticité et l’essentiel sont des nécessités absolues. Parmi les meubles et objets fonctionnels que nous y trouvons, dans l’entrée, il y a  Portemanteau, composé de simples chevilles en bois colorées en harmonie avec la polychromie de ces espaces minimes.

La réédition de Cassina s’inspire du modèle de 1957, conçu par Le Corbusier pour les Unités de Camping, espaces minimaux inspirés et adjacents au Cabanon. Le portemanteau est constitué d’éléments en chêne massif en forme de champignon, placés à différentes hauteurs selon l’échelle de proportions du Modulor qui combinent rapport idéal avec mesures et mouvements d’un homme de 1,83 mètre.

STABILITÉ DE LA LÉGÈRETÉ

Le table d’appoint Cigognino est inspirée à l’un des "animaux domestiques" étudié par Albini dans ses dessins. L’une des trois jambes minces se prolonge pour devenir une "poignée/bec", et faciliter le transport de la table parfaitement équilibrée et très stable malgré des parties réduites au strict minimum. Albini a toujours réussi à saisir l'essence de la forme dans une recherche intense de légèreté.

Sa petite-fille Paola Albini raconte :

“Il aimait la montagne et marchait au rythme d’un alpiniste dans la vie comme au travail. Il aimait la lenteur de l’escalade, la recherche d’équilibre, la méthode, le pas à pas, sans hâte ; la tension d’une corde et l’espace suspendu, la recherche de légèreté, la dimension du vide, de l’air et de la lumière. Là, il imagine une merveilleuse grille spatiale qui devient la toile de son architecture, de ses installations et de ses meubles, où l’équilibre l’emporte sur l’exubérance des formes. Un jeu habile de câbles tendus et de résistance, à la recherche de la stabilité des choses et de la vie".

(texte de Paola Albini The Stability of Lightness pour IG profile @deden_designlist)

RESTAURANT PRUNIER

 

Prunier est l’un des restaurants français les plus célèbres au monde pour ses crustacés, son caviar et ses convives. De nombreux établissements ont suivi et proliféré depuis l’année de sa fondation. Spécialisé dans la cuisine des crustacés, c’est encore l’un des restaurants les plus renommés de Paris.

La première Maison Prunier a été fondée en 1872 par Alfred Prunier. Il est l’exemple d’un grand restaurant moderne en essor continu. En 1925, après la mort de son fondateur, sa petite-fille Simone Prunier, connue sous le seul nom de Madame Prunier, a poursuivi l’entreprise et, en 1934, elle a ouvert le restaurant Prunier St James à Londres.

CAB, LA CHAISE ICONIQUE DE MARIO BELLINI

Une icône. C’est l’un des projets les plus importants du grand designer Mario Bellini. Ses mots décrivent parfaitement ce projet devenu partie intégrante de l’histoire du design :

“La chaise est probablement le meuble, structurellement complexe, le plus ancien. Il s’agit de l’objet dont l’essentialité – quatre pieds, siège et dossier – est la plus profondément enracinée dans la mémoire collective.

Avec Cab, j’ai voulu concevoir une chaise telle qu'elle a toujours été, et conformément à l’approche décrite jusqu’ici, j’ai considéré la chaise comme une prothèse et l’extension du corps. Il en résulte un squelette porteur dont la peau est tendue pour s’adapter comme un élastique au corps humain."

Mario Bellini

Cab, la première chaise avec une structure en cuir autoportante est inspirée au rapport entre squelette structurel et peau. Le revêtement est formé de 16 sections ayant subi 14 processus manuels. Il est ensuite monté sur un cadre en acier puis fermé par une fermeture éclair comme un costume sur mesure.
 

WINK, LE FAUTEUIL À OREILLES

Designer japonais, Toshiyuki Kita est connu pour ses collaborations avec des entreprises italiennes et pour ses pièces emblématiques devenues des classiques du design. En particulier, le "fauteuil à oreilles", ou la chaise-longue Wink, au catalogue de Cassina.

Une nouvelle informalité dans la conception de meubles associée à une recherche technique et matérielle améliorée. Avec son approche ludique, voici le fauteuil des années '80. Un peu « Disneyesque », pourrait-on dire, il rappelle la fameuse souris aux grandes oreilles. Infiniment polyvalent : le dossier peut être orienté dans différentes positions, le siège peut glisser vers l’avant, et devenir une chaise longue confortable, les appuie-têtes peuvent être réglés et inclinés vers l’avant et vers l’arrière indépendamment les uns des autres. Des compositions infinies de couleurs peuvent être créées avec chacune de ses parties, permettant de personnaliser dans un jeu complice, implicite entre le concepteur et l’utilisateur.

GAETANO PESCE, ART ET UTILITÉ
 

[...] « J’agis sur un terrain hybride entre art et utilité [...] Un hiver, j’étais à Venise et Peggy Guggenheim m’a invitée à dîner chez elle. Le musée fermé, les espaces avaient redécouvert leur moment officieux.

Un majordome m’ouvrit la porte. J’avais mon manteau, il le prit et l’accrocha à une mince sculpture de Giacometti. Pendant les heures d’ouverture du musée, cette "chose" avait une identité propre, elle était à admirer; le soir, elle redevenait le porte-manteau de Mme G. Il y a donc différents moments et besoins selon lesquels nous communiquons avec les choses qui nous entourent. Cela signifie élargir le potentiel communicatif de l’objet [...] cela signifie aussi parler de l’utilité de l’art. 

[...] Autrefois, j’affirmais que l’ industrie en série était une conquête incontestable... aujourd’hui ces valeurs ne me suffisent plus, aujourd’hui je veux plus de richesse dans la production industrielle, redécouvrir la spontanéité d’une pièce unique. Voici le sens correct de la production en série variée : mettre certains matériaux en condition de se définir de façon moins rigide, moins répressive et dictatoriale que celle-là même qui, en raison du moindre défaut, a causé leur élimination. [...]”

(de  Gaetano Pesce o dell'opposizione, interview de Marco Romanelli dans Domus n° 712, 1990).

Le fauteuil est en feutre de laine très épais, imbibé de diverses quantités de résine thermodurcissable à base de polyester pour une élasticité différenciée. Il a une esthétique rustique, artisanale, délibérément insubordonnée à ce qui est attendu de la production de masse, une pièce qui vit sur sa propre personnalité, où chaque élément "imparfait" est différent de l’autre.

Pesce rétablit la relation nécessaire entre artisanat et industrie en créant un terrain commun entre art et design.

JAIME HAYON, RÉACTION POÉTIQUE

"Je voulais créer des objets utiles pour la maison moderne, plateaux et tables d’appoint, avec des éléments sculpturaux interagissant : formes, lumière et ombre.

Un vrai défi, presque religieux, celui d'utiliser un seul matériau et une seule finition, tout en exerçant ma philosophie de conception. Je pense que cette restriction a été l'occasion pour mettre en valeur la beauté du bois et la maîtrise de l’atelier de menuiserie de Cassina." Jaime Hayon.

Cette collection s’inspire des formes organiques de l’architecture de Le Corbusier et de l’Esprit Nouveau des années '20. 

«La collection Réaction Poétique est un ensemble de formes plastiques, sculptures rappellant les premières œuvres de Le Corbusier, représentations d’éléments naturels retentissant dans notre subconscient. Cette collection présente des objets utiles pour la maison moderne, comme les plateaux et les tables d’appoint construits à partir d’un seul matériau dans une seule finition afin de valoriser la vraie beauté du bois et la capacité de Cassina à le travailler". Tiré du catalogue Cassina.

PHILOSOPHIE DES OBJETS COMMUNS

De la lumière sans source lumineuse, du vent sans ventilateur, de la fumée en marbre, une chaise ruisselante, un miroir où l’on ne se reflète pas mais qui s’ouvre sur l’infini, offrant de nouvelles perspectives visuelles et perceptuelles.

Toute l’œuvre de Ron Gilad pousse le spectateur à épouser le doute comme valeur suprême et à remettre en question les valeurs acquises par habitude. Ses objets apparaissent au quotidien familiers et fonctionnels, mais l’approche de Gilad les dépouille de leur fonction originale et les transporte vers de nouveaux mondes.

Ce miroir fait partie d’une collection de 16 objets que le designer israélien a conçus pour Cassina, sachant que leur création conjuguera ingénierie constructive et haute ébénisterie en un jeu esthétique entre art et design, abstrait et fonctionnel.

PATRICIA URQUIOLA : LE SENS DES PROPORTIONS

Clairement influencé par la culture japonaise, ce meuble prend les formes du haori, veste traditionnellement portée sur le kimono. Introduite au Japon dès les années 1500 et adoptée par les samouraïs pour se protéger du froid, sa forme en « T » reprend celle du kimono, mais en plus court.

La référence à ce vêtement traditionnel se retrouve dans les proportions de ce meuble qui joue sur les mêmes volumes que le haori. Ses pieds obliques contrastent avec les lignes horizontales. Sa forme minimale et solide est accentuée par des bords amincis qui en allègent l’aspect. Mais c’est aussi un hommage à Kazuhide Takahama, l’architecte qui a industrialisé l’ancienne tradition de laquage en reproduisant pour la première fois en série, une finition très similaire, en résultat, à la laque chinoise ancienne, avec l’avantage d’une durabilité au fil des siècles. Aujourd’hui, ses meubles font partie de la collection Cassina.

La philosophie du design de Patricia Urquiola est bien connue, grâce à son histoire et sa formation, elle a hérité d’une approche du design par analogie : un objet appelle un objet puisqu’un objet nait de l’interprétation d’un autre.

HOMMAGE À LA TRADITION DE MURANO

La collection de vase Sestiere conçue par Patricia Urquiola est une préservation et une interprétation de la tradition verrière vénitienne séculaire.

Les vases sont un hommage aux maîtres verriers et à leurs connaissances de longue date des techniques verrières des périodes romaine et byzantine. 

Les vases sont des bulles de verre soufflé colorées "enfermées" dans une filet de cordes. Chaque morisa – toute application de cordons,  poignées ou bordures ajoutée à la fabrication de l’objet dans le jargon de Murano – est appliquée à la main, créant un effet voulu d’imperfection séduisante sur l’objet et une référence s’inspirant à un autre aspect de l’esthétique verrière vénitienne : la technique du rigadin, un motif traditionnel rayé que l’on retrouve sur la plus fine verrerie. Des pièces uniques d’artisanat extraordinaire, grâce à ces caractéristiques et aux techniques utilisées pour chaque vase.

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