DESIGN POUR L'AMOUR

La Liste #07

par Antonella Dedini

 

Tout sur l'amour

Tracey Emin, You Saved Me, exposition Love, ​​Chiostro del Bramante, Rome, 2018

Le 14 février 1400, la Haute Cour de l'Amour, inspirée par les principes de l'amour courtois, a été établie en France et fut la première cour à œuvrer officiellement pour la défense des femmes. Elle traitait des litiges conjugaux, des trahisons, et des violences souvent perpétrées contre les femmes, qu'elles soient mères, épouses ou filles. Elle avait également compétence sur les différends entre amants et entre couples séparés, ce qui la rendait très en avance sur son temps. Malheureusement, elle a été peu utilisée depuis, et la violence contre les femmes continue encore dans la société actuelle.

Alors, cette année, voyons la Saint-Valentin non seulement comme un jour pour célébrer le martyr chrétien Valentin de Terni – saint patron des amoureux qui officiait secrètement des mariages chrétiens à une époque où cela n'était pas autorisé – mais comme une célébration de l'amour. Une célébration de la passion et du respect pour son partenaire avec qui nous avons décidé de partager notre vie pour l'instant, ou pour toujours.

Et dans le prolongement de ce thème, la liste de ce mois-ci porte entièrement sur des objets et œuvres d'art et de design sur l'amour.

AMOUR

Robert Indiana, Love, USA, 1964

C'est peut-être l'une des œuvres d'art les plus connues dans le monde, car elle est non seulement un protagoniste du pop art américain, mais aussi en raison du message immédiat qu'elle véhicule.

Robert Indiana, avec ses graphismes colorés et incisifs, a largement utilisé la publicité et ses langages. Il a utilisé des polices familières et rassurantes pour créer des concepts visuels et des messages clairs. Son travail est composé de phrases, et de « poèmes sculpturaux » comme il les appelait, respectant la parole écrite comme un moyen de messages sociaux devant être préservés dans le temps.

Dans ses œuvres, Indiana utilisait autant que possible des images liées à l'art visuel contemporain afin que le contenu de ses œuvres puisse être absorbé, transformant le message en œuvre d'art et vice versa.

Love est l'une des pièces les plus célèbres d'Indiana et a été commandée par le MoMA en 1964 pour une carte de Noël.

LA BROCHE SURREALISTE

Salvador Dalì, Tristan et Iseult, créé par l'atelier de Carlos Alemany, USA, vers 1944

Cette broche surréaliste a été créée par l'un des esprits les plus audacieux et éclectiques de l'histoire de l'art. Salvador Dalì s'est inspiré de la légende de Tristan et Iseult pour créer une pièce de joaillerie époustouflante portant un message sur l'amour. La broche montre les profils de deux amants qui forment une coupe, représentant à son tour une possible abondance d'amour entre un homme et une femme.

 

 

Dalì a créé les décors du ballet Mad Tristan sur la musique de Richard Wagner en 1944 et a été particulièrement impressionné par la passion intense de l'histoire et de la musique. À cette époque, grâce principalement à son amour pour sa muse, Gala, il a commencé à concevoir des bijoux, dont cette magnifique broche. Sa série de dessins et de bijoux en or et pierres précieuses a été réalisée avec le maître orfèvre Carlos Alemany entre les années 1940 et 1970, et elle nous offre l'opportunité de plonger dans son imagination particulière, où l'amour était un sentiment controversé.

 

 

Aimer à tout prix, car l'amour n'est pas amour s'il n'est pas désir ainsi que souffrance. Comme disait Thomas Mann : le véritable amour est un royaume d'émotions en antithèse à la raison.

Dalì disait ceci à propos de ses bijoux : « Mon but est de montrer l'art de la joaillerie dans son vrai sens. Le design et le savoir-faire devraient coûter plus que les pierres précieuses et les métaux ».

 

 

ODE À LA FEMME

  

Fabio Viale, La Venere tatuata, Turin, Italie, 2016

 

 

 

Cette sculpture est une ode aux femmes et à la Vénus de Milo, emblème de beauté et de sensualité. Cette sculpture, tatouée de fragments du Triomphe de la Mort pour symboliser l'horreur de la réalité par opposition à l'idéal de beauté, est une interprétation contemporaine d'un mythe qui doit être rappelé et modernisé.

 

Viale s'inspire du classicisme sans l'imiter, créant plutôt de nouvelles expériences pour narrer l'extraordinaire, allant au-delà de l'ordinaire. Pour Viale, les tatouages qui ornent le dos de Vénus sont un moyen de mettre en valeur les formes séduisantes du corps de la statue, créant une association surprenante entre la beauté classique et modeste, et une beauté inattendue et provocante.

 

 

  

 

DALÌ ET MAE WEST

Salvador Dalì, Mae West, Espagne 1935

Salvador Dalí voulait que l'art fasse partie de tous les aspects de la vie. Il s'est intéressé au mobilier grâce à son ami, le décorateur d'intérieur Jean Michel Frank. Entre 1934 et 1935, il a travaillé sur un portrait à la gouache sur une photographie de l'actrice Mae West quand, à un certain moment, une vision l'a conduit à imaginer l'espace surréaliste d'un appartement sur son visage. Il a transformé ses boucles blondes en une porte, ses yeux en tableaux, son nez en cheminée, et ses lèvres en canapé.

C'était une pièce tellement provocante et sensuelle que le mécène britannique Edward James a demandé une version grandeur nature en trois dimensions. Frank a également commandé cinq autres pour ses clients fortunés et une même en « rose choc » pour le rouge à lèvres lancé par la créatrice de mode Elsa Schiaparelli.

Et nous ne pouvons pas oublier qu'en 1970, le canapé est devenu une icône pop redessinée par le groupe radical Studio65 pour Gufram.

EMBRYONS

Alexa Lixfeld, Metamorphose Spoons, Allemagne, 2010

 

 

Cette installation est une histoire de changement et comprend treize pièces différentes d'argenterie qui subissent une transformation. Semblables à des embryons, les pièces se transforment en cuillères (femelles) ou en fourchettes (mâles).

 

Mais c'est précisément la transformation qui est l'aspect le plus intéressant. En les observant, il n'est pas encore possible de définir leur sexe, donc leur fonction. Tout cela est raconté à travers la forme.

Metamorphose parle de la transformation de quelque chose : comment une cuillère devient-elle une fourchette ? Quand est-elle encore une cuillère et quand est-elle déjà une fourchette ? Quand est-elle masculine et quand est-elle féminine ? Parler des sexes à travers les couverts comme métaphore est fascinant.

CONTROVERSÉ ET DÉCORATIF

Piero Fornasetti, Adamo ed Eva, Italie, 1950 ; remake 2000 par Atelier Fornasetti

Cette série d'assiettes en porcelaine décorées d'or, avec les techniques et détails reconnaissables typiques du travail de Fornasetti, compose ensemble un portrait artistique des corps d'Adam et Ève.

Le 21 octobre 1988, un article du NY Times écrit par Suzanne Slesin rapportait la mort du grand artiste. Dans la description de certaines de ses œuvres, la collection d'assiettes Adam et Ève, chacune montrant une partie différente du corps humain, était définie à la fois comme controversée et décorative. En fait, il n'y a jamais eu de meilleur double adjectif pour Fornasetti, car il était certainement un grand esthète et aimait la beauté, mais était aussi un artiste qui aimait être un provocateur.

Les objets de Fornasetti sont des multiples. Son fils Barnaba Fornasetti, qui est directeur artistique de l'atelier de design milanais depuis plus de trente ans, a créé une marque internationale reconnue pour son artisanat, son art et son design.

VÉNUS

Carlo Mollino, miroir Vénus, Casa Miller, Turin, Italie, 1938

 

 

 

Dans la Casa Miller, Mollino révèle son originalité en tant que décorateur : il transcende habilement les schémas fonctionnalistes de l'époque sans tomber dans des styles excessifs. Son ingéniosité est évidente dans une maison conçue comme une sorte de lieu « composé de murs et d'objets, de formes et d'espaces », où chacun fait partie d'« un scénario bien ficelé » (Carlo Levi, Domus).

 

 

Chaque objet renvoie à quelque chose comme les miroirs avec leurs allusions infinies. Il a créé, plus de vingt ans avant son temps, cette architecture de la persuasion typique de la théâtralité américaine des années 1960.

 

 

Sa représentation du profil de la Vénus de Milo en miroir rompt avec les formes conventionnelles des miroirs, adoptant et utilisant les formes beaucoup plus sensuelles de la statue iconique représentant la divinité. Le miroir reflète à son tour, dans un récit connecté, des objets érotiquement représentés sous des formes féminines sensuelles.

 

 

Sur la dernière image, on voit le miroir, désormais appelé Milo et produit par Zanotta.

 

 

 

 

 

RÉVOLUTION ESTHÉTIQUE

Verner Panton, Heart Cone Chair, Suisse, 1958, pour Vitra

Dans les années 1950, Verner Panton, un designer danois au parcours fonctionnaliste, a été emporté par une révolution inattendue de l'esthétique et de la pensée, en avance sur les décennies suivantes de l'art pop. Il a eu une énorme influence sur l'art pop, des objets à l'ameublement en passant par la mode, et était tout sauf un design scandinave minimaliste. Il a pris à cœur la devise de Walt Disney, « si tu peux le rêver, tu peux le faire », en expérimentant formes, couleurs et nouveaux matériaux, créant des idées innovantes d'espace pour les maisons et les bureaux.

Il a imaginé et créé des meubles fantastiques : des chaises suspendues au plafond, pivotantes et réglables en hauteur, ainsi que des formes d'assise inhabituelles comme la célèbre chaise Panton, qui ne pouvait être créée qu'avec de nouvelles technologies. La Heart Cone Chair, une évolution contemporaine du fauteuil bergère, est toute rouge et prend la forme rassurante et réconfortante d'un cœur.

I MOBILI GRIGI

Ettore Sottsass, Ultrafragola, série Mobili Grigi, Poltronova, Italie, 1970

Ce miroir s'inspire d'Alice au pays des merveilles de Lewis Carrol, comme le montre aussi sa taille (100 cm sur 195 cm) : une grande porte à travers laquelle on peut passer, et un hommage à la féminité.

Cette pièce fut la seule de la série à être mise en production, et très peu des autres furent réalisées pour des expositions ou des collections privées. Voici comment Sottsass décrivait son projet Mobili Grigi (Meubles Gris) : « formes arrondies et gonflées (pour toujours), formes d'origine féminine peut-être ou – si vous préférez – d'origine religieuse (ce qui revient au même) ».

Il s'agit d'une collection de meubles conçus non pas pour être simplement fonctionnels, mais des objets qui embrassent une forte composante émotionnelle transmettant des messages et des symboles.

Ce miroir a été présenté pour la première fois par Poltronova en 1970 pour Eurodomus 3, un précurseur de l'événement qui deviendra plus tard le célèbre Salone del Mobile à Milan.

C'EST CE QUE ÇA SEMBLE

Ettore Sottsass, vase à fleurs Shiva, BD Barcelona Design, 1973

 

 

 

« Je continue à produire de petites, petites, petites architectures, comme cette pièce en céramique, par exemple, un peu comme des monuments, un peu comme des tombes, un peu comme les temples abandonnés des dieux, un peu comme les ruines de la civilisation ancienne et inconnue dans laquelle quelque chose, dit-on, était connu ; on dit qu'ils comprenaient les axes, les courbes, les intersections, peut-être même la causalité des trajectoires des corps cosmiques, le long desquelles glissent chaque jour les sommets privés des atomes qui composent notre chair et notre sang fragiles ».

Ettore Sottsass

 

 

DUE FILI AVVINGHIATI

Ingo Maurer, One from the Heart, Allemagne, 1989, prod. I.M.

Ingo Maurer était appelé le poète de la lumière et le génie du design, il était visionnaire et imprévisible. À chaque Salone del Mobile à Milan, je me souviens que j'avais hâte de voir sa nouvelle collection de lampes à Spazio Krizia dans la Via Senato. Il réussissait toujours à être surprenant et innovant.

Les années 1990 furent des années merveilleuses, et il n'y avait pas beaucoup de génies comme lui. Il fut parmi les premiers à produire ses propres œuvres et il marchait sur la ligne entre être un artiste créant des pièces uniques d'art et trouver l'équilibre et les matériaux pour créer des designs plus industriels.

Il a finalement décidé de produire ses propres pièces, expérimentant avec la lumière et étant libre de laisser son imagination s'envoler. Il a créé de magnifiques lampes, qui sont des sculptures de lumière qui ne s'effaceront jamais. En Italie, il a reçu le Compasso d’oro Career Award en 2011.

Cette lampe de chevet a été conçue comme un cadeau de mariage pour un couple d'amis. Des fils rouges et bleus sont noués et entremêlés, créant une promesse d'amour éternel. Tandis qu'un miroir en forme de cœur projette sa forme sur le mur, deux petits crocodiles guettent à la base de la lampe.

 

AMOUR

Fabio Novembre, cabinet LOVe en rouge, Driade, Italie.

« L'amour, c'est se choisir mutuellement, enveloppé d'une aura de mystère. L'amour est un gardien fidèle des rêves partagés, un espace de possibilités », a déclaré Fabio Novembre.

Ce buffet rouge vif est un manifeste bidimensionnel dédié à l'amour, où les lettres du mot vous accompagnent lorsque vous ouvrez ses portes.

C'est une unité de rangement époustouflante, mais aussi un bel espace où nous pouvons ranger les choses que nous aimons. C'est ce que représentent les créations de Fabio Novembre : contamination, sensualité, empathie et fonctionnalité.

 

LIGNES SENSUELLES

Driade Lab, unités de rangement Ercole e Afrodite, Driade, 2021

L'anthropomorphisme est un art ancien qui tire son sens du mot grec ánthrōpos, homme, et morphē, forme. Avant de jouer un rôle central dans l'architecture de Vitruve, il dominait les cultures archaïques, où les bâtiments reflétaient un symbolisme anthropomorphique en reproduisant des figures et des mesures dérivées de l'observation du corps humain.

À l'époque moderne et dans le design, il y a eu des œuvres iconiques inoubliables d'artistes comme Salvador Dalì, Carlo Mollino, Piero Fornasetti, Gaetano Pesce, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass et Fabio Novembre pour ne citer que quelques grands designers qui ont expérimenté les merveilles du corps humain.

À mi-chemin entre art et design, c'est une tendance et un fil conducteur entre les designers qui décident d'expérimenter de nouvelles formes avec une touche ludique ou provocante, en expérimentant avec le corps humain et ses parties. Ils magnifient les traits et détails du corps, lui donnant une dimension magique et ancestrale grâce à un mélange de langages classiques et pop.

LUI ET ELLE

Fabio Novembre, Him & Her, Casamania, Italie, 2008

Cette liste ne pouvait certainement pas omettre cette pièce.

Inspiré par le passage de la Genèse dans la Bible où Dieu crée l'homme et la femme, Fabio Novembre a attribué les sexes masculin et féminin à ces deux sièges, qui rappellent la célèbre chaise Panton conçue par Verner Panton en 1959.

Dans le modèle original, le designer distinguait le mâle et la femelle grâce aux deux empreintes différentes des fesses. Ces corps nus étaient « sculptés » de manière si réaliste et sans honte que l'on peut presque ressentir leur pathos érotique.

Ils sont carrément emblématiques.

COEURS DOUX

Ron Arad, Soft Heart, Moroso, Italie, 1991

En 1989, je venais de rejoindre la rédaction en tant que jeune apprenti pour le magazine Ottagono et j'ai été (audacieusement) envoyé à Londres pour interviewer l'architecte né en Israël Ron Arad dans son studio de design One Off.

Dans son espace visionnaire, il a conçu des meubles artisanaux non conformistes, principalement en plaques d'acier soudées, qui présentaient des formes sculpturales jamais vues auparavant. Je me sentais la personne la plus chanceuse du monde d'avoir ce travail fantastique et j'ai essayé, même si j'étais inexpérimenté, de rapporter autant que possible de cette expérience à Milan, y compris ma conversation avec le designer qui m'a permis de comprendre que « la forme suit la fonction » est un axiome très discutable. J'ai aussi appris qu'il y aurait bientôt un dialogue constructif entre l'art contemporain et le design industriel.

La recherche de Ron Arad s'est rapidement combinée aux compétences de Moroso, et ce fauteuil, qui est l'évolution du célèbre fauteuil en acier The Big Easy conçu en 1988, en est le résultat.

Soft Heart est un jeu de volumes changeants, passant d'un fauteuil à un cœur, d'un cœur à un fauteuil, et expérimente les formes en utilisant de nouveaux matériaux.

BAGUE 3D

Giulio Iacchetti, bague Anellove, Cyrcus

Cette bague imprimée en 3D peut être personnalisée avec les lettres des noms des deux amoureux que l'on souhaite immortaliser, en faisant le cadeau parfait pour un anniversaire ou la Saint-Valentin.

Cyrcus est un mouvement/entreprise fondé par le designer Denis Santachiara qui s'appuie sur la fabrication numérique pour produire ses créations. Créer, produire, échanger et consommer le design prend ainsi des formes nouvelles, inédites et véritablement durables. Cyrcus a transformé le langage du design, fabriquant ses produits en métaux précieux et matériaux prisés comme l'or, l'argent, le marbre, l'acier et l'aluminium tout en utilisant l'impression 3D, le laser et les technologies CNC, qui facilitent la création de formes complexes autrement difficiles ou impossibles à réaliser avec des techniques traditionnelles.

ANNA G

Alessandro Mendini, tire-bouchon Anna G, Alessi, 1994, Italie

 

Ce tire-bouchon vif et coloré est une icône du design qui a inspiré d'autres créations. Mendini a dédié cet objet à son amie et collègue Anna Gili, qu'il a parfaitement capturée avec sa coupe au carré caractéristique. Mendini a très peu modifié le design original que nous connaissons tous et aimons, et que l'on trouve dans de nombreuses cuisines.

 

Conçu par Dominick Rosati en 1928, il possède deux poignées et une vis, et a très peu changé au fil du temps, sauf pour l'ajout d'un décapsuleur en haut. La caractéristique gagnante est le corps central qui possède une vis d'Archimède qui pénètre le bouchon et un sommet facile à tourner. L'ensemble de la pièce a été conçu pour causer le moins de dégâts possible au bouchon. En actionnant les deux poignées, le bouchon saute.

 

Après 1880, les bouchons en liège ont commencé à être utilisés pour sceller les bouteilles (des jarres en peau d'animal, des cruches en céramique ou en verre, et des tonneaux en bois avaient été utilisés auparavant, et une fois ouverts, ils n'étaient plus bons pour conserver le vin). De cette date jusqu'en 1930, plus de 300 brevets de tire-bouchons ont été enregistrés. Celui conçu par Alessandro Mendini est de loin le plus doux et le plus original.

LE BAISER

Marco de Masi, salières Bino & Bina, Cyrcus Design, Italie

 

 

Léonard de Vinci disait que la simplicité est la sophistication ultime.

Ce magnifique ensemble minimaliste de salière et poivrière incarne parfaitement ce concept.

C'est une pièce emblématique qui a été imprimée en 3D grâce à des procédés de fabrication numérique.