LA LIBERTÉ DE CONCEPTION : UN PRÉALABLE À L'INNOVATION - La liste n° 12
L'édition de ce mois de The List porte entièrement sur le concept de liberté à grande échelle, abordant comment l'art et le design améliorent nos vies et suggèrent souvent de nouvelles façons d'être libre.
Image de couverture : Maria Prymachenko artiste ukrainienne
Aujourd'hui plus que jamais dans l'histoire, nous comprenons le sens de la liberté de mouvement, l'amour commun de la liberté garanti par la loi, la démocratie et l'indépendance.
La liberté de pensée améliore la culture, la communication et le dialogue entre les religions et les pays, tandis que la liberté de genre a généré une prise de conscience encore plus grande de l'importance de défendre l'unicité et le respect des autres. Parce que la liberté est un droit et un sentiment universels et une valeur fondamentale de l'être humain.
Cette prise de conscience nous aide à planifier un avenir meilleur. Nos maisons, les objets qui nous entourent, ainsi que nos vêtements et accessoires ont nécessairement subi une transformation.
"Fontaine de l'épuisement" par Pavlo Makov : une représentation de la résistance ukrainienne
Pavlo Makov ; Fontaine de l'épuisement. Acqua Alta ; Pavillon ukrainien, 59e Biennale de Venise, 2022
L'art de Pavlo Makov a voyagé en voiture de Kharkiv à Venise, et la conservatrice Maria Lanko a été chargée de curater l'exposition de l'artiste ukrainien à la Biennale de Venise 2022 avec Liza German et Borys Filonenko. Par miracle, l'œuvre de Makov est arrivée intacte et représente une résistance ukrainienne qui n'a jamais cessé de croire.
L'œuvre a été présentée pour la première fois en 1995. « Ce n'est pas que l'œuvre ait changé – c'est le monde qui s'est approché de ce que cette œuvre représente », a déclaré Makov, 63 ans, au Kyiv Independent. « L'idée de la Russie est d'éliminer l'Ukraine – et d'éliminer la culture ukrainienne. Si elle n'a pas de culture, l'Ukraine n'existe pas », a-t-il poursuivi, paraphrasant une déclaration du Premier ministre britannique Winston Churchill. « Je ne me sens pas artiste ici, je me sens beaucoup plus citoyen d'Ukraine, et c'est mon devoir que l'Ukraine soit représentée à la Biennale. »
Fontaine de l'épuisement. Acqua Alta se compose de 78 entonnoirs en bronze disposés en triangle sur 12 niveaux avec de l'eau s'écoulant de celui du sommet. Les entonnoirs sont suspendus au mur, chacun se divisant en deux et répartissant l'eau entre plusieurs entonnoirs à chaque niveau. Lorsqu'elle atteint le niveau 3, le débit ralentit jusqu'à un filet, et au niveau 6 à une simple goutte. Au niveau 12, elle filtre à peine à travers les 12 derniers entonnoirs dans un bassin peu profond.
En fin de compte, l'art est imparable.
Cats of Brutalism, le compte d'art Instagram mentionné par le New York Times
Visitez @catsofbrutalism sur Instagram
Parfois, les idées sont tellement absurdes qu'elles finissent par être brillantes. C'est le cas du profil Instagram @cats_of_brutalism, signalé par le New York Times comme l'un des 5 comptes d'art à commencer à suivre sur Instagram.
Le profil mélange des images de deux choses qui ne pourraient pas être plus différentes : les chats et les bâtiments brutalistes. Des photos en noir et blanc de constructions brutalistes – de celles de Le Corbusier à celles d’Oscar Niemeyer à Brasilia – sont prises et retouchées avec des chats surdimensionnés qui dorment, jouent ou ronronnent.
Toutes les photos sont accompagnées de légendes qui expliquent l’architecture présente sur la photographie (année, lieu et nom de l’architecte) ainsi que les félins, qu’il s’agisse de chats errants ou de chats influenceurs déjà célèbres sur le web. Parce que qui n’aime pas les chats ?
"Le Vase et l’Artiste" par l’artiste céramiste Ugo Marano
Ugo Marano ; Le Vase et l’Artiste ; Cetara, Italie ; 1991
Ugo Marano était un artiste céramiste éclectique et un visionnaire talentueux. En 1991, il a créé le groupe Vasai di Cetara dans le village de pêcheurs où il vivait près de Salerne, dans le sud de l’Italie.
Il utilisait la céramique – qu’il considérait comme un « art majeur » – combinée au fer comme symbole de la revalorisation des compétences manuelles, comprises comme un impératif éthique et une richesse de savoir.
Il a travaillé dans l’art et le design avec une approche « humaniste » tournée vers l’homme contemporain.
Gillo Dorfles a écrit sur Marano, présentant son travail dans un article paru dans le magazine Area en 1989. On peut parler de la mission de Marano, car en fait « c’est comme s’il était chargé d’être un missionnaire laïc, un prophète futuriste, [...] avec lequel Marano réalise son œuvre pour créer des objets [...] qui libèrent l’individu de la soumission aux schémas imposés par la technocratie dominante ».
"Afghan Hound", l’art performatif de Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen ; Afghan Hound, 54 ; Biennale de Venise, Italie ; 2011
Afghan Hound était une performance mêlant danse, musique et jeu d’acteur en direct, présentée lors de l’ouverture de la 54e Biennale de Venise en 2011.
Grâce au pouvoir expressif d’un impressionnant costume de scène évoquant un oiseau et d’un bâton servant de partenaire de danse symbolique (l’utilisation de la fourrure s’inspire de la tradition des courses de lévriers afghans), l’artiste Lillibeth Cuenca Rasmussen a incarné quatre personnages différents.
L'œuvre abordait les complexités du genre dans des cultures où les hommes et les femmes sont séparés selon les règles de la culture masculine. Elle explorait également comment une sexualité réprimée peut développer de nouvelles transformations de genre au-delà des traditions de la société et de la culture.
Afghan Hound a mis en avant des voix réprimées tout en tentant de communiquer des histoires dans la tradition et la culture afghanes en remettant en question la pensée occidentale souvent stéréotypée et parfois réductrice sur le monde oriental.
L’activiste et écrivaine Malalai Joya a contribué par ses écrits aux paroles de la musique accompagnant la performance :
Refrain :
- Alias – Je ne suis pas ce que vous voyez
Refrain :
- Mon homme et moi ne sommes jamais seuls
Le Chalet à Méribel Les Allues, conçu par Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND : UNE FEMME LIBRECharlotte Perriand ; chalet à Méribel Les Allues, Savoie, France ; 1960-61
Entre 1960 et 1961, la designer et passionnée de montagne Charlotte Perriand a conçu son petit chalet intime et confortable.
Niché dans le flanc de la montagne, le chalet a deux niveaux qui s'ouvrent complètement sur le paysage de la vallée et sont tous deux accessibles de l'extérieur.
Au niveau inférieur se trouve une petite cuisine, un salon avec une grande cheminée, et une petite pièce indépendante accessible uniquement de l'extérieur. Surnommée la tanière, ou tanière, elle est équipée d'un lit rabattable, d'un lavabo, d'une douche et de toilettes.
À l'étage, il y a une grande pièce dans le style des bâtiments traditionnels, avec un toit en pente apparent et une grande fenêtre donnant sur la nature.
“J'ai appliqué un principe de base : structure en bois sur murs en pierre, mais pour fermer les vides, au lieu de lattes en bois, double vitrage encadré par le même pin que la structure. Tous les vides au deuxième étage sont ainsi fermés par des portes coulissantes en bois et verre clair. Elles sont cachées, disparaissant entre les murs en pierre à l'extérieur et les panneaux en bois à l'intérieur. [...]
Pas de cloison au deuxième étage, deux lits de style savoyard disposés dans des niches agréables qui laissent beaucoup d'espace libre, pour être ensemble. Et, dans ma niche, quand le soleil passe au-dessus des sommets - bam ! dans mon œil -, je me réveille” (extrait de Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Photo par Fred Lahache.
Le distributeur de pilules, un produit révolutionnaire dans l'emballage innovant
David and Doris Wagner; pill dispenser for Ortho-Novum; 1963 (1961 patent)
La première pilule contraceptive orale s'appelait Enovid et a été mise sur le marché en 1960. Deux ans plus tard, 1,2 million de femmes américaines l'utilisaient déjà.
La plupart des femmes connaissent au moins une version de son emballage : un disque en plastique rond qui s'ouvre comme une coquille et ressemble à un étui de maquillage. Mais la pilule n'a pas toujours été emballée de cette façon. La première pilule contraceptive sur le marché était présentée dans une simple bouteille en verre contenant des comprimés en vrac, comme n'importe quelle autre pilule sur ordonnance.
En 1961, David et Doris Wagner étaient un couple d'âge moyen avec quatre enfants. Ne voulant pas en avoir d'autres, ils étaient ravis d'apprendre l'existence de la pilule. Doris reçut l'ordonnance, et les pilules arrivèrent dans une grande bouteille en verre. Les instructions disaient de commencer la pilule le cinquième jour de son cycle. Mais que se passerait-il si elle oubliait de prendre une pilule ?
Avec son mari, elle inventa une méthode plus efficace pour se souvenir de prendre ses pilules : elle créa un simple calendrier sur un morceau de papier et plaça chaque pilule sur le jour correct.
Le prototype original des Wagner consistait en deux disques en plastique transparent et une fermeture à pression qu'ils avaient prise sur un jouet de leur fils. Le disque inférieur contenait vingt pilules, tandis que le disque supérieur avait un trou qui pouvait être tourné chaque jour pour montrer la pilule correcte ainsi que le jour de la semaine correspondant.
Ils ont breveté l'emballage, et la première entreprise pharmaceutique à l'adopter fut Ortho-Novum. Le nouveau design de distributeur qu'ils créèrent pour Enovid en 1973 devint l'emballage tel que nous le connaissons aujourd'hui.
"Table aux pieds d'oiseau" : une réédition dans la collection Simon de Cassina
Meret Oppenheim; Table aux pieds d'oiseau; 1939; photo; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Maintenant une réédition dans la collection Simon de Cassina
Meret Oppenheim était une artiste et poétesse suisse-allemande considérée comme une muse du mouvement surréaliste fondé au début des années 1920 par André Breton. Elle arriva à Paris dans la vingtaine et fit la connaissance des principaux représentants du mouvement ainsi que d'autres membres, dont Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp et Marcel Duchamp.
Vers 1930, Salvador Dalí – qui avait rejoint le mouvement, devenu alors international – suggéra un nouveau genre artistique, celui des « objets fonctionnant symboliquement ».
La caractéristique qui relie toutes les œuvres de ce genre est qu'elles semblent provenir de rêves et de fantasmes. Souvent, des objets du quotidien deviennent si différents qu'ils se libèrent de leurs fonctions originales et remettent en cause les interprétations établies. Fascinée par cette approche, Meret commença à se concentrer sur les objets quotidiens, réinterprétés à partir d'un changement de sens qui suscite des analogies mystifiantes et uniques pour le spectateur.
Le Bikini : la révolution des maillots de bain
Le bikini, 1946
Louis Réard, inventeur du bikini, choisit Micheline Bernardini, danseuse au Casino de Paris, comme modèle pour le lancement de son maillot de bain révolutionnaire et la fit défiler à l'Hôtel Molitor à Paris. Bien que le bikini ne fût pas complètement accepté par les femmes au début, il rencontra un immense succès auprès des hommes.
Cette année-là, les États-Unis menaient des essais de bombes atomiques à l'atoll de Bikini, l'une des 36 îles Marshall dans l'océan Pacifique. Nommé d'après la bombe atomique qui avait explosé sur l'île quelques jours auparavant, le bikini fit également une entrée fracassante.
Tout le monde dans le monde savait ce qui se passait sur l'atoll, alors pourquoi ne pas nommer le nouveau maillot de bain « bikini » ? Pour son premier bikini, Réard choisit un tissu au motif de la une d'un journal.
Réard a ainsi fait l'histoire, et a ouvert sa boutique à Paris qui y est restée pendant 40 ans.
"Bikini aussi petit que l'atome"
Bien qu'une mosaïque du IVe siècle ap. J.-C. de la Villa Romana del Casale montre des femmes romaines portant ce qui semble être des bikinis, il a fallu attendre des siècles pour voir des maillots deux-pièces laissant entrevoir le nombril. Les vêtements de plage féminins sont restés très modestes jusqu'à récemment.
En 1932, le couturier parisien Jacques Heim créa pour la première fois un maillot de bain beaucoup plus petit que les modèles existants, ce qui provoqua un certain émoi à l'époque. En raison de sa petite taille, il fut renommé Atome, ou « atome », d'après le plus petit élément connu à ce jour, et il fut annoncé comme « le plus petit maillot de bain du monde ».
Paul Poiret et la mode de la Belle Époque
Paul Poiret ; pyjamas jour et nuit en jacquard de soie ; 1918
Paul Poiret (1879-1944) était un couturier français légendaire. Ses contributions à la mode du XXe siècle ont été comparées à celles de Picasso dans l'art du XXe siècle.
Poiret dominait la mode de la Belle Époque et remodelait la silhouette des femmes en les libérant des corsets contraignants et en popularisant les tailles hautes. Suite à l'abolition du corset, il alla plus loin avec des jupes drapées, des pantalons harem et des tuniques en forme d'abat-jour. Sa technique de « drapage » au lieu de la « couture » classique lui apporta un grand succès.
Entre 1916 et 1918, il lança une version de pyjamas pouvant être portée de jour comme de nuit, favorisant la mode « style pyjama » comme une alternative exotique et élégante aux robes de thé.
Coco Chanel et l'autonomisation des femmes
Coco Chanel n'a pas seulement bouleversé le monde de la mode, elle a fait en sorte qu'il valorise les femmes pour la première fois. Elle a créé un style révolutionnaire pour un nouveau mode de vie, rêvant d'une femme avant-gardiste et émancipée avec une manière et un style modernes.
Dans les années 1930, la courageuse Coco Chanel fut parmi les premières femmes à porter dans la rue des pyjamas en soie (ou en velours) pour hommes, et l'establishment de la mode n'a jamais changé d'avis depuis. Initialement portés par les femmes lors d'occasions informelles, y compris à la place des maillots de bain, l'exhibition excentrique de déshabillé est devenu une déclaration non conformiste à la fois pour l'aristocratie de la mode avant-gardiste et le monde des artistes.
Des femmes importantes telles que Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, la marquise Luisa Casati, Isadora Duncan, et même des hommes comme Salvador Dali et Garcia Lorca, n'avaient aucun scrupule à avouer leur amour pour le style confortable des pyjamas en soie.
Le chewing-gum Wrigley’s Spearmint, un symbole de la culture pop
Chewing-gum Spearmint de Wrigley’s; William Wrigley Jr.; Chicago, USA; 1893
Le chewing-gum est une partie fascinante de la culture pop, étant donné qu'il est fait d'un matériau à base de caoutchouc synthétique, que des additifs doivent être ajoutés pour le goût et le parfum, et qu'il est totalement dépourvu de valeur nutritionnelle. Mais il fait désormais partie des habitudes de beaucoup comme anti-stress et rafraîchisseur d'haleine.
Mâcher la bouche ouverte était pendant un temps considéré comme une manière cool et rebelle de faire les choses et est devenu un symbole de la culture jeunesse.
La publicité produit a certainement joué un rôle dans la promotion du chewing-gum. Et la publicité de Wrigley a toujours été un succès, comme son publicité des années 1990.
Dans la publicité, un homme et une femme dans un bus Greyhound échangent quelques regards en réfléchissant à comment partager un dernier bâtonnet de chewing-gum. En arrière-plan, la chanson All Right Now de Free joue, et la publicité se termine par le slogan « super à mâcher, encore mieux à partager ».
Gobelets en plastique Dixie : vaisselle jetable pour améliorer l'hygiène
Hugh Everett Moore; gobelets en plastique Dixie; USA; 1908
Les recherches sur les maladies contagieuses ont contribué aux recherches sur les vaccins au début des années 1900 mais ont aussi aidé à populariser la vaisselle jetable, y compris les gobelets en papier jetables adoptés dans tous les distributeurs d'eau potable et surtout dans les établissements hospitaliers.
L'eau était autrefois distribuée directement à partir d'une louche en étain et bue dans des gobelets communs dans la rue : une pratique très peu hygiénique.
La croisade de Moore contre cette pratique l'a conduit à breveter le premier gobelet en papier composé de deux pièces assemblées avec un fond plat, qui fut ensuite légèrement creusé pour que les gobelets puissent être empilés les uns sur les autres. Le bord fut ensuite légèrement arrondi pour assurer la solidité structurelle et l'ergonomie lors de la consommation.
En 1910, Moore a fondé l'Individual Drinking Cup Company, qui est devenue plus tard Dixie. Des gobelets écologiques et hygiéniques comme ceux-ci n'ont jamais été aussi pertinents qu'aujourd'hui.
La montre "Ora Unica" de Nava Design conçue par Denis Guidone
Denis Guidone; montre Ora Unica; Nava Design; Italie; 2010
Cette montre présente un cadran au design unique, et ses aiguilles bouclées sont presque illisibles, générant une montre étrange et unique.
Cette montre-bracelet devient un bracelet presque décoratif sans fonction pratique apparente, mais est en fait parfaitement lisible et fonctionnelle, rendant le temps amusant et ludique.
Montre Tempo Libero, dernière création de Bruno Munari
Bruno Munari; Swatch; 1997
La montre Tempo Libero est peut-être la dernière création de Bruno Munari. Il avait 90 ans et il a conçu une horloge dont le cadran est divisé en deux niveaux : un inférieur qui indique l'heure et un supérieur où les chiffres du cadran sont libres de se mêler à chaque mouvement du poignet du porteur, libérés de leurs positions standard.
Les chiffres désordonnés suggèrent qu'il n'est peut-être pas important de savoir exactement quelle heure il est, mais plutôt de réaliser que nous sommes libres d'utiliser notre temps comme nous le souhaitons.
Minerva premier tourne-disque portable conçu par Mario Bellini
Mario Bellini; tourne-disque portable Minerva; Irradio; 1965
En 1965, Irradio a demandé à Mario Bellini de créer un tourne-disque portable. Irradiette a ainsi été créé, un objet jamais vu auparavant qui est devenu le symbole d'une génération entière. Il fait partie de la collection permanente du MOMA à New York.
Irradiette a été suivie en 1965 par Fonette et, trois ans plus tard, par la très populaire GA 45 Pop Minerva, ensuite produite par Grunding sous le nom de Phono Boy. Phono Boy avait une forme plus mature que ses prédécesseurs et présentait une forme compacte mais élancée.
Il a été créé comme une icône et est devenu une expression visuelle et fonctionnelle de liberté vis-à-vis des cadres bourgeois. Un moyen d'évasion ainsi qu'un engagement politique l'année où les protestations des jeunes ont atteint leur apogée.
Ceram X Collection par Pierre Charpin : une édition limitée artisanale
Pierre Charpin; Ceram X Collection; Craft édition limitée; Limoges, France; 2003
Les décorations sont complètement détachées de la fonction des objets, bien qu'il existe un lien dans la possibilité de choisir d'exposer le design sensuel ou de le dissimuler en positionnant les vases de différentes manières.
« Je ne fais pas de distinction entre travailler pour une galerie, un collectionneur ou une entreprise », a expliqué Charpin, dont les créations vont des produits industriels aux installations en passant par des œuvres d'art en séries limitées, et qui a été nommé Designer de l'année 2017 par Maison&Objet pour sa « forme poétique » composée de formes et de couleurs audacieuses.
Photo par Morgane Le Gall.
"Sosia pour Campeggi" : l'assise mutante conçue par Emanuele Magini
Emanuele Magini ; Sosia pour Campeggi ; 2011
Ce magnifique design de Magini est presque prophétique. C'est un canapé qui peut se diviser en deux fauteuils, un canapé-lit, ou devenir un espace d'intimité et de refuge.
Cette pièce joue sur les métamorphoses pour s'adapter à la vie contemporaine qui nécessite des objets à la maison que nous pouvons transformer selon nos besoins. L'ensemble du système est en polyuréthane recouvert de Lycra.
Cyrcus, un nouveau concept de studio de design
Alessandro Mendini ; soupière Monsters ; produite par Cyrcus ; 2016, sculpture imprimée en 3D à partir d'une soupière baroque napolitaine numérisée, réinterprétée par le designer.
Fondée par le designer Denis Santachiara, Cyrcus, Cyrcus est à la fois un mouvement et une entreprise et utilise exclusivement des fournisseurs 2.0, rendant la fabrication numérique généralisée une réalité.
Créer, produire, échanger et consommer le design prend ainsi des formes inédites et véritablement durables.
Cyrcus rénove le langage du design en créant ses produits dans des matériaux comme l'or, l'argent, le marbre, l'acier et l'aluminium, et utilise des technologies d'impression 3D telles que la découpe laser et la CNC, créant ainsi des formes qui seraient complexes ou impossibles avec des techniques traditionnelles.
