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LA LIBERTÉ DE CONCEPTION : UN PRÉALABLE À L'INNOVATION - La liste n° 12
Antonella Dedini
L'édition de la Liste de ce mois-ci porte sur le concept de liberté à grande échelle, en abordant la manière dont l'art et le design améliorent nos vies et suggèrent souvent de nouvelles façons d'être libre.
Image de couverture: Maria Prymachenko Artiste ukrainienne
Aujourd'hui plus qu'à toute autre époque de l'histoire, nous comprenons le sens de la liberté de mouvement, l'amour commun de la liberté garantie par la loi, la démocratie et l'indépendance.
La liberté de pensée améliore la culture, la communication et le dialogue entre les religions et les pays, tandis que la liberté de genre a généré une prise de conscience encore plus grande de l'importance de défendre l'unicité et le respect des autres. Parce que la liberté est un droit et un sentiment mondial et une valeur fondamentale de l'être humain.
Cette prise de conscience nous aide à planifier un avenir meilleur. Nos maisons, les objets qui nous entourent, nos vêtements et accessoires ont nécessairement subi des transformations.
" Fontaine d'épuisement " de Pavlo Makov : une représentation de la résistance ukrainienne.
Pavlo Makov ; Fontaine d'épuisement. Acqua Alta ; Pavillon ukrainien, 59. Biennale de Venise, 2022
Les œuvres de Pavlo Makov ont voyagé en voiture de Kharkiv à Venise, et la commissaire Maria Lanko a été désignée pour organiser l'exposition de l'artiste ukrainien à la Biennale de Venise 2022 avec Liza German et Borys Filonenko. Par miracle, l'œuvre de Makov est arrivée intacte et représente la résistance ukrainienne qui n'a jamais cessé de croire.
L'œuvre a été créée en 1995. "Ce n'est pas que l'œuvre a changé - c'est le monde qui s'est approché de ce que cette œuvre représente", a déclaré Makov, 63 ans, au Kyiv Independent. "L'idée de la Russie est d'éliminer l'Ukraine - et d'éliminer la culture ukrainienne. Si elle n'a pas de culture, l'Ukraine n'existe pas", a-t-il poursuivi, paraphrasant une déclaration du Premier ministre britannique Winston Churchill. "Je ne me sens pas artiste ici, je me sens beaucoup plus citoyen de l'Ukraine, et que c'est mon devoir que l'Ukraine soit représentée à la Biennale."
Fontaine d'épuisement. Acqua Alta se compose de 78 entonnoirs en bronze disposés en triangle sur 12 niveaux, l'eau s'écoulant de l'un d'eux au sommet. Les entonnoirs sont accrochés au mur, chacun se divisant en deux et répartissant l'eau entre plusieurs entonnoirs à chaque niveau. Lorsqu'elle atteint le niveau 3, le débit se réduit à un filet d'eau, et au niveau 6, à un simple goutte-à-goutte. Au niveau 12, elle filtre à peine à travers les 12 derniers entonnoirs dans une piscine peu profonde.
En fin de compte, l 'art est inarrêtable.
Cats of Brutalism, le compte artistique Instagram mentionné par le New York Times.
Visitez @catsofbrutalism sur Instagram
Parfois, les idées sont tellement idiotes qu'elles finissent par être brillantes. C'est le cas du profil Instagram @cats_of_brutalism, signalé par le New York Times comme l'un des 5 comptes artistiques à commencer à suivre sur Instagram.
Le profil mélange des images de deux choses qui ne pourraient pas être plus différentes : les chats et les bâtiments brutalistes. Des photos en noir et blanc de constructions brutalistes - de celles de Le Corbusier à celles d'Oscar Niemeyer à Brasilia - sont prises et photoshopées avec des chats surdimensionnés qui dorment, jouent ou ronronnent.
Toutes les photos sont accompagnées de légendes qui expliquent l'architecture photographiée (notamment l'année, le lieu et le nom de l'architecte) et les félins, qu'il s'agisse de chats errants ou de chats d'influence déjà célèbres sur le web. Parce que qui n'aime pas les chats ?
"Le vase et l'artiste" de l'artiste céramiste Ugo Marano.
Ugo Marano ; Le vase et l'artiste ; Cetara, Italie ; 1991.
Ugo Marano était un artiste céramiste, éclectique, et un visionnaire talentueux. En 1991, il a créé le groupe Vasai di Cetara dans le village de pêcheurs où il vivait près de Salerne, dans le sud de l'Italie.
Il utilisait la céramique - qui était pour lui un "art maître" - associée au fer comme symbole pour repenser la valeur des compétences manuelles, comprises comme un dicton éthique et une richesse de connaissances.
Il a travaillé dans le domaine de l'art et du design avec une orientation "humaniste" vers l'homme contemporain.
Gillo Dorfles a écrit sur Marano, présentant son travail dans l'article paru dans la revue Area en 1989. On peut parler de Marano comme d'une " mission ", car en fait " c'est comme s'il était chargé d'être un missionnaire laïc, un prophète futuriste, [...] avec lequel Marano fait son travail pour fabriquer des objets [...] qui libèrent l'individu de la soumission aux schémas imposés par la technocratie dominante ".
"Afghan Hound", l'art performatif de Lilibeth Cuenca Rasmussen.
Lilibeth Cuenca Rasmussen ; Afghan Hound, 54 ; Biennale de Venise, Italie ; 2011.
Afghan Hound était une performance mettant en scène la danse, la musique et le jeu d'acteur en direct et a été présentée lors de l'ouverture de la 54e Biennale de Venise en 2011.
Grâce au pouvoir expressif d'un impressionnant costume de scène ressemblant à un oiseau et d'un bâton servant de partenaire de danse symbolique (l'utilisation de la fourrure est inspirée de la tradition des courses de lévriers afghans), l'artiste Lillibeth Cuenca Rasmussen a incarné quatre personnages différents.
L'œuvre aborde les complexités du genre dans des cultures où les hommes et les femmes sont séparés par les règles de la culture masculine. Elle a également exploré la façon dont la sexualité réprimée peut développer de nouvelles transformations de genre au-delà des traditions de la société et de la culture.
Afghan Hound a mis en avant des voix refoulées tout en tentant de communiquer des histoires au sein de la tradition et de la culture afghanes en remettant en question la pensée occidentale souvent stéréotypée et parfois réductrice sur le monde oriental.
L'activiste et écrivain Malalai Joya a contribué par ses écrits aux paroles de la musique accompagnant le spectacle :
Refrain :
- Alias - Je ne suis pas ce que tu vois
Refrain :
- Mon homme et moi ne sommes jamais seuls
Le Chalet à Méribel Les Allues, conçu par Charlotte Perriand.
CHARLOTTE PERRIAND : UNE FEMME LIBRE
Charlotte Perriand ; chalet à Méribel Les Allues, Savoie, France ; 1960-61
Entre 1960 et 1961, la designer et passionnée de montagne Charlotte Perriand a conçu ses petites maisons, intimes et chalet confortable.
Niché à flanc de montagne, le chalet comporte deux niveaux qui s'ouvrent complètement sur le paysage de la vallée et sont tous deux accessibles de l'extérieur.
Au niveau inférieur, on trouve une petite cuisine, a salle de séjour avec une grande cheminée, et une petite pièce autonome à laquelle on ne peut accéder que de l'extérieur. Surnommée la tanièreLa tanière est une pièce à part entière, équipée d'un lit rabattable, d'un lavabo, d'une douche et de toilettes.
À l'étage, une grande pièce dans le style des bâtiments traditionnels, avec un toit en pente exposé et une grande fenêtre qui donne sur la nature.
"J'ai appliqué un principe de base : une structure en bois sur des murs en pierre, mais pour fermer les vides, au lieu de lattes de bois, un double vitrage encadré par le même bois de pin que la structure. Tous les vides du deuxième étage sont ainsi fermés par des portes coulissantes en bois et en verre transparent. Elles sont cachées, disparaissant entre les murs de pierre à l'extérieur et les panneaux de bois à l'intérieur. [...]
Pas de cloison au deuxième étage, deux lits de style savoyard disposés dans des niches agréables qui laissent beaucoup d'espace libre, pour être ensemble. Et, dans ma niche, quand le soleil passe au-dessus des sommets - bam ! dans mon œil -, je me réveille " (extrait de Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Photo de Fred Lahache.
Le distributeur de pilules, un produit révolutionnaire dans un emballage innovant.
David et Doris Wagner ; pilulier pour Ortho-Novum ; 1963 (brevet 1961)
Lapremière pilule contraceptive orale, appelée Enovid, a été mise sur le marché en 1960. Deux ans plus tard, 1,2 million d'Américaines l'utilisaient déjà.
La plupart des femmes connaissent au moins une version de son emballage : un disque rond en plastique qui s'ouvre comme une coquille et ressemble à une trousse de maquillage. Mais la pilule n'a pas toujours été conditionnée de cette façon. La première pilule contraceptive sur le marché était présentée dans un simple flacon en verre contenant des comprimés en vrac, comme n'importe quelle autre pilule sur ordonnance.
En 1961, David et Doris Wagner étaient un couple d'âge moyen avec quatre enfants. Ne voulant pas en avoir d'autres, ils étaient ravis d'apprendre l'existence de la pilule. Doris a reçu l'ordonnance et les pilules sont arrivées dans une grande bouteille en verre. Les instructions indiquent de commencer la pilule le cinquième jour de son cycle. Mais que faire si elle oublie de prendre une pilule ?
Avec son mari, elle invente une méthode plus efficace pour ne pas oublier de prendre ses pilules : elle crée un simple calendrier sur une feuille de papier et place chaque pilule le bon jour.
Le prototype original des Wagner se composait de deux disques en plastique transparent et d'un bouton-pression qu'ils ont pris sur l'un des jouets de leur fils. Le disque inférieur contenait vingt pilules, tandis que le disque supérieur comportait un trou que l'on pouvait faire tourner chaque jour pour faire apparaître la bonne pilule ainsi que le jour de la semaine correspondant.
Ils ont fait breveter l'emballage, et la première société pharmaceutique à l'adopter a été Ortho-Novum. Le nouveau design du distributeur qu'ils ont créé pour Enovid en 1973 est devenu l'emballage que nous connaissons aujourd'hui.
"Table aux pieds d'oiseau" : une réédition dans la collection Cassina Simon.
Meret Oppenheim ; Table avec des pieds d'oiseau; 1939 ; photo ; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Maintenant une réédition dans la collection Simonde Cassina
Meret Oppenheim était l'artiste et poète suisse-allemande considérée comme une muse du mouvement surréaliste fondé au début des années 1920 par André Breton. Elle arrive à Paris au début de la vingtaine et fait la connaissance des principaux représentants du mouvement et d'autres membres, dont Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp et Marcel Duchamp.
Vers 1930, Salvador Dalí - qui avait rejoint le mouvement, alors d'envergure internationale - propose un nouveau genre artistique, celui des "objets à fonctionnement symbolique".
La caractéristique qui lie toutes les œuvres de ce genre est qu'elles semblent provenir de rêves et de fantasmes. Souvent, les objets du quotidien deviennent si différents qu'ils s'affranchissent de leur fonction initiale et remettent en question les interprétations établies. Meret, fascinée par cette approche, a commencé à se concentrer sur les objets quotidiens, réinterprétés en fonction d'un glissement de sens qui suscite des analogies mystifiantes et uniques pour le spectateur.
Le bikini : la révolution des maillots de bain.
Le bikini, 1946
L'inventeur du bikini, Louis Réard, choisit Micheline Bernardini, danseuse au Casino de Paris, comme modèle pour le lancement de son maillot de bain révolutionnaire et le fait défiler à l'hôtel Molitor à Paris. Si le bikini n'est d'abord pas complètement accepté par les femmes, il connaît un énorme succès auprès des hommes.
Cette année-là, les États-Unis effectuent des essais de bombes atomiques sur l'atoll de Bikini, l'une des 36 îles Marshall dans l'océan Pacifique. Nommé d'après la bombe atomique qui avait explosé sur l'île quelques jours auparavant, le bikini a également explosé sur la scène.
Tout le monde savait ce qui se passait sur l'atoll, alors pourquoi ne pas nommer le nouveau maillot de bain "bikini" ? Pour son premier bikini, Réard choisit un tissu dont le motif est celui de la première page d'un journal.
Réard entre ainsi dans l'histoire, et ouvre son magasin à Paris qui y restera pendant 40 ans.
"Un bikini aussi petit que l'Atome".
Bien qu'une mosaïque du IVe siècle de notre ère provenant de la Villa Romana del Casale montre des femmes romaines portant ce qui semble être des bikinis, il faut attendre des siècles pour voir des maillots de bain deux pièces qui laissent entrevoir le nombril. Les vêtements de plage pour femmes sont restés très modestes jusqu'à récemment.
En 1932, le couturier parisien Jacques Heim a créé un maillot de bain beaucoup plus petit que les modèles existants, ce qui a fait sensation à l'époque. En raison de sa petite taille, il est rebaptisé Atome, ou "atome", du nom du plus petit élément connu à ce jour, et il est annoncé comme "le plus petit maillot de bain du monde".
Paul Poiret et la mode de la Belle Epoque.
Paul Poiret ; pyjama de jour et de nuit en jacquard de soie ; 1918
Paul Poiret (1879-1944) était un couturier français légendaire. Sa contribution à la mode du XXe siècle a été comparée à celle de Picasso à l'art du XXe siècle.
Poiret a dominé la mode de la Belle Époque et a remodelé la silhouette des femmes en les libérant des corsets contraignants et en popularisant les tailles hautes. Après l'abolition du corset, il est allé plus loin avec les jupes drapées, les pantalons de harem et les tuniques à abat-jour. Sa technique du "drapage" au lieu du "tailleur" commun lui a apporté un grand succès.
Entre 1916 et 1918, il a lancé une version du pyjama qui pouvait être portée de jour comme de nuit, encourageant la mode du "style pyjama" comme une alternative exotique et élégante aux robes de thé.
Coco Chanel et l'émancipation des femmes.
Coco Chanel n'a pas seulement bouleversé le monde de la mode, elle l'a aussi valorisé auprès des femmes pour la première fois. Elle a créé un style révolutionnaire pour un nouveau mode de vie, en rêvant d'une femme avant-gardiste et émancipée, aux manières et au style modernes.
Dans les années 1930, la courageuse Coco Chanel a été l'une des premières femmes à porter des pyjamas en soie (ou en velours) d'homme dans la rue, et l'establishment de la mode n'a jamais changé d'avis depuis. Initialement porté par les femmes lors d'occasions informelles, notamment à la place des maillots de bain, l'affichage excentrique du déshabillé est devenu une déclaration anticonformiste tant pour l'aristocratie de la mode d'avant-garde que pour le monde des artistes.
Des femmes importantes comme Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, la marquise Luisa Casati, Isadora Duncan, et même des hommes comme Salvador Dali et Garcia Lorca, n'avaient aucun scrupule à avouer leur amour pour le style confortable du pyjama en soie.
Le chewing-gum Wrigley's Spearmint, un symbole de la culture pop
Wrigley's Spearmint gum ; William Wrigley Jr. ; Chicago, USA ; 1893
Le chewing-gum est un élément fascinant de la culture pop, compte tenu du fait qu'il est fabriqué à partir d'un matériau synthétique à base de caoutchouc, que des additifs doivent être ajoutés pour le goût et le parfum et qu'il est totalement dépourvu de valeur nutritive. Mais il fait désormais partie des habitudes de beaucoup de gens, comme moyen de réduire le stress et de rafraîchir l'haleine.
Mâcher la bouche ouverte a été considéré pendant un certain temps comme une façon cool et rebelle de faire les choses et est devenu un symbole de la culture des jeunes.
La publicité pour les produits a certainement joué un rôle dans l'engouement pour le chewing-gum. Et la publicité de Wrigley's a toujours été un succès, comme sa publicité des années 1990.
Dans cette publicité, un homme et une femme dans un bus Greyhound échangent quelques regards en réfléchissant à la manière de partager le dernier bâton de chewing-gum. En arrière-plan, on entend la chanson All Right Now de Free, et la publicité se termine par le slogan "génial à mâcher, encore mieux à partager".
Les gobelets en plastique Dixie : une vaisselle jetable pour améliorer l'hygiène
Hugh Everett Moore ; gobelets en plastique Dixie ; USA ; 1908
Les recherches sur les maladies contagieuses ont contribué à la recherche sur les vaccins au début des années 1900, mais elles ont également contribué à populariser la vaisselle jetable, notamment les gobelets en papier jetables qui ont été adoptés dans tous les distributeurs d'eau douce et surtout dans les établissements hospitaliers.
Auparavant, l'eau était distribuée directement à l'aide d'une louche en fer-blanc et était bue dans des tasses communes dans les rues : une pratique très peu hygiénique.
La croisade de Moore contre cette pratique l'a conduit à breveter le premier gobelet en papier, composé de deux pièces jointes par un fond plat, qui a ensuite été légèrement évidé afin que les gobelets puissent être empilés les uns sur les autres. Le bord a ensuite été légèrement arrondi pour assurer la solidité de la structure et l'ergonomie lors de la consommation.
En 1910, Moore a fondé l'Individual Drinking Cup Company, qui est devenue plus tard Dixie. Respect de l'environnement Des gobelets hygiéniques comme ceux-ci n'ont jamais été aussi pertinents qu'aujourd'hui.
La montre "Ora Unica" de Nava Design conçue par Denis Guidone
Denis Guidone ; Montre Ora Unica ; Nava Design ; Italie ; 2010
Cette montre présente un visage au design unique, et ses aiguilles en boucle sont presque illisibles, générant une montre étrange et unique.
Cette montre-bracelet devient un bracelet presque décoratif, apparemment sans fonction pratique, mais qui est en fait parfaitement lisible et fonctionnel, Faire du temps quelque chose d'amusant et de ludique.
Montre Tempo Libero, la dernière création de Bruno Munari
Bruno Munari ; Swatch ; 1997
La montre Tempo Libero est peut-être la dernière création de l'artiste. Bruno MunariLa montre Tempo Libero est sans doute la dernière création de l'artiste. À 90 ans, il conçoit une horloge dont le cadran est divisé en deux niveaux : un niveau inférieur qui marque l'heure et un niveau supérieur où les chiffres du cadran sont libres de se mêler à chaque mouvement du poignet du porteur, libérés de leur position standard.
Les chiffres désordonnés suggèrent qu'il n'est peut-être pas important de savoir exactement l'heure qu'il est, mais plutôt de réaliser que nous sommes libres d'utiliser notre temps comme bon nous semble.
Minerva, premier tourne-disque portable conçu par Mario Bellini
Mario Bellini ; tourne-disque portable Minerva ; Irradio ; 1965
En 1965, Irradio demande Mario Bellini de créer un tourne-disque portable. C'est ainsi que naît l'Irradiette, un objet inédit qui devient le symbole de toute une génération. Elle fait partie de la collection permanente du MOMA à NY.
Irradiette est suivie en 1965 par Fonette et, trois ans plus tard, par le très populaire GA 45 Pop Minerva, produit ensuite par Grunding sous le nom de Phono Boy. Phono Boy avait une forme plus mature que ses prédécesseurs et se caractérisait par une forme compacte mais élancée.
Elle a été créée comme une icône et est devenue l'expression visuelle et fonctionnelle de l'affranchissement des cadres bourgeois. Un moyen d'évasion et d'engagement politique, l'année où les manifestations de jeunes ont atteint leur apogée.
Ceram X Collection de Pierre Charpin : une édition limitée artisanale
Pierre Charpin ; Ceram X Collection ; édition limitée artisanale ; Limoges, France ; 2003
Les décorations sont complètement détachées de la fonction des objets, bien qu'il y ait un lien qui existe dans la possibilité de choisir d'afficher le dessin sensuel ou de le dissimuler en positionnant les vases de différentes manières.
"Je ne fais pas de différence entre travailler pour une galerie, un collectionneur ou une entreprise", a expliqué Charpin, dont les créations vont des produits industriels aux installations en passant par les créations artistiques en série limitée, et qui a été nommé Designer de l'année 2017 par Maison&Objet pour sa "forme poétique" composée de formes et de couleurs audacieuses.
Photo de Morgane Le Gall.
"Sosia pour Campeggi" : les sièges mutants conçus par Emanuele Magini.
Emanuele Magini; Sosia pour Campeggi ; 2011
Ce magnifique design de Magini est presque prophétique. Il s'agit d'un canapé qui peut se diviser en deux fauteuilsun canapé-lit, ou devenir un espace d'intimité et de refuge.
Cette pièce joue sur les métamorphoses pour s'adapter au mode de vie contemporain qui nécessite des objets dans la maison que l'on peut transformer en fonction de nos besoins. L'ensemble est en polyuréthane recouvert de Lycra.
Cyrcus, un nouveau concept du studio de design
Alessandro Mendini ; Soupière Monsters ; produit par Cyrcus ; 2016, sculpture imprimée en 3D à partir d'une soupière baroque napolitaine numérisée, réinterprétée par le designer.
Fondé par le designer Denis Santachiara, Cyrcus est à la fois un mouvement et une entreprise et fait exclusivement appel à des fournisseurs 2.0, faisant de la fabrication numérique généralisée une réalité.
Créer, produire, échanger et consommer du design prend ainsi des formes inédites et véritablement durables.
Cyrcus rénove le langage du design en créant ses produits dans des matériaux comme l'or, l'argent, le marbre, l'acier et l'aluminium, et utilise des technologies d'impression 3D comme la découpe au laser et la commande numérique, créant ainsi des formes qui seraient complexes ou impossibles avec les techniques traditionnelles.
