CASSINA:
DESIGN IN FREIER FORM

Die Liste #19

Von Antonella Dedini

Toshiyuki Kita, Poltrona Wink,
Cassina, 1980, (Cassina-Archiv)

EINFÜHRUNG

“Design ist das Alphabet der italienischen Innovation. „Es ist etwas, das mit traditionellen Kategorien der Ästhetik nicht erfasst werden kann, aber gleichzeitig ist es eine Sprache, die auf fundiertem Fachwissen aufbaut, von höchstem technischen Wert ist und in der Lage ist, auf einzigartige Weise Verbindungen zwischen verschiedenen Künsten herzustellen“, so der Mailänder Bürgermeister Beppe Sala (Einführung in den Katalog des Milano Design Film Festival 2018).

Cassina ist eines der Unternehmen, die mit seiner beispielhaften Kombination aus technologischem Know-how und Handwerkskunst zum Aufstieg des italienischen Designs beigetragen haben. Cassina wurde 1927 von Cesare und Umberto Cassina in Meda als Fabrik für Couchtische gegründet und setzte im Italien der 1950er Jahre einen Industriedesigntrend, der auf einer völlig neuen Denkweise basierte. Das Unternehmen bot nicht nur innovatives, hochwertiges italienisches Design, sondern war auch eines der ersten Unternehmen, das dank seiner Neuauflagen historischer Möbeldesigns, die die Grundlage der Designgeschichte bilden, ein internationales Publikum erreichte.

Mit der Cassina 1 Masters-Sammlung und seinen Neuauflagen ikonischer Möbel und Objekte der Meister des Designs des 20. Jahrhunderts wurde es möglich, eine sorgfältige und genaue Analyse der Archivmaterialien durchzuführen, vor allem dank der Zusammenarbeit mit den Erben und Stiftungen, die im Laufe der Jahre wertvolle Prototypen bewahrten, Skizzen und Originalzeichnungen. Die Kollektion wurde 1973 gegründet, während die ersten Neuauflagen auf das Jahr 1965 zurückgehen (Vereinbarung von 1964): die Neuinterpretation neuer Werte in einem zeitgenössischen Kontext mit traditionellen und aktuellen Techniken, nützliche Schritte in Richtung effizienterer und fortschrittlicherer Produktionssysteme.

Zunächst erwarb man gemeinsam mit Charlotte Perriand und Pierre Jeanneret die Rechte an vier Entwürfen des damals noch lebenden Le Corbusier . Dann erwarb man die Rechte von Gerrit.T. Rietveld, CR Mackintosh, Gunnar Asplund und schließlich FL Wright. Heute wächst die Kollektion weiter mit neuen Editionen, die nie industriell hergestellt wurden, auch dank der Akquisition von Designern, die Designgeschichte geschrieben haben (darunter Franco Albini , Ico Parisi , Giacomo Balla).

Eine offene Sammlung, die hilft, die Quellen zeitgenössischer Möbel zu verstehen.

Neben dieser Kollektion gibt es eine moderne Designproduktion, deren Produkte Cassinas Wunsch zum Ausdruck bringen, sich auf dem Markt durch verschiedene Sprachen und Designansätze zu präsentieren, vereint durch eine konstante Forschungs- und Entwicklungskapazität. Cassinas Vision wird in The Cassina Perspective sichtbar, das die Werte des Unternehmens durch eine eklektische Kollektion zum Ausdruck bringt, in der Produkte mit der innovativsten Essenz und zeitgenössische Ikonen gemeinsam gemütliche Atmosphären schaffen und harmonisch auf der Grundlage eines einzigen, in Exzellenz verwurzelten Designcodes interagieren.

Der Titel dieser Ausgabe von Die Liste ist eine Sammlung, die nur einen Teil von Cassinas ständigem Beitrag zur Welt des Designs darstellt. Cassina: Design in freier Form beschreibt eine Auswahl (die angesichts der Schönheit der Werke im Cassina - Katalog eine persönliche und herausfordernde war) von Möbeln und Designobjekten, die von Kunst und Geschichte inspiriert und von der Funktionalität motiviert, aber frei von Vorurteilen waren. Genau so sollte Design heute sein.

WIR STICKEN HIER KEINE KISSEN

“Das strenge Büro wirkte etwas einschüchternd und seine Begrüßung eher frostig“, schrieb Charlotte Perriand in ihren Memoiren.
„Was willst du?“, fragte er, seine Augen waren von einer Brille verdeckt. „Um mit Ihnen zusammenzuarbeiten.“ Er überflog schnell meine Zeichnungen. „Wir besticken hier keine Kissen“, antwortete er und zeigte mir die Tür.”

Es war 1927 und die sehr junge Perriand besuchte das Atelier des Meisters in der Rue de Sèvres 35 in Paris, um ihm ihr Portfolio zu zeigen. Glücklicherweise überwand das Talent schließlich Vorurteile und Frauenfeindlichkeit, und die Geschichte nahm ihren Lauf und führte zu einer der fruchtbarsten Kooperationen im Design des 20. Jahrhunderts. Es war die Zeit der Möbel mit Stahlrohrrahmen, einer frühen Idee der wirtschaftlichen industriellen Produktion, und Perriand war mit dieser Technik eine echte Innovatorin.

Hocker 9 Tabouret vervollständigt die erste Sammlung, die von erworben wurde Cassina und vonLe Corbusier , Pierre Jeanneret und Charlotte Perriand .

Dies ist ein Hocker mit architektonischer Präsenz, der Charlotte Perriands Liebe zur poetischen Harmonie perfekt widerspiegelt. Die erste Version dieses Hockers war für das Esszimmer der Architektin in ihrer Pariser Wohnung bestimmt, er war aus Stahlrohr gefertigt und hatte eine Sitzfläche aus Rattan. 1929 wurde das Design im Rahmen der Ausstellung Équipement intérieur d'une Habitation im Salon d'Automne in Paris gezeigt, wo er mit einer Sitzfläche aus Schwamm in der salle de bain verwendet wurde, da er in einen Raum passte, in dem Körperpflege von größter Bedeutung ist.

Das aktuelle Design verfügt über ein verchromtes Stahlgestell mit einer großen Auswahl an Sitzmaterialien, von Schwamm über Leder bis hin zu klassischem Rattan.

Charlotte Perriand, 9 Hocker, Teil der Le Corbusier®-Kollektion,
Pierre Jeanneret®, Charlotte Perriand® – Sammlung Cassina I Maestri, Frankreich, 1927

Dieses Sitzelement gehört zu den Möbelstücken, die ständig eine neue Bedeutung erhalten und stets bereit sind, sich an die sich ändernden Zeiten und Umgebungen anzupassen, für die sie geschaffen wurden.

Zeitgenössisches Ambiente für 9 Tabouret, Foto von De Pasquale + Maffini

IN FREIER FORM, EINE SAMMLUNG VON CHARLOTTE PERRIAND

Charlotte Perriand begann mit der Gestaltung des En forme libre Sie gründete 1928 eine Tischkollektion für ihr Atelier in Montparnasse und produzierte sie Ende der 1950er Jahre mit der Galerie Steph Simon.

Die eckenlosen, runden und asymmetrischen Formen passen sich auch kleineren Räumen an und bieten Platz für bis zu acht Personen. Die Struktur besteht aus drei Beinen: einem größeren und zwei kleineren, zylindrisch geformten, die im 45-Grad-Winkel zur Tischplatte angeordnet sind. Sie zeichnet sich durch eine freigeistige Ästhetik aus, die weit vom Klassizismus entfernt ist. Im Jahr 2011 hat Cassina das Design neu aufgelegt, indem die Größe der Beine reduziert wurde, um eine neue Tischgröße anzubieten, die Geselligkeit fördert. Der Massivholztisch ist auch in glänzender oder matt lackierter Ausführung erhältlich (aus dem Cassina Dining-Produktkatalog 2020).

Ursprachen

Gerrit Thomas Rietveld , Tischler und Kunsthandwerker, war eine führende Persönlichkeit der niederländischen De-Stijl-Bewegung, die 1917 in Leiden begann.

Hier kam eine Gruppe von Künstlern zusammen, darunter Theo Van Doesburg und der Maler Piet Mondrian, deren Ziel „eine radikale Erneuerung der Kunst“ war. Kunst als Malerei, Skulptur, Architektur und Möbeldesign wurden zu Manifesten einer Raumidee, die aus dem dynamischen Zerfall reiner Formen und Farben wie Rot, Blau und Gelb entstand.

Rietveld bediente sich einer ursprünglichen Sprache und erfand Stühle und Möbel, als hätte sie noch niemand vor ihm gebaut, und folgte dabei seinem eigenen Strukturcode. Er entwarf Möbel mit einem neuen Konstruktionskonzept: Sowohl in der Struktur als auch in der Farbe sollten sie als Manifest eines neuen Stils verstanden werden, der sicherlich von fernöstlichen Formen beeinflusst war, die bereits nach Europa verpflanzt worden waren, und von den dynamischen Maltechniken des Kubismus.

Piet Mondrian, Komposition Nr. II,
Niederlande, 1930

1972 erwarb Cassina nach langwierigen Verhandlungen mit den Erben des Maestros die exklusiven Reproduktionsrechte an allen Möbeln des Maestros. Der Architekt Daniele Baroni beriet bei der Reproduktion der Entwürfe, während GA van de Groenekan, Rietvelds engster Partner, dafür verantwortlich war, ein Gleichgewicht zwischen den ursprünglichen Konstruktionstechniken und dem technologischen Know-how von Cassina zu finden.

MERET OPPENHEIM UND DER SURREALISMUS

Foto von De Pasquale + Maffini

Die schweizerisch-deutsche Künstlerin und Dichterin Meret Oppenheim gilt als Muse der surrealistischen Bewegung, die Anfang der 1920er Jahre von André Breton gegründet wurde.

Mit 20 Jahren kam sie nach Paris und lernte die wichtigsten Vertreter der Bewegung und andere Personen kennen, die sich für sie interessierten: Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp und Marcel Duchamp.

Um 1930 schlug Salvador Dalí – ein Künstler, der sich voll und ganz der damaligen internationalen Bewegung anschloss – eine neue künstlerische Gattung vor: die Schaffung von „symbolisch funktionierenden Objekten“. Allen Werken ist gemeinsam, dass sie aus Träumen und Fantasien zu stammen scheinen. Oft werden Alltagsgegenstände so fremd, dass sie sich ihrer ursprünglichen Funktion entziehen und etablierte Interpretationen in Frage stellen. Fasziniert von diesem Ansatz begann Meret , ihren Fokus auf Alltagsgegenstände zu verlagern, die entsprechend einer Bedeutungsänderung neu interpretiert wurden, was beim Betrachter verstörende, aber auch lustvolle neue Analogien hervorruft.

MODERNITÄT UND FUNKTIONALITÄT

Ico Parisi war einer der vielseitigsten und vielseitigsten Künstler der zweiten Hälfte des italienischen Designs des 20. Jahrhunderts und war Architekt, Designer, Grafikdesigner, Fotograf, Filmregisseur, Bühnenbildner, Maler und Stadtplaner. Er experimentierte mit ausdrucksstarken Formen und Sprachen sowohl in der Architektur als auch im Design und verstand die engen Zusammenhänge zwischen ihnen. Zunächst experimentierte Parisi mit einmaligen Möbelstücken und ging dann zur anspruchsvollen industriellen Produktion mit Unternehmen wie Cassina über. 1943 eröffnete er mit seiner Frau Luisa Aiani, seiner Lebensgefährtin und unerschöpflichen Quelle kreativer Energie, eines der ersten Innenarchitekturstudios. Das Studio hieß La Ruota und war ein Ort für Design, aber auch für Kunstkuratorium, Ausstellungen und kulturelle Treffen. Dank ihrer Fähigkeit, verschiedene Stilepochen zu vermischen, schlugen die Parisis eine neue Idee des Wohnens vor. Möbel standen im Dialog mit Antiquitäten und Einrichtungsgegenständen, Kunst vermischte sich mit lokalem und ethnischem Kunsthandwerk und antike Seide und Spitze vermischten sich mit modernen Stoffen und Teppichen. Ein Innenarchitekturkonzept, das heute sehr aktuell ist.

Für diejenigen, die mehr über seine Arbeit erfahren möchten, hat das Ico Parisi Design Archive alle seine Projekte zusammen mit Skizzen, Schriften und Fotografien aufbewahrt.

PRAKTISCH UND WESENTLICH

Kleiderbügel wurde zuerst für Cabanon entworfen, das kleine Ferienhaus , das Le Corbusier 1951 für seine Frau Yvonne an der französischen Riviera entwarf.

Dieser Ort, den ich für einen der schönsten Entwürfe von Le Corbusier halte, wurde mit Blick auf radikales Experimentieren geschaffen, bei dem alles auf das Wesentliche reduziert ist, in einer harmonischen Kombination aus Proportionen, Farben, Details und Materialien, die zu einem Manifest des zeitgenössischen Lebens wird. Der Architekt ließ sich von der Kabine eines Schiffes inspirieren, wo Zweckmäßigkeit und Wesentlichkeit im Design absolute Notwendigkeiten sind. Zu den Möbeln und funktionalen Objekten, die wir finden, gehören Portemanteau Natürlich platziert am Eingang und bestehend aus einfachen Holzpflöcken, deren Farben zu denen der minimalen Räume passen.

Cassinas Neuauflage ist inspiriert vom Modell von 1957, das Le Corbusier für Unités de Camping entworfen hat, minimalistische Campingeinheiten, die vom Cabanon inspiriert sind und an ihn angrenzen. Die Struktur der Garderobe besteht aus pilzförmigen Elementen aus massiver Eiche, die auf unterschiedlichen Höhen angeordnet sind und auf der Modulor-Proportionsskala basieren: mit Proportionen, die den Goldenen Schnitt mit den Maßen und Bewegungen eines 1,83 Meter großen Mannes kombinieren.

Le Corbusier, Le Cabanon, Roquebrune-Cap-Martin,
Frankreich 1951, Portmanteau-Detail

STABILITÄT DER LEICHTIGKEIT

Der Beistelltisch Cicognino ist das Ergebnis eines der „Haustiere“, die Albini mit seinen Entwürfen immer heraufbeschwor. Eines der drei schlanken Beine lässt sich zu einem „Griff/Schnabel“ ausziehen, sodass der Tisch leicht getragen werden kann. Er ist perfekt ausbalanciert und sehr stabil, obwohl seine Teile auf ein absolutes Minimum reduziert sind. Albini gelang es immer, die Substanz der Form in einem intensiven Streben nach Leichtigkeit zu erfassen.

Seine Enkelin Paola Albini erzählt:

“Er liebte die Berge und bewegte sich sowohl im Leben als auch bei der Arbeit im Bergsteigertempo. Er liebte das langsame Tempo des Kletterns, das angestrebte Gleichgewicht, die Methode, einen Schritt nach dem anderen, ohne Eile; die Spannung eines Seils und des schwebenden Raumes, die Suche nach Leichtigkeit, die Dimension von Leere, Luft und Licht. Hier stellt er sich ein wunderbares räumliches Raster vor, das zum Rahmen seiner Architektur, Installationen und Möbel wird und in dem das Gleichgewicht über die Überschwänglichkeit der Formen siegt. Ein gekonntes Spiel mit gespannten Kabeln und Widerständen auf der Suche nach der Stabilität der Dinge und des Lebens”.

(Text von Paola Albini The Stability of Lightness für IG-Profil @deden_designlist)

Foto von Valentina Sommariva

PRUNIER RESTAURANT

Prunier ist aufgrund der Qualität seiner speziellen Auswahl an Schalentieren und Kaviar und der Menschen, die an seinen Tischen gesessen haben, eines der berühmtesten französischen Restaurants der Welt. Seit dem Gründungsjahr sind viele Veranstaltungsorte gefolgt und gewachsen. Das auf Meeresfrüchteküche spezialisierte Restaurant ist immer noch eines der renommiertesten Restaurants in Paris.

Das erste Maison Prunier wurde 1872 von Alfred Prunier gegründet und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem klaren Beispiel dafür, wie ein großartiges modernes Restaurant wachsen kann. 1925, nach dem Tod des Gründers, führte seine junge Enkelin Simone Prunier – vielen nur als Madame Prunier bekannt – das Geschäft weiter und eröffnete 1934 das Prunier St James's Restaurant in London.

CAB, DER IKONISCHE STUHL VON MARIO BELLINI

Eine Ikone. Dies ist eines der wichtigsten Projekte des großen Designers Mario Bellini . Seine Worte beschreiben dieses Projekt, das Teil der Designgeschichte geworden ist, perfekt: 

“Vielleicht Das älteste strukturell komplexe Möbelstück ist der Stuhl. Dies mag auch der Grund sein, warum es das einzige Objekt ist, dessen wesentliches Bild – vier Beine, Sitzfläche und Rückenlehne – am tiefsten im kollektiven Gedächtnis verankert ist.

Mit Taxi Ich habe versucht, einen Stuhl so zu entwerfen, wie er schon immer war, wobei ich den Stuhl im Einklang mit dem bisher beschriebenen Ansatz auch als Prothese und Verlängerung des Körpers betrachtete. Das Ergebnis ist ein tragendes Skelett, über das die Haut gespannt ist, um den menschlichen Körper elastisch aufzunehmen.“ 

Mario Bellini

Taxi war der erste Stuhl mit einem selbsttragenden Lederrahmen, der von der Beziehung zwischen Strukturskelett und Haut inspiriert war. Seine Polsterung besteht aus 16 Lederabschnitten, die 14 manuelle Prozesse durchlaufen. Anschließend wird die Polsterung über einen Stahlrahmen gestülpt und wie bei einem Maßanzug mit einem Reißverschluss verschlossen.

Foto von De Pasquale + Maffini

WINK, DER SESSEL MIT OHREN

Toshiyuki Kita, Wink Sessel, Cassina, 1980

Toshiyuki Kita ist ein japanischer Designer, der für seine Zusammenarbeit mit italienischen Unternehmen und für seine ikonischen Stücke bekannt ist, die zu Klassikern der Designgeschichte geworden sind. Eins, das sich von den anderen abhebt, ist der „Sessel mit Ohren“ oder die Wink-Chaiselongue im Katalog von Cassina .

Es stellt eine neue Ungezwungenheit im Möbeldesign dar, kombiniert mit verbesserter Technik- und Materialforschung. Es ist der Sessel, der das Jahrzehnt der 1980er Jahre einleitete, das von einem spielerischen Umgang mit Möbeln geprägt war. Ein bisschen „disneyesk“, könnte man sagen, denn es erinnert an die berühmte Maus mit den großen Ohren. Er ist außerordentlich vielseitig, da die Rückenlehne in verschiedene Positionen gebracht werden kann. Der Sitz lässt sich nach vorne schieben und verwandelt sich so in eine bequeme Chaiselongue. Die Kopfstützen können unabhängig voneinander verstellt und nach vorne und hinten geneigt werden. Mit jedem seiner Teile können unendlich viele Farbkompositionen erstellt werden, was eine vollständige Individualisierung in einem Spiel der impliziten Komplizenschaft zwischen Designer und Benutzer ermöglicht.

Foto von Valentina Sommariva

GAETANO PESCE, KUNST UND NUTZEN

[...] „Ich agiere auf einem hybriden Terrain zwischen Kunst und Nützlichkeit. [...] Eines Winters vor Jahren war ich in Venedig und Peggy Guggenheim lud mich zum Abendessen zu sich nach Hause ein. Das Museum hatte geschlossen, die Räume hatten ihren inoffiziellen Moment wiederentdeckt.

Ein Butler öffnet mir die Tür. Ich hatte meinen Mantel, er nimmt ihn und hängt ihn an eine schlanke Giacometti-Skulptur.

Während der Museumsöffnungszeiten hatte dieses „Ding“ eine Identität von seine eigene, es war zu bewundern; Am Abend war es wieder die Garderobe von Frau G. Es gibt daher unterschiedliche Momente und Bedürfnisse, je nachdem, wie wir mit den Dingen um uns herum auf unterschiedliche Weise kommunizieren. Das bedeutet, das kommunikative Potenzial des Objekts zu erweitern [...] es bedeutet auch, über den Nutzen von Kunst zu sprechen. 

[...] Früher habe ich gesagt, dass die industrielle Serienproduktion eine unbestreitbare Errungenschaft ist... heute genügen mir diese Werte nicht mehr, heute möchte ich mehr Reichtum in der industriellen Produktion haben, die Spontaneität eines Einzelstücks wiederentdecken. Das ist die wahre Bedeutung der vielfältigen Serienproduktion: bestimmte Materialien in die Lage zu versetzen, sich innerhalb eines weniger starren, weniger repressiven und diktatorischen Rahmens zu definieren als dem, aufgrund dessen selbst der kleinste Defekt zu ihrer Eliminierung führte. [...]
(aus Gaetano Pesce o dell'opposizione, Interview von Marco Romanelli in Domus Nr. 712, 1990).

Der Sessel besteht aus sehr dickem Wollfilz, der mit unterschiedlichen Mengen von Polyesterharz getränkt ist, um eine differenzierte Elastizität zu erzielen. Er hat eine rustikale, handwerkliche Ästhetik, die sich bewusst den Erwartungen der Massenproduktion widersetzt. Es ist ein Stück, das von seiner eigenen Persönlichkeit lebt und bei dem sich jedes „unvollkommene“ Stück vom anderen unterscheidet.
Pesce stellt die notwendige Beziehung zwischen Handwerk und Industrie wieder her, indem er eine gemeinsame Basis zwischen Kunst und Design schafft.

Foto von De Pasquale + Maffini

JAIME HAYON, POETISCHE REAKTION

„Ich wollte nützliche Objekte für das moderne Zuhause schaffen, wie Tabletts und Beistelltische, aber mit skulpturalen Elementen, die Formen, Licht und Schatten spielen.

Es war eine sehr strenge, fast religiöse Herausforderung, nur ein Material und eine Oberfläche zu verwenden und damit meine Designphilosophie umzusetzen. Ich glaube, diese Einschränkung war eigentlich eine Gelegenheit, die Schönheit des Holzes zusammen mit der fachmännischen Meisterhaftigkeit der Tischlerei von Cassina zur Geltung zu bringen.“ Jaime Hayon.

Diese Kollektion ist von den organischen Formen der Architektur von Le Corbusier und der Esprit Nouveau-Kunst der 1920er Jahre inspiriert.

Aus dem Cassina- Katalog: „Die Kollektion Réaction Poétique besteht aus einer Reihe von plastischen Formen und Skulpturen, die an die frühen Werke von Le Corbusier erinnern, Darstellungen natürlicher Elemente, die in unserem Unterbewusstsein widerhallen. Diese Kollektion enthält nützliche Objekte für das moderne Zuhause wie Tabletts und Beistelltische Hergestellt aus einem einzigen Material in einer einzigen Oberfläche, um die wahre Schönheit des Holzes und die Fähigkeit von Cassina , es zu bearbeiten, hervorzuheben”.

Skizze von Jaime Hayon

PHILOSOPHIE DER GEMEINSAMKEIT

Licht ohne Leuchte, Wind ohne Ventilator, Rauch aus Marmor, ein tropfender Stuhl, ein Spiegel, in dem man sich nicht sehen kann, der sich aber wie eine Tür ins Unendliche öffnet und neue visuelle und wahrnehmungsbezogene Perspektiven bietet.

Alle Arbeiten von Ron Gilad zwingen den Betrachter, Zweifel als höchsten Wert anzunehmen und Dinge in Frage zu stellen, die normalerweise nur Annahmen sind. Seine Objekte erscheinen vertraut und funktionell, alltäglich, aber Gilads Arbeitsmethode entzieht ihnen ihre ursprüngliche Funktion und versetzt sie in neue Welten.

Dieser Spiegel ist Teil einer Kollektion von 16 Objekten, die der israelische Designer für Cassina entworfen hat. Er wusste, dass die Objekte durch die Verbindung konstruktiver Ingenieurskunst und hochwertiger Möbelbaukunst in einem ästhetischen Zusammenspiel irgendwo zwischen Kunst und Design, zwischen Abstraktion und Funktionalität geschaffen werden könnten.

PATRICIA URQUIOLA: PROPORTIONSGEFÜHL

Der Einfluss der japanischen Kultur ist deutlich. Dieser Schrank nimmt die Formen des Haori an, einer Jacke, die traditionell über dem Kimono getragen wird. Es wurde bereits im 16. Jahrhundert in Japan eingeführt und von den Samurai getragen, um sich vor der Kälte zu schützen. Er weist eine „T“-Form wie der Kimono auf, ist jedoch kürzer.

Der Bezug zu diesem traditionellen Kleidungsstück ist in den Proportionen dieses Möbelstücks deutlich erkennbar, das mit den gleichen Volumen wie das Haori spielt. Seine schrägen Beine kontrastieren mit den horizontalen Linien des Schranks. Seine minimalistische, aber solide Form wird durch ausgedünnte Kanten betont, die ihm Leichtigkeit verleihen. Es ist aber auch eine Hommage an Kazuhide Takahama, den Architekten, der die alte Tradition der Lackierung industrialisierte, indem er zum ersten Mal in Massenproduktion eine Oberfläche herstellte, die dem alten chinesischen Lack sehr ähnlich war, mit dem Vorteil einer Haltbarkeit, die Jahrhunderte überdauerte. Heute sind seine Möbel auch Teil der Cassina -Kollektion.

Die Designphilosophie von Patricia Urquiola ist wohlbekannt und dank ihrer Geschichte und Ausbildung erbte sie einen Designansatz durch Analogie, bei dem ein Objekt als Objekt bezeichnet wird, da ein Objekt aus der Interpretation eines anderen entsteht.

Traditionelles Japanisch Haori Jacke
(von www.bottegagiapponese.it)

Hommage an die Glasherstellung in Murano

Die von Patricia Urquiola entworfene Vasenkollektion Sestiere ist eine Bewahrung und Interpretation der jahrhundertealten venezianischen Glasmachertradition.

Die Vasen sind eine klare Hommage an die Glasmachermeister und ihr bekanntes langjähriges Wissen, das sogar in den Glasherstellungstechniken der römischen und byzantinischen Zeit verwurzelt ist.

Die Vasen sind farbige Blasen aus mundgeblasenem Glas, die von einem Netz aus Schnüren „umhüllt“ sind. Jede Morris – wie im Murano-Jargon jede Anwendung von Kordeln, Griffen oder Rändern genannt wird, die der Verarbeitung des Objekts hinzugefügt werden – wird von Hand aufgetragen, wodurch ein bewusster Effekt attraktiver Unvollkommenheit auf dem Objekt entsteht und ein sprachlicher Querverweis entsteht, der von einem anderen Aspekt des Venezianischen inspiriert ist Ästhetik der Glasherstellung: die Technik von das Kleid, ein traditionelles Streifenmuster, das wir auf den feinsten Glasarbeiten finden. Dank dieser Merkmale und der Techniken, mit denen jede Vase hergestellt wird, handelt es sich um einzigartige Stücke außergewöhnlicher Handwerkskunst.

Fotografien von Paola Pansini

Den vorherigen Artikel von The List können Sie hier lesen.