DESIGN FÜR DIE LIEBE

Die Liste #07

von Antonella Dedini

 

Alles über die Liebe

Tracey Emin, You Saved Me, Liebesausstellung, ​​Chiostro del Bramante, Rom, 2018

Am 14. Februar 1400 wurde in Frankreich das Hohe Gericht der Liebe gegründet, das von den Prinzipien der höfischen Liebe inspiriert war und sich als erstes Gericht offiziell für die Verteidigung von Frauen einsetzte. Es befasste sich mit Ehestreitigkeiten, Verrat und der Gewalt, die häufig an Frauen, seien es Mütter, Ehefrauen oder Töchter, verübt wurde. Es war auch für Streitigkeiten zwischen Liebenden und zwischen getrennten Paaren zuständig und war damit seiner Zeit weit voraus. Leider wird seitdem kaum noch davon Gebrauch gemacht und die Gewalt gegen Frauen geht auch in der heutigen Gesellschaft weiter.

Betrachten wir den Valentinstag dieses Jahr also nicht nur als einen Tag zur Feier des christlichen Märtyrers Valentin von Terni – Schutzpatron der Liebenden, der zu einer Zeit, als dies noch nicht erlaubt war, heimlich die Trauung von Christen durchführte –, sondern auch als ein Fest der Liebe. Als Feier der Leidenschaft und des Respekts für den Partner und den Partner, mit dem wir beschlossen haben, unser Leben für den Moment oder für immer zu teilen.

Und passend zu diesem Thema dreht sich in „The List“ dieses Monats alles um Objekte, Kunstwerke und Design rund um die Liebe.

LIEBE

Robert Indiana, Liebe, USA, 1964

Dies ist vielleicht eines der bekanntesten Kunstwerke weltweit, da es nicht nur ein Protagonist der amerikanischen Pop-Art ist, sondern auch wegen der unmittelbaren Botschaft, die es vermittelt.

Robert Indiana nutzte mit seinen farbenfrohen und prägnanten Grafiken die Werbung und ihre Sprachen in großem Umfang. Er verwendete Schriftarten, die vertraut und beruhigend sind, um visuelle Konzepte und klare Botschaften zu schaffen. Sein Werk besteht aus Phrasen und „skulpturalen Gedichten“, wie er sie nannte, und respektiert das geschriebene Wort als Medium für soziale Botschaften, die über die Zeit hinweg bewahrt werden müssen.

In seinen Werken verwendete Indiana so weit wie möglich Bilder, die mit der zeitgenössischen bildenden Kunst in Verbindung standen, um den Inhalt seiner Werke aufzunehmen und die Botschaft in ein Kunstwerk zu verwandeln und umgekehrt.

Love ist eines der berühmtesten Stücke Indianas und wurde 1964 vom MoMA für eine Weihnachtskarte in Auftrag gegeben.

DIE SURREALISTISCHE BROSCHE

Salvador Dalì, Tristan und Isolde, geschaffen in der Werkstatt von Carlos Alemany, USA, um 1944

Diese surrealistische Brosche wurde von einem der kühnsten und vielseitigsten Köpfe der Kunstgeschichte geschaffen. Salvador Dalì ließ sich von der Legende von Tristan und Isolde inspirieren und schuf ein atemberaubendes Schmuckstück mit einer Botschaft über die Liebe. Die Brosche zeigt die Profile zweier Liebender, die einen Kelch bilden, der wiederum eine mögliche Fülle an Liebe zwischen einem Mann und einer Frau darstellt.

 

 

Dalì schuf 1944 die Bühnenbilder für das Ballett „Der verrückte Tristan“ zur Musik von Richard Wagner und war besonders beeindruckt von der intensiven Leidenschaft der Geschichte und der Musik. In diesen Jahren begann er, vor allem dank seiner Liebe zu seiner Muse Gala, Schmuck zu entwerfen, darunter auch diese prächtige Brosche. Seine Serie von Zeichnungen und Schmuckstücken aus Gold und Edelsteinen entstand zwischen den 1940er und 1970er Jahren zusammen mit dem Goldschmied Carlos Alemany und bietet uns die Möglichkeit, in seine besondere Fantasie einzutauchen, in der Liebe ein kontroverses Gefühl war.

 

 

Liebe um jeden Preis, denn Liebe ist keine Liebe, wenn sie nicht sowohl Verlangen als auch Leiden ist. Wie Thomas Mann zu sagen pflegte: Wahre Liebe ist ein Reich der Gefühle im Gegensatz zur Vernunft.

Dalì sagte über seinen Schmuck: „Mein Ziel ist es, die Schmuckkunst in ihrer wahren Bedeutung zu zeigen. Design und Handwerkskunst sollten mehr kosten als Edelsteine ​​und Metalle.“

 

 

ODE ALLA DONNA

  

Fabio Viale, Die tätowierte Venus, Turin, Italien, 2016

 

 

 

Diese Skulptur ist eine Ode an die Frauen und an die Venus von Milo, ein Sinnbild für Schönheit und Sinnlichkeit. Diese Skulptur, die mit Fragmenten des Triumphs des Todes tätowiert ist, um den Schrecken der Realität im Gegensatz zum Schönheitsideal zu symbolisieren, ist eine zeitgenössische Interpretation eines Mythos, der in Erinnerung gerufen und modernisiert werden sollte.

 

Viale nimmt Anleihen beim Klassizismus, ohne ihn nachzuahmen, sondern kreiert neue Experimente, um das Außergewöhnliche zu erzählen und über das Gewöhnliche hinauszugehen. Für Viale sind die Tätowierungen, die den Rücken der Venus schmücken, eine Möglichkeit, die verführerischen Formen des Körpers der Statue hervorzuheben und eine überraschende Verbindung zwischen klassischer und bescheidener Schönheit und unerwarteter und provokanter Schönheit herzustellen.

 

 

  

 

DALÌ UND MAE WEST

Salvador Dali, Mae West, Spanien 1935

Salvador Dalí wollte, dass Kunst Teil aller Aspekte des Lebens ist. Dank seines Freundes, dem Innenarchitekten Jean Michel Frank, interessierte er sich für Möbel. Zwischen 1934 und 1935 arbeitete er an einem Porträt in Gouache auf einem Foto der Schauspielerin Mae West, als ihn irgendwann eine Vision dazu brachte, sich den surrealistischen Raum einer Fläche auf ihrem Gesicht vorzustellen. Er verwandelte ihre blonden Locken in eine Tür, ihre Augen in Gemälde, ihre Nase in einen Kamin und ihre Lippen in ein Sofa.

Es war ein so provokatives und sinnliches Stück, dass der britische Mäzen Edward James eine dreidimensionale Version in Originalgröße verlangte. Frank gab außerdem fünf weitere Exemplare für seine wohlhabenden Kunden in Auftrag und eines sogar in „Shocking Pink“ für den Lippenstift der Modedesignerin Elsa Schiaparelli.

Und wir dürfen nicht vergessen, dass das Sofa 1970 zu einer Pop-Ikone wurde, als es von der radikalen Gruppe Studio65 für Gufram neu gestaltet wurde.

Embryonen

Alexa Lixfeld, Metamorphose Spoons, Deutschland, 2010

 

 

Diese Installation ist eine Geschichte über Veränderung und besteht aus dreizehn verschiedenen Silberbesteckstücken, die eine Transformation erfahren. Ähnlich wie Embryonen verwandeln sich die Stücke in Löffel (Weibchen) oder in Gabeln (Männchen).

 

Aber gerade die Transformation ist der interessanteste Aspekt. Bei der Beobachtung ist es noch nicht möglich, ihr Geschlecht und damit ihre Funktion zu bestimmen. All dies wird durch die Form erzählt.

Bei Metamorphose geht es um das Werden von etwas: Wie wird aus einem Löffel eine Gabel? Wann ist es noch ein Löffel und wann schon eine Gabel? Wann ist es männlich und wann weiblich? Es ist faszinierend, über die Geschlechter durch Besteck als Metapher zu sprechen.

KONTROVERS UND DEKORATIV

Piero Fornasetti, Adam und Eva, Italien, 1950; 2000 Remake von Atelier Fornasetti

Diese Serie von mit Gold verzierten Porzellantellern mit den erkennbaren Techniken und Details, die typisch für Fornasettis Arbeit sind, bilden zusammen eine künstlerische Darstellung der Körper von Adam und Eva.

Am 21. Oktober 1988 berichtete ein von Suzanne Slesin verfasster Artikel in der NY Times über den Tod des großen Künstlers. In der Beschreibung einiger seiner Werke wurde die Sammlung von Adam- und Eva-Tafeln, die jeweils einen anderen Teil des menschlichen Körpers zeigen, als sowohl kontrovers als auch dekorativ bezeichnet. Tatsächlich gab es nie ein besseres Doppeladjektiv für Fornasetti, denn er war sicherlich ein großer Ästhet und liebte das Schöne, war aber auch ein Künstler, der gerne provozierte.

Fornasettis Objekte sind Multiples. Sein Sohn Barnaba Fornasetti, der seit über dreißig Jahren künstlerischer Leiter des Mailänder Designateliers ist, hat eine internationale Marke geschaffen, die für Handwerkskunst, Kunst und Design bekannt ist.

VENUS

Carlo Mollino, Venusspiegel, Casa Miller, Turin, Italien, 1938

 

 

 

In Casa Miller offenbart Mollino seine Originalität als Dekorateur: Er überschreitet gekonnt die funktionalistischen Schemata der Zeit, ohne in übertriebene Stile zu verfallen. Sein Einfallsreichtum zeigt sich deutlich in einem Haus, das als eine Art Ort konzipiert ist, „der aus Wänden und Objekten, Formen und Räumen besteht“, in dem jedes einzelne Teil eines „gut ausgearbeiteten Drehbuchs“ ist (Carlo Levi, Domus).

 

 

Jedes Objekt verweist mit seinen unendlichen Anspielungen auf so etwas wie Spiegel. Er schuf, seiner Zeit mehr als zwanzig Jahre voraus, jene Überzeugungsarchitektur, die typisch für die amerikanische Theatralik der 1960er Jahre war.

 

 

Seine Darstellung des Profils der Venus von Milos als Spiegel stellt einen Bruch mit herkömmlichen Spiegelformen dar und übernimmt und verwendet die viel sinnlicheren Formen der ikonischen Statue, die die Gottheit darstellt. Der Spiegel wiederum spiegelt in einer zusammenhängenden Erzählung Objekte wider, die in sinnlichen weiblichen Formen erotisch dargestellt werden.

 

 

Auf dem letzten Bild ist der Spiegel abgebildet, der jetzt Milo heißt und von Zanotta hergestellt wird.

 

 

 

 

 

ÄSTHETISCHE REVOLUTION

Verner Panton, Heart Cone Chair, Schweiz, 1958, für Vitra

In den 1950er Jahren wurde Verner Panton, ein dänischer Designer mit funktionalistischem Hintergrund, von einer unerwarteten Revolution in Ästhetik und Denken mitgerissen, die den folgenden Jahrzehnten der Pop-Art voraus war. Er hatte großen Einfluss auf die Pop-Art, von Objekten über Einrichtungsgegenstände bis hin zur Mode, und war alles andere als minimalistisches skandinavisches Design. Er nahm sich Walt Disneys Motto „Wenn du träumen kannst, kannst du es schaffen“ zu Herzen, experimentierte mit Formen, Farben und neuen Materialien und schuf innovative Raumideen für Wohnungen und Büros.

Er erfand und schuf fantastische Möbelstücke: von der Decke hängende, drehbare und höhenverstellbare Stühle sowie ungewöhnliche Sitzformen wie den berühmten Panton Chair, die nur mit neuen Technologien entstehen konnten. Der Heart Cone Chair, eine moderne Weiterentwicklung des Bergère-Sessels, ist ganz in Rot gehalten und hat die beruhigende und beruhigende Form eines Herzens.

GRAUE MÖBEL

Ettore Sottsass, Ultrafragola, Mobili Grigi-Serie, Poltronova, Italien, 1970

Dieser Spiegel wurde von Lewis Carrols Alice im Wunderland inspiriert, was auch an seiner Größe (100 cm x 195 cm) zu erkennen ist: eine große Tür, durch die man gehen kann, und eine Hommage an die Weiblichkeit.

Dieses Stück war das einzige der Serie, das in Produktion ging, und nur sehr wenige der anderen wurden für Ausstellungen oder Privatsammlungen hergestellt. So beschrieb Sottsass sein Projekt Mobili Grigi (Graue Möbel): „runde und geschwollene Formen (für immer), Formen vielleicht weiblichen Ursprungs oder – wenn Sie so wollen – religiösen Ursprungs (was dasselbe ist)“.

Hierbei handelt es sich um eine Möbelkollektion, die nicht nur funktional gestaltet ist, sondern Objekte mit einer starken emotionalen Komponente, die Botschaften und Symbole vermittelt.

Dieser Spiegel wurde erstmals 1970 von Poltronova für Eurodomus 3 präsentiert, einem Vorläufer der Veranstaltung, die später zum heute berühmten Salone del Mobile in Mailand werden sollte.

ES IST, WAS ES SCHEINT

Ettore Sottsass, Shiva-Blumenvase, BD Barcelona Design, 1973

 

 

 

„Ich produziere weiterhin kleine, kleine, kleine Architekturen, wie zum Beispiel dieses Keramikstück, ein bisschen wie Denkmäler, ein bisschen wie Gräber, ein bisschen wie die verlassenen Tempel der Götter, ein bisschen wie die Ruinen der Antike und.“ unbekannte Zivilisation, in der etwa etwas bekannt war; Es wird gesagt, dass sie die Achsen, die Kurven, die Schnittpunkte und vielleicht sogar die Ursache der Bahnen der kosmischen Körper verstanden haben, entlang derer jeden Tag die privaten Eckpunkte der Atome gleiten, aus denen unser zerbrechliches Fleisch und Blut besteht.“

Ettore Sottsass

 

 

ZWEI FÄDEN VERDREHT

Ingo Maurer, One from the Heart, Deutschland, 1989, Prod. ICH BIN.

Ingo Maurer galt als Dichter des Lichts und Genie des Designs und war visionär und unberechenbar. Ich erinnere mich, dass ich es bei jedem Salone del Mobile in Mailand kaum erwarten konnte, seine neue Lampenkollektion im Spazio Krizia in der Via Senato zu sehen. Es gelang ihm immer, überraschend und innovativ zu sein.

Die 1990er Jahre waren wundervolle Jahre und es gab nicht viele Genies wie ihn. Er war einer der ersten, der seine eigenen Werke produzierte, und er bewegte sich auf dem Grat zwischen einem Künstler, der einzigartige Kunstwerke schuf, und der Suche nach Balance und Materialien, um eher industrielle Designs zu schaffen.

Schließlich beschloss er, seine eigenen Stücke zu produzieren, mit Licht zu experimentieren und seiner Fantasie freien Lauf zu lassen. Er schuf wunderschöne Lampen, Lichtskulpturen, die niemals verblassen. In Italien wurde er 2011 mit dem Compasso d’oro Career Award ausgezeichnet.

Diese Nachttischlampe wurde als Hochzeitsgeschenk für ein paar Freunde entworfen. Rote und blaue Fäden werden geknotet und verschlungen und ergeben so ein Versprechen ewiger Liebe. Während ein herzförmiger Spiegel seine Form an die Wand projiziert, lauern am Fuß der Leuchte zwei kleine Krokodile.

 

LIEBE

Fabio Novembre, LOVe Schrank in Rot, Driade, Italien.

„Liebe bedeutet, einander zu wählen, eingehüllt in eine Aura des Geheimnisses. „Liebe ist ein treuer Hüter gemeinsamer Träume, ein Raum für Möglichkeiten“, sagte Fabio Novembre.

Dieses leuchtend rote Sideboard ist ein zweidimensionales Manifest, das der Liebe gewidmet ist und dessen Buchstaben Sie beim Öffnen der Türen begleiten.

Dies ist eine atemberaubende Aufbewahrungseinheit, aber auch ein wunderschöner Raum, in dem wir die Dinge aufbewahren können, die wir lieben. Darum geht es in den Designs von Fabio Novembre: Kontamination, Sinnlichkeit, Empathie und Funktionalität.

 

SINNLICHE LINIEN

Driade Lab, Ercole e Afrodite Lagereinheiten, Driade, 2021

Anthropomorphismus ist eine alte Kunst, deren Bedeutung auf das griechische Wort ánthrōpos, Mensch, und morphē, Form, zurückgeht. Bevor es eine zentrale Rolle in der Architektur von Vitruv einnahm, dominierte es archaische Kulturen, in denen Gebäude anthropomorphe Symbolik widerspiegelten, indem sie Figuren und Maße nachahmten, die aus der Beobachtung des menschlichen Körpers abgeleitet wurden.

In der Neuzeit und im Design gab es unvergessliche ikonische Werke von Künstlern wie Salvador Dalì, Carlo Mollino, Piero Fornasetti, Gaetano Pesce, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass und Fabio Novembre, um nur einige der großen Designer zu nennen, die damit experimentiert haben Wunder des menschlichen Körpers.

Als Mischung aus Kunst und Design ist dies ein Trend und ein roter Faden für Designer, die sich dazu entschließen, mit neuen Formen mit spielerischer oder provokativer Note zu experimentieren und mit dem menschlichen Körper und seinen Teilen zu experimentieren. Sie verstärken die Merkmale und Details des Körpers und verleihen ihm dank einer Mischung aus klassischen und Pop-Sprachen eine magische und uralte Dimension.

ER UND SIE

Fabio Novembre, Him & Her, Casamania, Italien, 2008

Dieses Stück darf in dieser Liste sicherlich nicht fehlen.

Inspiriert von der Bibelstelle Genesis, in der Gott Mann und Frau erschafft, ordnete Fabio Novembre diesen beiden Sitzen, die an den ikonischen Panton Chair von Verner Panton aus dem Jahr 1959 erinnern, männliches und weibliches Geschlecht zu.

Beim Originalmodell unterschied der Designer durch zwei unterschiedliche Gesäßabdrücke zwischen männlich und weiblich. Diese nackten Körper wurden so realistisch und unverschämt „geformt“, dass wir ihr erotisches Pathos fast spüren können.

Sie sind geradezu ikonisch.

WEICHE HERZEN

Ron Arad, Soft Heart, Moroso, Italien, 1991

1989 war ich gerade als junger Lehrling für die Zeitschrift Ottagono in die Redaktion eingetreten und wurde (waghalsig) nach London geschickt, um den in Israel geborenen Architekten Ron Arad in seinem Designstudio One Off zu interviewen.

In seinem visionären Raum entwarf er nonkonformistische handgefertigte Möbel, hauptsächlich aus geschweißten Stahlplatten, die nie zuvor gesehene skulpturale Formen hatten. Ich fühlte mich wie der glücklichste Mensch der Welt, diesen fantastischen Job zu haben, und ich versuchte, auch wenn ich unerfahren war, so viel wie möglich von dieser Erfahrung mit nach Mailand zu nehmen, einschließlich meines Gesprächs mit dem Designer, das es mir ermöglichte, das zu verstehen.“ „Form folgt Funktion“ ist ein sehr umstrittenes Axiom. Ich habe auch gelernt, dass es bald einen konstruktiven Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und Industriedesign geben wird.

Ron Arads Forschungen verbanden sich bald mit Morosos Fähigkeiten, und das Ergebnis ist dieser Sessel, der die Weiterentwicklung des berühmten The Big Easy-Stahlsessels aus dem Jahr 1988 darstellt.

Soft Heart ist ein Spiel mit wechselnden Volumen, von einem Sessel zu einem Herzen, von einem Herzen zu einem Sessel, und dem Experimentieren mit Formen unter Verwendung neuer Materialien.

3D RING

Giulio Iacchetti, Anellove Ring, Cyrcus

Dieser 3D-gedruckte Ring kann mit den Buchstaben der Namen der beiden Liebenden, die wir verewigen möchten, individuell gestaltet werden und ist somit das perfekte Geschenk für einen Geburtstag oder Valentinstag.

Cyrcus ist eine Bewegung/Firma, die vom Designer Denis Santachiara gegründet wurde und bei der Herstellung ihrer Designs auf digitale Fertigung setzt. Das Schaffen, Produzieren, Austauschen und Konsumieren von Design nimmt so neue, noch nie dagewesene und wirklich nachhaltige Formen an. Cyrcus hat die Sprache des Designs verändert, indem es seine Produkte aus Edelmetallen und wertvollen Materialien wie Gold, Silber, Marmor, Stahl und Aluminium herstellt und dabei 3D-Druck, Laser- und CNC-Technologien verwendet, die die Erstellung komplexer Formen erleichtern, die sonst schwierig oder schwierig wären mit herkömmlichen Techniken unmöglich herzustellen.

ANNA G

Alessandro Mendini, Anna G Korkenzieher, Alessi, 1994, Italien

 

Dieser helle und farbenfrohe Korkenzieher ist eine Designikone, die andere Designs inspiriert hat. Mendini widmete das Gerät seiner Freundin und Kollegin Anna Gili, die Mendini mit ihrem charakteristischen Bob perfekt einfing. Mendini hat nur sehr wenige Änderungen am ursprünglichen Design vorgenommen, das wir alle kennen und lieben und das in vielen Küchen zu finden ist.

 

Es wurde 1928 von Dominick Rosati entworfen, verfügt über zwei Griffe und Schrauben und hat im Laufe der Zeit kaum Veränderungen erfahren, mit Ausnahme der Hinzufügung des Flaschenöffners an der Oberseite. Das überzeugende Merkmal ist der zentrale Körper mit einer Archimedes-Schraube, die den Korken durchdringt, und einer leicht zu drehenden Oberseite. Das gesamte Stück wurde so gestaltet, dass der Kork so wenig wie möglich beschädigt wird. Durch Hebeln der beiden Griffe springt der Korken heraus.

 

Nach 1880 wurden Korken zum Verschließen von Flaschen verwendet (zuvor wurden Tierhautgefäße, Keramik- oder Glaskrüge sowie Holzfässer verwendet, die nach dem Öffnen nicht mehr zur Lagerung von Wein geeignet waren). Von da an bis 1930 wurden mehr als 300 Korkenzieherpatente angemeldet. Das von Alessandro Mendini entworfene Modell ist mit Abstand das süßeste und originellste.

DER KUSS

Marco de Masi, Bino & Bina Salz- und Pfefferstreuer, Cyrcus Design, Italien

 

 

Leonardo da Vinci sagte, dass Einfachheit die höchste Raffinesse sei.

Dieses schöne, minimalistische Salz- und Pfefferstreuer-Set verkörpert dieses Konzept perfekt.

Dies ist ein ikonisches Stück, das mithilfe digitaler Herstellungsverfahren in 3D gedruckt wurde.