FREIHEIT IN DER GESTALTUNG: VORAUSSETZUNG FÜR INNOVATION
Die Liste #12
In der diesmonatigen Ausgabe von „The List“ dreht sich alles um das Konzept der Freiheit im Großen und Ganzen. Dabei geht es darum, wie Kunst und Design unser Leben verbessern und oft neue Wege zur Freiheit vorschlagen.
Bildtitelbild: Maria Prymachenko Ukrainische Künstlerin
Heute verstehen wir mehr als jemals zuvor in der Geschichte die Bedeutung von Bewegungsfreiheit, gemeinsamer Liebe zur gesetzlich garantierten Freiheit, Demokratie und Unabhängigkeit.
Die Gedankenfreiheit verbessert die Kultur, die Kommunikation und den Dialog zwischen Religionen und Ländern, während die Freiheit der Geschlechter ein noch stärkeres Bewusstsein dafür geschaffen hat, wie wichtig es ist, die Einzigartigkeit und den Respekt für andere zu verteidigen. Denn Freiheit ist ein globales Recht und Gefühl und ein grundlegender Wert des Menschseins.
Dieses Bewusstsein hilft uns, eine bessere Zukunft zu planen. Unsere Häuser, die Gegenstände, die uns umgeben, sowie unsere Kleidung und Accessoires haben zwangsläufig Veränderungen erfahren.
„Brunnen der Erschöpfung“ von Pavlo Makov: eine Darstellung des ukrainischen Widerstands
Pavlo Makov; Quelle der Erschöpfung. Acqua Alta; Ukrainischer Pavillon, 59. Biennale Venedig, 2022
Pavlo Makovs Kunst reiste mit dem Auto von Charkiw nach Venedig, und Kuratorin Maria Lanko wurde beauftragt, gemeinsam mit Liza German und Borys Filonenko die Ausstellung des ukrainischen Künstlers auf der Biennale von Venedig 2022 zu kuratieren. Wie durch ein Wunder kam Makovs Werk unversehrt an und repräsentiert den ukrainischen Widerstand, der nie aufgehört hat zu glauben.
Das Werk wurde 1995 uraufgeführt. „Es ist nicht so, dass sich das Werk verändert hat – es ist die Welt, die sich dem angenähert hat, was dieses Werk darstellt“, sagte der 63-jährige Makov gegenüber dem Kyiv Independent. „Russlands Idee ist es, die Ukraine zu eliminieren – und die ukrainische Kultur zu eliminieren. Wenn es keine Kultur hat, existiert die Ukraine nicht“, fuhr er fort und paraphrasierte damit eine Aussage des britischen Premierministers Winston Churchill. „Ich fühle mich hier nicht als Künstler, sondern vielmehr als Bürger der Ukraine und dass es meine Pflicht ist, dass die Ukraine auf der Biennale vertreten ist.“
Quelle der Erschöpfung. Acqua Alta besteht aus 78 bronzenen Trichtern, die in einem Dreieck auf 12 Ebenen angeordnet sind, wobei aus einem oben Wasser fließt. Die Trichter hängen an der Wand, teilen sich jeweils in zwei Teile und verteilen das Wasser auf mehrere Trichter auf jeder Ebene. Bei Stufe 3 verlangsamt sich der Fluss zu einem Rinnsal und bei Stufe 6 zu einem bloßen Tropfen. Auf Stufe 12 dringt es kaum durch die letzten 12 Trichter in ein flaches Becken.
Am Ende ist Kunst nicht aufzuhalten.
Cats of Brutalism, der von der New York Times erwähnte Instagram-Kunstaccount
Besuchen Sie @catsofbrutalism auf Instagram
Manchmal sind Ideen einfach so albern, dass sie am Ende brillant sind. Dies ist der Fall beim Instagram-Profil @cats_of_brutalism, das von der New York Times als einer von fünf Kunst-Accounts gekennzeichnet wurde, denen man auf Instagram folgt.
Das Profil vereint Bilder von zwei Dingen, die unterschiedlicher nicht sein könnten: Katzen und brutalistische Gebäude. Es werden Schwarzweißfotos brutalistischer Bauten – von Le Corbusiers bis hin zu Oscar Niemeyers Bauten in Brasilia – aufgenommen und mit Photoshop bearbeitet, auf denen übergroße Katzen zu sehen sind, die schlafen, spielen oder schnurren.
Alle Bilder sind mit Bildunterschriften versehen, die die Architektur auf dem Foto (einschließlich Jahr, Ort und Name des Architekten) und die Katzen erklären, seien es streunende Katzen oder Influencer-Katzen, die im Internet bereits berühmt sind. Denn wer liebt keine Katzen?
„Die Vase und der Künstler“ des Keramikkünstlers Ugo Marano
Ugo Marano; Die Vase und der Künstler; Cetara, Italien; 1991
Ugo Marano war ein vielseitiger Keramikkünstler und ein talentierter Visionär. 1991 gründete er die Gruppe Vasai di Cetara in dem Fischerdorf, in dem er in der Nähe von Salerno in Süditalien lebte.
Er verwendete Keramik – die für ihn eine „Meisterkunst“ war – in Kombination mit Eisen als Symbol für das Umdenken über den Wert manueller Fähigkeiten, verstanden als ethisches Diktum und Wissensreichtum.
Er arbeitete in den Bereichen Kunst und Design mit einer „humanistischen“ Ausrichtung auf den zeitgenössischen Menschen.
Gillo Dorfles schrieb über Marano und stellte seine Arbeit in dem Artikel vor, der 1989 in der Zeitschrift Area erschien. Man kann von Maranos Mission als einer „Mission“ sprechen, denn tatsächlich „ist es so, als würde man ihn damit beauftragen, ein Laienmissionar zu sein, ein futuristischer Prophet, [...], mit dem Marano seine Arbeit verrichtet, um Objekte [...] zu schaffen, die das Individuum von der Unterwerfung unter die von der herrschenden Technokratie auferlegten Schemata befreien.“
„Afghan Hound“, die performative Kunst von Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen; Afghanischer Windhund, 54; Biennale Venedig, Italien; 2011
Afghanischer Windhund war eine Performance mit Tanz, Musik und Live-Schauspiel und wurde bei der Eröffnung der 54. Biennale von Venedig im Jahr 2011 aufgeführt.
Durch die Ausdruckskraft eines beeindruckenden vogelähnlichen Bühnenkostüms und eines Stocks, der als symbolischer Tanzpartner dient (die Verwendung von Fell ist von der Tradition des afghanischen Windhundrennens inspiriert), spielte die Künstlerin Lillibeth Cuenca Rasmussen vier verschiedene Charaktere.
Die Arbeit befasste sich mit der Komplexität des Geschlechts in Kulturen, in denen Männer und Frauen nach den Regeln der männlichen Kultur getrennt sind. Es wurde auch untersucht, wie unterdrückte Sexualität neue Geschlechtstransformationen jenseits der Traditionen der Gesellschaft und Kultur hervorbringen kann.
Afghanischer Windhund brachte unterdrückte Stimmen in den Vordergrund und versuchte gleichzeitig, Geschichten innerhalb der afghanischen Tradition und Kultur zu vermitteln, indem sie das oft stereotype und manchmal reduzierende westliche Denken über die östliche Welt in Frage stellte.
Die Aktivistin und Autorin Malalai Joya steuerte ihren Text zum Text der Musik bei, die die Aufführung begleitete:
Refrain:
- Alias – Ich bin nicht, was du siehst
Refrain:
- Mein Mann und ich sind nie allein
Das Chalet in Méribel Les Allues, entworfen von Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND: EINE FREIE FRAUCharlotte Perriand; Chalet in Méribel Les Allues, Savoie, Frankreich; 1960-61
Zwischen 1960 und 1961 entwarf die Designerin und Bergliebhaberin Charlotte Perriand ihr kleines, intimes und gemütliches Chalet .
Das in den Berghang eingebettete Chalet verfügt über zwei Ebenen, die sich vollständig zur Tallandschaft hin öffnen und beide von außen zugänglich sind.
Auf der unteren Ebene befinden sich eine kleine Küche , ein Wohnzimmer mit einem großen Kamin und ein kleiner Raum, der in sich abgeschlossen ist und nur von außen zugänglich ist. Der Spitzname lautet HöhleEs ist mit einem Klappbett, einem Waschbecken, einer Dusche und einer Toilette ausgestattet.
Im Obergeschoss befindet sich ein großer Raum im Stil traditioneller Gebäude mit freiliegender Dachschräge und einem großen Fenster mit Blick auf die Natur.
„Ich habe ein Grundprinzip angewendet: Holzkonstruktion auf Steinwänden, aber um die Hohlräume zu schließen, anstelle von Holzlatten eine Doppelverglasung, eingerahmt von demselben Kiefernholz wie die Struktur. Alle Hohlräume im zweiten Obergeschoss werden daher durch Schiebetüren aus Holz und Klarglas verschlossen. Sie sind versteckt und verschwinden zwischen den Steinmauern außen und den Holzpaneelen innen. [...]
Keine Trennwand im zweiten Stock, zwei Betten im Savoy-Stil in angenehmen Nischen angeordnet, die viel Freiraum zum Zusammensein lassen. Und wenn in meiner Nische die Sonne über den Gipfeln untergeht – bam! in meinem Auge – ich wache auf“ (Auszug aus Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Foto von Fred Lahache.
Der Pillenspender, ein revolutionäres Produkt in innovativer Verpackung
David und Doris Wagner; Tablettenspender für Ortho-Novum; 1963 (Patent von 1961)
Die erste orale Verhütungspille hieß Enovid und kam 1960 auf den Markt. Nur zwei Jahre später verwendeten bereits 1,2 Millionen amerikanische Frauen sie.
Die meisten Frauen kennen mindestens eine Version der Verpackung: eine runde Plastikscheibe, die sich wie eine Muschel öffnet und wie ein Make-up-Etui aussieht. Allerdings war die Pille nicht immer so verpackt. Die erste Antibabypille auf dem Markt wurde wie jede andere verschreibungspflichtige Pille in einer einfachen Glasflasche mit losen Tabletten geliefert.
Im Jahr 1961 waren David und Doris Wagner ein Paar mittleren Alters mit vier Kindern. Da sie nicht mehr wollten, waren sie gespannt darauf, etwas über die Pille zu erfahren. Doris erhielt das Rezept und die Pillen kamen in einer großen Glasflasche an. In den Anweisungen stand, dass sie am fünften Tag ihres Zyklus mit der Pille beginnen sollte. Was aber, wenn sie vergessen hat, eine Pille einzunehmen?
Zusammen mit ihrem Mann erfand sie eine effektivere Methode, sich an die Einnahme ihrer Pillen zu erinnern: Sie erstellte einen einfachen Kalender auf einem Blatt Papier und platzierte jede Pille am richtigen Tag.
Der ursprüngliche Prototyp von Wagner bestand aus zwei durchsichtigen Kunststoffscheiben und einem Schnappverschluss, die sie von einem Spielzeug ihres Sohnes übernommen hatten. Die untere Scheibe enthielt zwanzig Pillen, während die obere Scheibe ein Loch hatte, das jeden Tag gedreht werden konnte, um die richtige Pille zusammen mit dem entsprechenden Wochentag anzuzeigen.
Sie patentierten die Verpackung und das erste Pharmaunternehmen, das sie übernahm, war Ortho-Novum. Das neue Spenderdesign, das sie 1973 für Enovid entwarfen, wurde zur Verpackung, wie wir sie heute kennen.
„Tisch mit Vogelfüßen“: eine Neuauflage in der Cassina-Simon-Kollektion
Meret Oppenheim; Tisch mit Vogelfüßen; 1939; Foto; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Jetzt eine Neuauflage in Cassinas Simon Sammlung
Meret Oppenheim war die schweizerisch-deutsche Künstlerin und Dichterin, die als Muse der surrealistischen Bewegung galt, die Anfang der 1920er Jahre von André Breton gegründet wurde. Mit Anfang Zwanzig kam sie nach Paris und lernte die führenden Vertreter der Bewegung und andere Mitglieder kennen, darunter Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp und Marcel Duchamp.
Um 1930 schlug Salvador Dalí, der sich der damals schon internationalen Bewegung angeschlossen hatte, ein neues künstlerisches Genre vor: „Objekte, die symbolisch funktionieren“.
Das gemeinsame Merkmal aller Werke dieses Genres ist, dass sie scheinbar aus Träumen und Fantasien stammen. Oftmals werden Alltagsgegenstände so unterschiedlich, dass sie sich von ihren ursprünglichen Funktionen lösen und etablierte Interpretationen in Frage stellen. Meret, fasziniert von diesem Ansatz, begann, ihren Fokus auf Alltagsgegenstände zu verlagern, die auf der Grundlage einer Bedeutungsverschiebung neu interpretiert wurden, die für den Betrachter mystifizierende und einzigartige Analogien hervorruft.
Der Bikini: die Revolution der Badeanzüge
Der Bikini, 1946
Der Bikini-Erfinder Louis Réard wählte Micheline Bernardini, eine Tänzerin im Casino de Paris, als Modell für die Einführung seines revolutionären Badeanzugs und ließ ihn im Hotel Molitor in Paris vorführen. Obwohl der Bikini bei Frauen zunächst nicht ganz akzeptiert wurde, war er bei Männern ein großer Erfolg.
In diesem Jahr führten die USA Atombombentests im Bikini-Atoll durch, einer der 36 Marshallinseln im Pazifischen Ozean. Benannt nach der Atombombe, die einige Tage zuvor auf der Insel explodiert war, explodierte auch der Bikini.
Jeder auf der Welt wusste, was auf dem Atoll passierte. Warum also nicht den neuen Badeanzug „Bikini“ nennen? Für seinen ersten Bikini wählte Réard Stoff im Muster der Titelseite einer Zeitung.
Damit schrieb Réard Geschichte und eröffnete sein Geschäft in Paris, das dort 40 Jahre lang blieb.
„Bikini so klein wie das Atom“
Obwohl ein Mosaik aus dem 4. Jahrhundert n. Chr. aus der Villa Romana del Casale römische Frauen zeigt, die scheinbar Bikinis trugen, mussten wir Jahrhunderte warten, bis wir zweiteilige Badeanzüge sahen, die einen Blick auf den Nabel ermöglichten. Bis vor Kurzem blieb die Strandmode für Damen sehr bescheiden.
Im Jahr 1932 entwarf der Pariser Couturier Jacques Heim erstmals einen Badeanzug, der viel kleiner war als die bestehenden Modelle, was damals für Aufsehen sorgte. Aufgrund seiner geringen Größe wurde er nach dem kleinsten bisher bekannten Element in Atome oder „Atom“ umbenannt und als „der kleinste Badeanzug der Welt“ beworben.
Paul Poiret und Belle Epoque-Mode
Paul Poiret; Tag- und Nachtpyjamas aus Seidenjacquard; 1918
Paul Poiret (1879–1944) war ein legendärer französischer Modeschöpfer. Seine Beiträge zur Mode des 20. Jahrhunderts wurden mit Picassos Beiträgen zur Kunst des 20. Jahrhunderts verglichen.
Poiret dominierte die Mode der Belle Epoque und formte die Frauenfiguren neu, indem er sie von einengenden Korsetts befreite und hohe Taillen populär machte. Nach der Abschaffung des Korsetts ging er mit drapierten Röcken, Haremshosen und Lampenschirmtuniken weiter. Seine Technik des „Drapierens“ anstelle der üblichen „Schneiderei“ brachte ihm großen Erfolg.
Zwischen 1916 und 1918 brachte er eine Version von Pyjamas auf den Markt, die sowohl tagsüber als auch nachts getragen werden konnte, und förderte damit die Mode im „Pyjama-Stil“ als exotische und elegante Alternative zu Teekleidern.
Coco Chanel und die Stärkung der Frauen
Coco Chanel hat nicht nur die Modewelt auf den Kopf gestellt, sondern auch zum ersten Mal Wert auf Frauen gelegt. Sie schuf einen revolutionären Stil für eine neue Lebensweise und träumte von einer avantgardistischen und emanzipierten Frau mit modernem Auftreten und Stil.
In den 1930er Jahren gehörte die mutige Coco Chanel zu den ersten Frauen, die Herrenpyjamas aus Seide (oder Samt) auf der Straße trugen, und das Modeunternehmen hat seine Meinung seitdem nie geändert. Ursprünglich von Frauen bei informellen Anlässen getragen, auch anstelle von Badeanzügen, ist die exzentrische Darstellung von ausgezogen wurde zu einem nonkonformistischen Statement sowohl für die Aristokratie der Avantgarde-Mode als auch für die Welt der Künstler.
Bedeutende Frauen wie Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, Marquise Luisa Casati, Isadora Duncan und sogar Männer wie Salvador Dali und Garcia Lorca hatten keine Skrupel, ihre Liebe zum bequemen Stil von Seidenpyjamas zu bekennen.
Wrigley’s Spearmint-Kaugummi, ein Symbol der Popkultur
Wrigley’s Spearmint-Kaugummi; William Wrigley Jr.; Chicago, USA; 1893
Kaugummi ist ein faszinierender Teil der Popkultur, wenn man bedenkt, dass er aus einem Material auf der Basis von synthetischem Kautschuk besteht, für Geschmack und Duft Zusatzstoffe hinzugefügt werden müssen und dass ihm jeglicher Nährwert fehlt. Mittlerweile gehört es jedoch zu den Gewohnheiten vieler Menschen, da es Stress lindert und den Atem erfrischt.
Das Kauen mit offenem Mund galt zeitweise als coole und rebellische Art und Weise und wurde zum Symbol der Jugendkultur.
Die Produktwerbung hat sicherlich dazu beigetragen, Kaugummi in den Hype zu rücken. Und Wrigleys Werbung war immer ein Hit, genau wie seine Werbespot aus den 1990er Jahren.
In dem Werbespot tauschen ein Mann und eine Frau in einem Greyhound-Bus ein paar Blicke aus, während sie darüber nachdenken, wie sie ihr letztes Stück Kaugummi teilen könnten. Im Hintergrund läuft das Lied „All Right Now“ von Free und der Werbespot endet mit dem Slogan „Great to chew, even better to share“.
Dixie-Kunststoffbecher: Einweggeschirr zur Verbesserung der Hygiene
Hugh Everett Moore; Dixie-Plastikbecher; USA; 1908
Die Forschung zu ansteckenden Krankheiten trug zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur Erforschung von Impfstoffen bei, trug aber auch zur Popularisierung von Einweggeschirr bei, darunter Einweg-Pappbecher, die in allen Frischwasserspendern und insbesondere in Krankenhauseinrichtungen verwendet wurden.
Früher wurde Wasser direkt aus einer Blechkelle gezapft und aus Gemeinschaftsbechern auf der Straße getrunken: eine äußerst unhygienische Praxis.
Moores Kampf gegen diese Praxis führte dazu, dass er den ersten Pappbecher patentieren ließ, der aus zwei miteinander verbundenen Teilen mit flachem Boden bestand, der später leicht ausgehöhlt wurde, damit die Becher übereinander gestapelt werden konnten. Der Rand wurde dann leicht abgerundet, um strukturelle Stabilität und Ergonomie beim Trinken zu gewährleisten.
1910 gründete Moore die Individual Drinking Cup Company, die später zu Dixie wurde. Umweltfreundliche und hygienische Becher wie diese waren nie relevanter als heute.
Die „Ora Unica-Uhr“ von Nava Design, entworfen von Denis Guidone
Denis Guidone; Ora Unica-Uhr; Nava-Design; Italien; 2010
Diese Uhr verfügt über ein Zifferblatt mit einzigartigem Design und ihre geschwungenen Zeiger sind nahezu unleserlich, was eine seltsame und einzigartige Uhr ergibt.
Diese Armbanduhr wird zu einem beinahe dekorativen Armband, das scheinbar keine praktische Funktion hat, aber in Wirklichkeit perfekt lesbar und funktional ist und die Zeit zu etwas Lustigem und Spielerischem macht .
Tempo Libero Uhr, Bruno Munaris letzte Kreation
Bruno Munari; Farbfelder; 1997
Die Uhr Tempo Libero ist möglicherweise Bruno Munaris letzte Kreation. Er war 90 Jahre alt und entwarf eine Uhr, deren Zifferblatt in zwei Ebenen unterteilt ist: eine untere, die die Zeit anzeigt, und eine obere, auf der sich die Zahlen auf dem Zifferblatt frei mit jeder Bewegung des Handgelenks des Trägers vermischen können, losgelöst von ihrer Standardposition.
Die widerspenstigen Zahlen deuten darauf hin, dass es vielleicht nicht wichtig ist, genau zu wissen, wie spät es ist, sondern dass wir uns darüber im Klaren sind, dass wir die Freiheit haben, unsere Zeit so zu nutzen, wie wir wollen.
Minerva erster tragbarer Plattenspieler, entworfen von Mario Bellini
Mario Bellini; Tragbarer Plattenspieler Minerva; Irradio; 1965
1965 bat Irradio Mario Bellini, einen tragbaren Plattenspieler zu entwerfen. So entstand Irradiette, ein noch nie dagewesenes Objekt, das zum Symbol einer ganzen Generation wurde. Es ist Teil der Dauerausstellung des MOMA in New York.
Auf Irradiette folgte 1965 Fonette und drei Jahre später die äußerst beliebte GA 45 Pop Minerva, die später von Grunding unter dem Namen Phono Boy produziert wurde. Phono Boy hatte eine ausgereiftere Form als seine Vorgänger und zeichnete sich durch eine kompakte, aber schlanke Form aus.
Es wurde als Ikone geschaffen und wurde zum visuellen und funktionalen Ausdruck der Freiheit von bürgerlichen Zwängen . Ein Mittel zur Realitätsflucht und zum politischen Engagement in dem Jahr, als die Jugendproteste ihren Höhepunkt erreichten.
Ceram X-Kollektion von Pierre Charpin: eine handgefertigte limitierte Edition
Pierre Charpin; Ceram X-Kollektion; Limitierte Craft-Edition; Limoges, Frankreich; 2003
Die Dekorationen sind völlig losgelöst von der Funktion der Objekte, obwohl ein Zusammenhang in der Möglichkeit besteht, das sinnliche Design entweder zur Schau zu stellen oder es durch unterschiedliche Positionierungen der Vasen zu verbergen.
„Ich mache keinen Unterschied zwischen der Arbeit für eine Galerie, einen Sammler oder ein Unternehmen“, erklärte Charpin, dessen Kreationen von Industrieprodukten über Installationen bis hin zu Kunstkreationen in limitierten Serien reichen und der dafür von Maison&Objet zum Designer des Jahres 2017 gekürt wurde „poetische Form“, bestehend aus kräftigen Formen und Farben.
Foto von Morgane Le Gall.
„Sosia for Campeggi“: die mutierte Sitzgelegenheit, entworfen von Emanuele Magini
Emanuele Magini ; Doppelt für Camping; 2011
Dieser wunderschöne Entwurf von Magini ist beinahe prophetisch. Dieses Sofa kann in zwei Sessel oder ein Schlafsofa umgewandelt werden oder wird zu einem Ort der Intimität und Zuflucht.
Dieses Stück spielt mit Metamorphosen, um dem zeitgenössischen Leben gerecht zu werden, das Objekte im Zuhause erfordert, die wir je nach unseren Bedürfnissen umwandeln können. Das gesamte System besteht aus Lycra-beschichtetem Polyurethan.
Cyrcus, ein neues Konzept eines Designstudios
Alessandro Mendini; Monster-Suppenterrine; produziert von Cyrcus; 2016, 3D-Druckskulptur aus einer digital gescannten neapolitanischen Barock-Suppenterrine, vom Designer neu interpretiert.
Cyrcus wurde vom Designer Denis Santachiara gegründet und ist sowohl eine Bewegung als auch ein Unternehmen. Das Unternehmen nutzt ausschließlich 2.0-Lieferanten und macht so eine flächendeckende digitale Fertigung zur Realität.
Das Schaffen, Produzieren, Austauschen und Konsumieren von Design nimmt so beispiellose und wirklich nachhaltige Formen an.
Cyrcus erneuert die Sprache des Designs, indem es seine Produkte aus Materialien wie Gold, Silber, Marmor, Stahl und Aluminium herstellt und 3D-Drucktechnologien wie Laserschneiden und CNC verwendet, um so Formen zu schaffen, die mit herkömmlichen Techniken komplex oder unmöglich wären.
