Alberi di Natale sostenibili in legno e cartone
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LIBERTÀ NEL DESIGN: UN PREREQUISITO PER L'INNOVAZIONE
THE LIST #12
by Antonella Dedini
L'edizione di questo mese di The List è dedicata al concetto di libertà su larga scala, affrontando il tema di come l'arte e il design migliorino le nostre vite e spesso suggeriscano nuovi modi di essere liberi.
Immagine di copertina: Maria Prymachenko Artista ucraina
Oggi più che in qualsiasi altro momento della storia, comprendiamo il significato di libertà di movimento, l'amore comune per la libertà garantita dalla legge, la democrazia e l'indipendenza.
La libertà di pensiero migliora la cultura, la comunicazione e il dialogo tra religioni e Paesi, mentre la libertà di genere ha generato una maggiore consapevolezza dell'importanza di difendere l'unicità e il rispetto per gli altri. Perché la libertà è un diritto e un sentimento globale e un valore fondamentale dell'essere umano.
Questa consapevolezza ci aiuta a progettare un futuro migliore. Le nostre case, gli oggetti che ci circondano, gli abiti e gli accessori hanno necessariamente subito una trasformazione.
"Fountain of Exhaustion" di Pavlo Makov: una rappresentazione della resistenza ucraina
Pavlo Makov; Fontana dell'Esaurimento. Acqua Alta; Padiglione ucraino, 59. Biennale di Venezia, 2022
L'arte di Pavlo Makov ha viaggiato in auto da Kharkiv a Venezia e la curatrice Maria Lanko è stata incaricata di curare la mostra dell'artista ucraino alla Biennale di Venezia del 2022 insieme a Liza German e Borys Filonenko. Per miracolo, l'opera di Makov è arrivata intatta e rappresenta la resistenza ucraina che non ha mai smesso di credere.
L'opera è stata presentata per la prima volta nel 1995. "Non è che l'opera sia cambiata, è il mondo che si è avvicinato a ciò che questa opera rappresenta", ha dichiarato Makov, 63 anni, al Kyiv Independent. "L'idea della Russia è quella di eliminare l'Ucraina - e di eliminare la cultura ucraina. Se non ha cultura, l'Ucraina non esiste", ha continuato, parafrasando una dichiarazione del Primo Ministro britannico Winston Churchill. "Non mi sento un artista qui, ma molto più un cittadino dell'Ucraina, ed è mio dovere che l'Ucraina sia rappresentata alla Biennale".
Fontana dell'Esaurimento. Acqua Alta è composta da 78 imbuti di bronzo disposti a triangolo su 12 livelli, con l'acqua che sgorga da uno di essi in cima. Gli imbuti sono appesi alla parete, ognuno dei quali si divide in due e divide l'acqua tra più imbuti ad ogni livello. Quando raggiunge il livello 3, il flusso rallenta fino a diventare un filo d'acqua, mentre al livello 6 diventa un semplice gocciolio. Al livello 12, filtra a malapena attraverso gli ultimi 12 imbuti in una pozza poco profonda.
Alla fine, l'arte è inarrestabile.
Cats of Brutalism, l'account artistico su Instagram citato dal New York Times
Visita @catsofbrutalism su Instagram
A volte le idee sono così sciocche che finiscono per essere brillanti. È il caso del profilo Instagram @cats_of_brutalism, segnalato dal New York Times come uno dei 5 account artistici da seguire su Instagram.
Il profilo mescola le immagini di due cose che non potrebbero essere più diverse: i gatti e gli edifici brutalisti. Le foto in bianco e nero di costruzioni brutaliste - da quelle di Le Corbusier a quelle di Oscar Niemeyer a Brasilia - sono scattate e photoshoppate con gatti di taglia gigante che dormono, giocano o fanno le fusa.
Tutte le immagini sono accompagnate da didascalie che spiegano l'architettura fotografata (compresi anno, luogo e nome dell'architetto) e i felini, siano essi gatti randagi o gatti influencer già famosi sul web. Perché chi non ama i gatti?
"Il vaso e l'artista" dell'artista ceramista Ugo Marano
Ugo Marano; Il vaso e l'artista; Cetara, Italia; 1991
Ugo Marano è stato un artista della ceramica, eclettico e visionario di talento. Nel 1991 ha creato il gruppo Vasai di Cetara, nel villaggio di pescatori dove viveva vicino a Salerno, nel Sud Italia.
Utilizzò la ceramica - che per lui era una "arte maestra" - abbinata al ferro come simbolo del ripensamento del valore della manualità, intesa come dettame etico e ricchezza di conoscenza.
Si occupò di arte e design con un taglio "umanistico" nei confronti dell'uomo contemporaneo.
Di Marano ha scritto Gillo Dorfles, presentando il suo lavoro nell'articolo apparso sulla rivista Area nel 1989. Si può parlare di quella di Marano come di una "missione", perché in effetti "è come se fosse incaricato di essere un missionario laico, un profeta futurista, [...] con cui Marano fa il suo lavoro per realizzare oggetti [...] che liberino l'individuo dalla sottomissione agli schemi imposti dalla tecnocrazia dominante".
"Afghan Hound", l'arte performativa di Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen; Afghan Hound, 54; Biennale di Venezia, Italia; 2011
Mastino afgano è una performance di danza, musica e recitazione dal vivo, andata in scena in occasione dell'apertura della 54a Biennale di Venezia nel 2011.
Attraverso la forza espressiva di un imponente costume di scena simile a un uccello e di un bastone che funge da partner simbolico della danza (l'uso della pelliccia si ispira alla tradizione delle corse dei levrieri afghani), l'artista Lillibeth Cuenca Rasmussen ha interpretato quattro diversi personaggi.
L'opera ha affrontato le complessità del genere in culture in cui uomini e donne sono segregati dalle regole della cultura maschile. Inoltre, ha esplorato come la sessualità repressa possa sviluppare nuove trasformazioni di genere al di là delle tradizioni della società e della cultura.
Mastino afgano ha portato in primo piano le voci represse, cercando di comunicare storie all'interno della tradizione e della cultura afghana, sfidando il pensiero occidentale spesso stereotipato e talvolta riduttivo sul mondo orientale.
L'attivista e scrittrice Malalai Joya ha contribuito con i suoi scritti alle parole della musica che accompagna lo spettacolo:
Ritornello:
- Alias - Non sono quello che vedi
Ritornello:
- Io e il mio uomo non siamo mai soli
Lo Chalet a Méribel Les Allues, progettato da Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND: UNA DONNA LIBERA
Charlotte Perriand; chalet a Méribel Les Allues, Savoia, Francia; 1960-61
Tra il 1960 e il 1961, la designer e appassionata di montagna Charlotte Perriand progettò le sue piccole, intime e accogliente chalet.
Incastonato nel fianco della montagna, lo chalet si sviluppa su due livelli che si aprono completamente sul paesaggio della valle e sono entrambi accessibili dall'esterno.
Al piano inferiore si trova un piccolo cucina, a soggiorno con un grande camino e una piccola stanza indipendente a cui si può accedere solo dall'esterno. Soprannominata la tanièreLa tanière, o tana, è dotata di un letto pieghevole, un lavandino, una doccia e una toilette.
Al piano superiore si trova un'ampia sala nello stile delle costruzioni tradizionali, con tetto spiovente a vista e una grande finestra che si affaccia sulla natura.
"Ho applicato un principio di base: struttura in legno su pareti in pietra, ma per chiudere i vuoti, al posto dei listelli di legno, doppi vetri incorniciati dallo stesso legno di pino della struttura. Tutti i vuoti del secondo piano sono quindi chiusi da porte scorrevoli in legno e vetro trasparente. Si nascondono, scomparendo tra le pareti di pietra all'esterno e i pannelli di legno all'interno. [...]
Nessuna parete divisoria al secondo piano, due letti in stile sabaudo disposti in piacevoli nicchie che lasciano molto spazio libero, per stare insieme. E, nella mia nicchia, quando il sole supera le cime - bam! nel mio occhio -, mi sveglio" (estratto da Io, Charlotte tra le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Foto di Fred Lahache.
Il Pill Dispenser, un prodotto rivoluzionario dal packaging innovativo
David e Doris Wagner; dispensatore di pillole per Ortho-Novum; 1963 (brevetto del 1961)
Laprima pillolacontraccettiva orale si chiamava Enovid e fu immessa sul mercato nel 1960. Solo due anni dopo, 1,2 milioni di donne americane ne facevano già uso.
La maggior parte delle donne conosce almeno una versione della sua confezione: un disco di plastica rotondo che si apre come una conchiglia e assomiglia a un astuccio per il trucco. Ma la pillola non è sempre stata confezionata in questo modo. La prima pillola anticoncezionale sul mercato era contenuta in un semplice flacone di vetro con compresse sfuse, come qualsiasi altra pillola da prescrizione.
Nel 1961, David e Doris Wagner erano una coppia di mezza età con quattro figli. Non volendo averne altri, erano entusiasti di conoscere la pillola. Doris ricevette la prescrizione e le pillole arrivarono in una grande bottiglia di vetro. Le istruzioni dicevano di iniziare la pillola il quinto giorno del ciclo. Ma cosa succedeva se si dimenticava di prendere una pillola?
Insieme al marito, inventò un metodo più efficace per ricordarsi di prendere le pillole: creò un semplice calendario su un foglio di carta e collocò ogni pillola nel giorno corretto.
Il prototipo originale dei Wagner consisteva in due dischi di plastica trasparente e in una chiusura a scatto che avevano preso da uno dei giocattoli del figlio. Il disco inferiore conteneva venti pillole, mentre quello superiore aveva un foro che poteva essere ruotato ogni giorno per mostrare la pillola corretta e il giorno della settimana corrispondente.
La confezione fu brevettata e la prima azienda farmaceutica ad adottarla fu Ortho-Novum. Il nuovo design del dispenser creato per Enovid nel 1973 divenne la confezione che conosciamo oggi.
"Tavolo con zampe d'uccello": una riedizione della collezione Cassina Simon
Meret Oppenheim; Tavolo con piedi di uccello; 1939; foto; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Ora una riedizione nella collezione Simondi Cassina
Meret Oppenheim è stata l'artista e poetessa svizzero-tedesca considerata una musa del movimento surrealista fondato nei primi anni Venti da André Breton. Arrivata a Parigi poco più che ventenne, conobbe i principali esponenti del movimento e altri membri tra cui Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp e Marcel Duchamp.
Intorno al 1930 Salvador Dalí - che aveva aderito al movimento, ormai di livello internazionale - propose un nuovo genere artistico, quello degli "oggetti funzionanti simbolicamente".
La caratteristica che accomuna tutte le opere di questo genere è che sembrano provenire da sogni e fantasie. Spesso gli oggetti di uso quotidiano diventano così diversi da liberarsi dalle loro funzioni originarie e sfidare le interpretazioni consolidate. Meret, affascinata da questo approccio, ha iniziato a spostare la sua attenzione sugli oggetti di uso quotidiano, reinterpretati in base a uno spostamento di significati che suscitano analogie mistiche e uniche per lo spettatore.
Il bikini: la rivoluzione dei costumi da bagno
Il bikini, 1946
L'inventore del bikini Louis Réard scelse Micheline Bernardini, una ballerina del Casino de Paris, come modella per il lancio del suo rivoluzionario costume da bagno e la fece sfilare all'Hotel Molitor di Parigi. Sebbene all'inizio il bikini non fosse completamente accettato dalle donne, ebbe un enorme successo tra gli uomini.
Quell'anno, gli Stati Uniti stavano conducendo test sulla bomba atomica nell'atollo di Bikini, una delle 36 isole Marshall nell'Oceano Pacifico. Chiamata così per la bomba atomica esplosa sull'isola pochi giorni prima, anche Bikini esplose sulla scena.
Tutti nel mondo sapevano cosa stava accadendo sull'atollo, quindi perché non chiamare il nuovo costume da bagno "bikini"? Per il suo primo bikini, Réard scelse un tessuto con il disegno della prima pagina di un giornale.
Réard entrò così nella storia e aprì il suo negozio a Parigi, dove rimase per 40 anni.
"Bikini piccolo come l'atomo"
Nonostante un mosaico del IV secolo d.C. della Villa Romana del Casale mostri donne romane che indossano quelli che sembrano bikini, abbiamo dovuto aspettare secoli per vedere costumi da bagno a due pezzi che lasciavano intravedere l'ombelico. La moda mare femminile è rimasta molto modesta fino a poco tempo fa.
Nel 1932 il couturier parigino Jacques Heim creò per la prima volta un costume da bagno molto più piccolo dei modelli esistenti, che all'epoca fece un po' di scalpore. A causa delle sue dimensioni ridotte, fu ribattezzato Atome, o "atomo", dal nome del più piccolo elemento conosciuto fino ad allora, e fu pubblicizzato come "il costume da bagno più piccolo del mondo".
Paul Poiret e la moda della Belle Epoque
Paul Poiret; pigiama da giorno e da notte in seta jacquard; 1918
Paul Poiret (1879-1944) è stato un leggendario couturier francese. Il suo contributo alla moda del XX secolo è stato paragonato a quello di Picasso all'arte del XX secolo.
Poiret dominò la moda della Belle Epoque e rimodellò le figure femminili liberandole dai corsetti costrittivi e rendendo popolare la vita alta. Dopo l'abolizione del corsetto, si spinse oltre con gonne drappeggiate, pantaloni harem e tuniche a paralume. La sua tecnica di "drappeggio" al posto della comune "sartoria" gli procurò un grande successo.
Tra il 1916 e il 1918 lanciò una versione di pigiama che poteva essere indossata sia di giorno che di notte, promuovendo la moda "stile pigiama" come alternativa esotica ed elegante alle vestaglie.
Coco Chanel e l'emancipazione femminile
Coco Chanel non solo stravolse il mondo della moda, ma lo rese per la prima volta un valore per le donne. Creò uno stile rivoluzionario per un nuovo modo di vivere, sognando una donna all'avanguardia ed emancipata con un modo e uno stile moderni.
Negli anni '30, la coraggiosa Coco Chanel fu tra le prime donne a indossare per strada un pigiama di seta (o di velluto) da uomo, e da allora l'establishment della moda non ha mai cambiato idea. Inizialmente indossato dalle donne in occasioni informali, anche al posto del costume da bagno, l'eccentrica esibizione del déshabillé divenne una dichiarazione anticonformista sia per l'aristocrazia della moda d'avanguardia che per il mondo degli artisti.
Donne importanti come Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, la marchesa Luisa Casati, Isadora Duncan, e persino uomini come Salvador Dalì e Garcia Lorca, non si fecero scrupoli a confessare il loro amore per lo stile confortevole del pigiama di seta.
La gomma Wrigley's Spearmint, simbolo della cultura pop
Gomma Wrigley's Spearmint; William Wrigley Jr.; Chicago, USA; 1893
La gomma da masticare è una parte affascinante della cultura pop, considerando che è fatta di un materiale sintetico a base di gomma, che è necessario aggiungere additivi per il gusto e la fragranza e che è totalmente priva di valore nutrizionale. Ma ormai fa parte delle abitudini di molte persone come antistress e rinfrescante dell'alito.
Masticare a bocca aperta è stato considerato per un certo periodo un modo di fare cool e ribelle ed è diventato un simbolo della cultura giovanile.
La pubblicità dei prodotti ha certamente giocato un ruolo importante nell'aumentare la popolarità delle gomme da masticare. E la pubblicità di Wrigley è sempre stata un successo, come il suo pubblicità degli anni '90.
Nello spot, un uomo e una donna su un autobus Greyhound si scambiano alcuni sguardi mentre pensano a come dividere l'ultimo bastoncino di gomma rimasto. In sottofondo viene suonata la canzone All Right Now dei Free e lo spot si chiude con lo slogan "grandi da masticare, ancora meglio da condividere".
Bicchieri di plastica Dixie: stoviglie monouso per migliorare l'igiene
Hugh Everett Moore; bicchieri di plastica Dixie; USA; 1908
La ricerca sulle malattie contagiose ha contribuito alla ricerca sui vaccini nei primi anni del 1900, ma ha anche contribuito a diffondere le stoviglie monouso, tra cui i bicchieri di carta monouso che sono stati adottati in tutti i distributori di acqua dolce e soprattutto nelle strutture ospedaliere.
In passato l'acqua veniva erogata direttamente da un mestolo di latta e veniva bevuta da bicchieri comuni per strada: una pratica altamente antigienica.
La crociata di Moore contro questa pratica lo portò a brevettare il primo bicchiere di carta composto da due pezzi uniti con un fondo piatto, che in seguito fu leggermente incavato in modo che i bicchieri potessero essere impilati l'uno sull'altro. Il bordo è stato poi leggermente arrotondato per garantire solidità strutturale ed ergonomia nel bere.
Nel 1910, Moore fondò la Individual Drinking Cup Company, poi diventata Dixie. Rispettoso dell'ambiente e igieniche come queste non sono mai state così importanti come ora.
L'orologio "Ora Unica" di Nava Design, disegnato da Denis Guidone
Denis Guidone; orologio Ora Unica; Nava Design; Italia; 2010
Questo orologio presenta un quadrante dal design unico e le sue lancette ad anello sono quasi illeggibili, dando vita a un orologio strano e unico.
Questo orologio da polso diventa un braccialetto quasi decorativo, apparentemente senza alcuna funzione pratica, ma in realtà perfettamente leggibile e funzionale, rendere il tempo qualcosa di divertente e giocoso.
Orologio Tempo Libero, l'ultima creazione di Bruno Munari
Bruno Munari; Swatch; 1997
L'orologio Tempo Libero è forse Bruno Munariè forse l'ultima creazione dell'artista. Aveva 90 anni e progettò un orologio il cui quadrante è diviso in due livelli: uno inferiore che segna l'ora e uno superiore dove i numeri del quadrante sono liberi di mescolarsi a ogni movimento del polso di chi lo indossa, svincolati dalle loro posizioni standard.
I numeri indisciplinati suggeriscono che forse non è importante sapere esattamente che ora è, ma piuttosto rendersi conto che siamo liberi di usare il nostro tempo come vogliamo.
Minerva, primo giradischi portatile progettato da Mario Bellini
Mario Bellini; giradischi portatile Minerva; Irradio; 1965
Nel 1965 Irradio chiese Mario Bellini di creare un giradischi portatile. Nasce così Irradiette, un oggetto inedito che diventa il simbolo di un'intera generazione. Fa parte della collezione permanente del MOMA di New York.
Irradiette fu seguito nel 1965 da Fonette e, tre anni dopo, dal popolarissimo GA 45 Pop Minerva, poi prodotto da Grunding con il nome di Phono Boy. Phono Boy aveva una forma più matura rispetto ai suoi predecessori ed era caratterizzato da una forma compatta ma snella.
Nasce come icona e diventa un'espressione visiva e funzionale di un'intera generazione. libertà da schemi borghesi. Un mezzo di evasione e di impegno politico nell'anno in cui la protesta giovanile raggiunse il suo apice.
Ceram X Collection di Pierre Charpin: un'edizione limitata e artigianale
Pierre Charpin; Collezione Ceram X; edizione limitata artigianale; Limoges, Francia; 2003
Le decorazioni sono completamente svincolate dalla funzione degli oggetti, anche se esiste un legame nella possibilità di scegliere di mostrare il disegno sensuale o di nasconderlo posizionando i vasi in modi diversi.
"Non faccio distinzione tra lavorare per una galleria, un collezionista o un'azienda", ha spiegato Charpin, le cui creazioni spaziano da prodotti industriali a installazioni fino a creazioni artistiche in serie limitata, e che è stato nominato Designer of the Year 2017 da Maison&Objet per la sua "forma poetica" fatta di forme e colori audaci.
Foto di Morgane Le Gall.
"Sosia for Campeggi": la seduta mutante disegnata da Emanuele Magini
Emanuele Magini; Sosia per Campeggi; 2011
Questo bellissimo progetto di Magini è quasi profetico. Si tratta di un divano che può dividersi in due poltroneun divano-letto, o diventare uno spazio di intimità e rifugio.
Questo pezzo gioca sulle metamorfosi per adattarsi al vivere contemporaneo che richiede oggetti in casa che possiamo trasformare in base alle nostre esigenze. L'intero sistema è in poliuretano rivestito in Lycra.
Cyrcus, un nuovo concetto dello studio di design
Alessandro Mendini; Zuppiera Monsters; prodotta da Cyrcus; 2016, scultura stampata in 3D da una zuppiera barocca napoletana scansionata digitalmente e reinterpretata dal designer.
Fondato dal designer Denis Santachiara, Cyrcus è sia un movimento che un'azienda e si avvale esclusivamente di fornitori 2.0, rendendo la fabbricazione digitale diffusa una realtà.
Creare, produrre, scambiare e consumare design assume così forme inedite e realmente sostenibili.
Cyrcus rinnova il linguaggio del design creando i suoi prodotti in materiali come l'oro, l'argento, il marmo, l'acciaio e l'alluminio, e utilizza tecnologie di stampa 3D come il taglio laser e il CNC, creando così forme che sarebbero complesse o impossibili con le tecniche tradizionali.
