LIBERTÀ NEL DESIGN: UN PREREQUISITO PER L'INNOVAZIONE
THE LIST #12
L'edizione di questo mese di The List riguarda tutto il concetto di libertà su larga scala, affrontando come l'arte e il design migliorano le nostre vite e spesso suggeriscono nuovi modi di essere liberi.
Copertina immagine: Maria Prymachenko artista ucraina
Oggi più che in qualsiasi altro momento della storia, comprendiamo il significato della libertà di movimento, dell'amore comune per la libertà garantita dalla legge, dalla democrazia e dall'indipendenza.
La libertà di pensiero migliora la cultura, la comunicazione e il dialogo tra religioni e paesi, mentre la libertà di genere ha generato ancora più consapevolezza dell'importanza di difendere l'unicità e il rispetto per gli altri. Perché la libertà è un diritto e sentimento globale e un valore fondamentale dell'essere umano.
Questa consapevolezza ci aiuta a pianificare un futuro migliore. Le nostre case, gli oggetti che ci circondano, e i nostri vestiti e accessori hanno necessariamente subito una trasformazione.
"Fountain of Exhaustion" di Pavlo Makov: una rappresentazione della resistenza ucraina
Pavlo Makov; Fountain of Exhaustion. Acqua Alta; Padiglione Ucraino, 59. Biennale di Venezia, 2022
L'arte di Pavlo Makov ha viaggiato in auto da Kharkiv a Venezia, e la curatrice Maria Lanko è stata incaricata di curare la mostra dell'artista ucraino alla Biennale di Venezia 2022 insieme a Liza German e Borys Filonenko. Per miracolo, l'opera di Makov è arrivata intatta e rappresenta la resistenza ucraina che non ha mai smesso di credere.
L'opera è stata presentata per la prima volta nel 1995. “Non è che l'opera sia cambiata – è il mondo che si è avvicinato a ciò che questa opera rappresenta”, ha detto Makov, 63 anni, al Kyiv Independent. "L'idea della Russia è eliminare l'Ucraina – e eliminare la cultura ucraina. Se non ha cultura, l'Ucraina non esiste," ha continuato, parafrasando una dichiarazione del Primo Ministro britannico Winston Churchill. "Non mi sento un artista qui, mi sento molto di più un cittadino dell'Ucraina, e che è mio dovere che l'Ucraina sia rappresentata alla Biennale."
Fountain of Exhaustion. Acqua Alta consiste in 78 imbuto di bronzo disposti a triangolo su 12 livelli con l'acqua che scorre da uno in cima. Gli imbuto sono appesi al muro, ognuno si divide in due e distribuisce l'acqua tra più imbuto a ogni livello. Quando raggiunge il livello 3, il flusso rallenta fino a diventare un filo, e al livello 6 a una semplice goccia. Al livello 12, filtra a malapena attraverso gli ultimi 12 imbuto in una piscina poco profonda.
Alla fine, l'arte è inarrestabile.
Cats of Brutalism, l'account d'arte su Instagram menzionato dal New York Times
Visita @catsofbrutalism su Instagram
A volte le idee sono così sciocche che finiscono per essere brillanti. Questo è il caso del profilo Instagram @cats_of_brutalism, segnalato dal New York Times come uno dei 5 account d'arte da iniziare a seguire su Instagram.
Il profilo mescola immagini di due cose che non potrebbero essere più diverse: gatti e edifici brutalisti. Foto in bianco e nero di costruzioni brutaliste – da quelle di Le Corbusier a quelle di Oscar Niemeyer a Brasilia – sono prese e modificate con Photoshop con gatti sovradimensionati che dormono, giocano o fanno le fusa.
Tutte le immagini sono accompagnate da didascalie che spiegano l'architettura nella fotografia (inclusi anno, luogo e nome dell'architetto) e i felini, siano essi gatti randagi o gatti influencer già famosi sul web. Perché chi non ama i gatti?
"Il Vaso e l'Artista" dell'artista ceramista Ugo Marano
Ugo Marano; Il Vaso e l'Artista; Cetara, Italia; 1991
Ugo Marano era un artista ceramista, eclettico e un visionario di talento. Nel 1991 creò il gruppo Vasai di Cetara nel villaggio di pescatori dove viveva vicino a Salerno nel Sud Italia.
Usava la ceramica – che per lui era un “arte maestra” – combinata con il ferro come simbolo di una nuova riflessione sul valore delle abilità manuali, intese come precetto etico e ricchezza di conoscenza.
Lavorò nell'arte e nel design con un orientamento "umanistico" verso l'uomo contemporaneo.
Gillo Dorfles scrisse di Marano, presentando il suo lavoro nell'articolo apparso sulla rivista Area nel 1989. Si può parlare dell'opera di Marano come di una 'missione', perché in effetti "è come se fosse incaricato di essere un missionario laico, un profeta futurista, [...] con cui Marano compie il suo lavoro per creare oggetti [...] che liberano l'individuo dalla sottomissione agli schemi imposti dalla tecnocrazia dominante".
"Afghan Hound", l'arte performativa di Lilibeth Cuenca Rasmussen
Lilibeth Cuenca Rasmussen; Afghan Hound, 54; Biennale di Venezia, Italia; 2011
Afghan Hound era una performance che comprendeva danza, musica e recitazione dal vivo e fu messa in scena all'apertura della 54ª Biennale di Venezia nel 2011.
Attraverso il potere espressivo di un impressionante costume da palco simile a un uccello e un bastone che funge da partner simbolico di danza (l'uso della pelliccia è ispirato alla tradizione delle corse di levrieri afgani), l'artista Lillibeth Cuenca Rasmussen ha interpretato quattro personaggi diversi.
L'opera affrontava le complessità del genere in culture dove uomini e donne sono segregati secondo le regole della cultura maschile. Esplorava anche come la sessualità repressa possa sviluppare nuove trasformazioni di genere al di là delle tradizioni della società e della cultura.
Afghan Hound ha portato in primo piano voci represse cercando di comunicare storie all'interno della tradizione e cultura afghana sfidando il pensiero occidentale spesso stereotipato e talvolta riduttivo sul mondo orientale.
L'attivista e scrittrice Malalai Joya ha contribuito con i suoi scritti alle parole della musica che accompagna la performance:
Ritornello:
- Alias – non sono ciò che vedi
Ritornello:
- Io e il mio uomo non siamo mai soli
Lo Chalet a Méribel Les Allues, progettato da Charlotte Perriand
CHARLOTTE PERRIAND: UNA DONNA LIBERACharlotte Perriand; chalet a Méribel Les Allues, Savoia, Francia; 1960-61
Tra il 1960 e il 1961, la designer e appassionata di montagna Charlotte Perriand progettò il suo piccolo, intimo e accogliente chalet.
Incassato nel fianco della montagna, lo chalet ha due livelli che si aprono completamente sul paesaggio della valle e sono entrambi accessibili dall'esterno.
Al livello inferiore c'è una piccola cucina, un soggiorno con un grande camino, e una piccola stanza autonoma accessibile solo dall'esterno. Soprannominata il tanière, o tana, è dotata di un letto pieghevole, un lavandino, una doccia e un WC.
Al piano superiore c'è una grande stanza in stile edifici tradizionali, con un tetto inclinato a vista e una grande finestra che si affaccia sulla natura.
“Ho applicato un principio di base: struttura in legno su muri di pietra, ma per chiudere i vuoti, invece delle listelle di legno, doppi vetri incorniciati dallo stesso legno di pino della struttura. Tutti i vuoti al secondo piano sono così chiusi da porte scorrevoli in legno e vetro trasparente. Sono nascoste, scompaiono tra i muri di pietra all'esterno e i pannelli di legno all'interno. [...]
Nessuna parete divisoria al secondo piano, due letti in stile savoiardo disposti in nicchie piacevoli che lasciano molto spazio libero, per stare insieme. E, nella mia nicchia, quando il sole passa sopra le cime - bam! negli occhi -, mi sveglio” (estratto da Io, Charlotte tra Le Corbusier, Léger e Jeanneret, Laterza, 2006).
Foto di Fred Lahache.
Il Dispenser per Pillole, un prodotto rivoluzionario nel packaging innovativo
David and Doris Wagner; pill dispenser for Ortho-Novum; 1963 (1961 patent)
La prima pillola anticoncezionale orale si chiamava Enovid ed è stata immessa sul mercato nel 1960. Solo due anni dopo, 1,2 milioni di donne americane la stavano già usando.
La maggior parte delle donne conosce almeno una versione del suo packaging: un disco di plastica rotondo che si apre come una conchiglia e sembra una custodia per il trucco. Ma la pillola non è sempre stata confezionata in questo modo. La prima pillola anticoncezionale sul mercato veniva fornita in una semplice bottiglia di vetro con compresse sciolte, proprio come qualsiasi altra pillola su prescrizione.
Nel 1961, David e Doris Wagner erano una coppia di mezza età con quattro figli. Non volendo altri, erano entusiasti di conoscere la pillola. Doris ricevette la prescrizione e le pillole arrivarono in una grande bottiglia di vetro. Le istruzioni dicevano di iniziare la pillola il quinto giorno del suo ciclo. Ma cosa succedeva se dimenticava di prendere una pillola?
Insieme a suo marito, inventò un metodo più efficace per ricordarsi di prendere le pillole: creò un semplice calendario su un pezzo di carta e posizionò ogni pillola sul giorno corretto.
Il prototipo originale dei Wagner consisteva in due dischi di plastica trasparente e una chiusura a scatto che presero da uno dei giocattoli di loro figlio. Il disco inferiore conteneva venti pillole, mentre il disco superiore aveva un foro che poteva essere ruotato ogni giorno per mostrare la pillola corretta insieme al giorno della settimana corrispondente.
Hanno brevettato il packaging, e la prima azienda farmaceutica ad adottarlo è stata Ortho-Novum. Il nuovo design del distributore che crearono per Enovid nel 1973 divenne il packaging come lo conosciamo oggi.
"Tavolo con piedi d'uccello": una ristampa nella collezione Simon di Cassina
Meret Oppenheim; Tavolo con piedi d'uccello; 1939; foto; V&A Images, Victoria and Albert Museum.
Ora una ristampa nella collezione Simon di Cassina
Meret Oppenheim era l'artista e poetessa svizzero-tedesca considerata una musa del movimento surrealista fondato nei primi anni '20 da André Breton. Arrivò a Parigi nei suoi primi vent'anni e conobbe i principali esponenti del movimento e altri membri tra cui Man Ray, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Arp e Marcel Duchamp.
Intorno al 1930 Salvador Dalí – che nel frattempo si era unito al movimento, ormai a livello internazionale – suggerì un nuovo genere artistico, quello degli “oggetti che funzionano simbolicamente”.
La caratteristica che unisce tutte le opere di questo genere è che sembrano provenire da sogni e fantasie. Spesso gli oggetti di uso quotidiano diventano così diversi da liberarsi dalle loro funzioni originali e sfidare le interpretazioni consolidate. Meret, affascinata da questo approccio, iniziò a spostare la sua attenzione sugli oggetti di uso quotidiano, reinterpretati sulla base di uno spostamento di significati che suscitano analogie misteriose e uniche per lo spettatore.
Il Bikini: la rivoluzione dei costumi da bagno
Il bikini, 1946
Louis Réard, inventore del bikini, scelse Micheline Bernardini, una ballerina del Casino de Paris, come modella per il lancio del suo costume da bagno rivoluzionario e la fece sfilare all'Hotel Molitor di Parigi. Sebbene il bikini non fosse inizialmente completamente accettato dalle donne, ebbe un enorme successo tra gli uomini.
Quell'anno, gli USA stavano conducendo test con bombe atomiche a Bikini Atoll, una delle 36 isole Marshall nell'Oceano Pacifico. Chiamato come la bomba atomica che era esplosa sull'isola pochi giorni prima, il bikini fece anche lui il suo esplosivo ingresso sulla scena.
Tutti nel mondo sapevano cosa stava succedendo sull'atollo, quindi perché non chiamare il nuovo costume da bagno “bikini”? Per il suo primo bikini, Réard scelse un tessuto con il motivo della prima pagina di un giornale.
Réard così fece la storia, e aprì il suo negozio a Parigi che rimase lì per 40 anni.
"Bikini piccolo come l'Atomo"
Nonostante un mosaico del IV secolo d.C. dalla Villa Romana del Casale mostri donne romane che indossano quello che sembrano essere bikini, abbiamo dovuto aspettare secoli per vedere costumi a due pezzi che lasciassero intravedere l'ombelico. L'abbigliamento da spiaggia femminile è rimasto molto modesto fino a tempi recenti.
Nel 1932 il couturier parigino Jacques Heim creò per la prima volta un costume da bagno molto più piccolo dei modelli esistenti, che all'epoca suscitò un certo scalpore. A causa delle sue dimensioni ridotte, fu ribattezzato Atome, o “atomo”, dal più piccolo elemento conosciuto fino ad allora, e fu pubblicizzato come “il costume da bagno più piccolo del mondo”.
Paul Poiret e la moda della Belle Époque
Paul Poiret; pigiami giorno e notte in jacquard di seta; 1918
Paul Poiret (1879-1944) fu un leggendario couturier francese. I suoi contributi alla moda del XX secolo sono stati paragonati a quelli di Picasso all'arte del XX secolo.
Poiret dominò la moda della Belle Époque e rimodellò le figure femminili liberandole dai corsetti costrittivi e popolarizzando le cinture alte. Dopo l'abolizione del corsetto, andò oltre con gonne drappeggiate, pantaloni harem e tuniche a forma di paralume. La sua tecnica del 'drappeggio' invece del comune 'taglio sartoriale' gli portò grande successo.
Tra il 1916 e il 1918 lanciò una versione di pigiama che poteva essere indossata sia di giorno che di notte, promuovendo la moda 'stile pigiama' come un'alternativa esotica ed elegante alle vestaglie da tè.
Coco Chanel e l'empowerment femminile
Coco Chanel non solo rivoluzionò il mondo della moda, ma fece apprezzare le donne per la prima volta. Creò uno stile rivoluzionario per un nuovo modo di vivere, sognando una donna d'avanguardia ed emancipata con un modo e uno stile moderni.
Negli anni '30, la coraggiosa Coco Chanel fu tra le prime donne a indossare per strada pigiami da uomo in seta (o velluto), e l'establishment della moda non ha mai cambiato idea da allora. Inizialmente indossati dalle donne in occasioni informali, anche in sostituzione dei costumi da bagno, l'esibizione eccentrica di déshabillé divenne una dichiarazione anticonformista sia per l'aristocrazia della moda d'avanguardia sia per il mondo degli artisti.
Donne importanti come Zelda Fitzgerald, Marlene Dietrich, la Marchesa Luisa Casati, Isadora Duncan, e persino uomini come Salvador Dalí e Garcia Lorca, non avevano esitazioni a confessare il loro amore per lo stile confortevole dei pigiami di seta.
La gomma da masticare Wrigley’s Spearmint, un simbolo della cultura pop
Chewing gum Wrigley’s Spearmint; William Wrigley Jr.; Chicago, USA; 1893
Il chewing gum è una parte affascinante della cultura pop, considerando che è fatto di un materiale a base di gomma sintetica, a cui devono essere aggiunti additivi per gusto e fragranza, e che è totalmente privo di valore nutrizionale. Ma ora fa parte delle abitudini di molte persone come antistress e rinfrescante per l'alito.
Masticare a bocca aperta per un certo periodo è stato considerato un modo cool e ribelle di fare le cose ed è diventato un simbolo della cultura giovanile.
La pubblicità del prodotto ha certamente contribuito a far crescere la popolarità del chewing gum. E la pubblicità di Wrigley è sempre stata un successo, come il suo spot pubblicitario degli anni '90.
Nello spot, un uomo e una donna su un autobus Greyhound si scambiano qualche sguardo mentre pensano a come condividere l'ultimo chewing gum rimasto. In sottofondo suona la canzone All Right Now dei Free, e lo spot si chiude con lo slogan “ottimo da masticare, ancora meglio da condividere”.
Bicchieri di plastica Dixie: stoviglie usa e getta per migliorare l'igiene
Hugh Everett Moore; bicchieri di plastica Dixie; USA; 1908
La ricerca sulle malattie contagiose contribuì allo sviluppo dei vaccini nei primi anni del 1900 ma aiutò anche a diffondere l'uso di stoviglie usa e getta, inclusi i bicchieri di carta usa e getta adottati in tutti i distributori di acqua potabile e soprattutto nelle strutture ospedaliere.
L'acqua veniva distribuita direttamente da un mestolo di latta e bevuta da bicchieri comuni per strada: una pratica altamente poco igienica.
La crociata di Moore contro questa pratica lo portò a brevettare il primo bicchiere di carta composto da due pezzi uniti insieme con un fondo piatto, che in seguito fu leggermente scavato in modo che i bicchieri potessero essere impilati uno sopra l'altro. Il bordo fu poi leggermente arrotondato per fornire solidità strutturale ed ergonomia durante la bevuta.
Nel 1910, Moore fondò la Individual Drinking Cup Company, che in seguito divenne Dixie. Tazze ecologiche e igieniche come queste non sono mai state così attuali come ora.
Orologio "Ora Unica" di Nava Design progettato da Denis Guidone
Denis Guidone; orologio Ora Unica; Nava Design; Italia; 2010
Questo orologio presenta un quadrante dal design unico, e le sue lancette ad anello sono quasi illeggibili, generando un orologio strano e unico.
Questo orologio da polso diventa quasi un braccialetto decorativo senza apparente funzione pratica, ma in realtà è perfettamente leggibile e funzionale, rendendo il tempo qualcosa di divertente e giocoso.
Orologio Tempo Libero, l'ultima creazione di Bruno Munari
Bruno Munari; Swatch; 1997
L'orologio Tempo Libero è forse l'ultima creazione di Bruno Munari. Aveva 90 anni e progettò un orologio il cui quadrante è diviso in due livelli: uno inferiore che segna l'ora e uno superiore dove i numeri sul quadrante sono liberi di mescolarsi ad ogni movimento del polso di chi lo indossa, liberati dalle loro posizioni standard.
I numeri indisciplinati suggeriscono che forse non è importante sapere esattamente che ora è, ma piuttosto renderci conto che siamo liberi di usare il nostro tempo come vogliamo.
Minerva primo giradischi portatile progettato da Mario Bellini
Mario Bellini; giradischi portatile Minerva; Irradio; 1965
Nel 1965 Irradio chiese a Mario Bellini di creare un giradischi portatile. Fu così creato Irradiette, un oggetto mai visto prima che divenne il simbolo di un'intera generazione. Fa parte della collezione permanente del MOMA di New York.
Irradiette fu seguito nel 1965 da Fonette e, tre anni dopo, dal molto popolare GA 45 Pop Minerva, poi prodotto da Grunding con il nome Phono Boy. Phono Boy aveva una forma più matura rispetto ai suoi predecessori e presentava una forma compatta ma snella.
È stato creato come un'icona ed è diventato un'espressione visiva e funzionale di libertà dai quadri borghesi. Un mezzo di evasione così come di impegno politico nell'anno in cui le proteste giovanili raggiunsero il loro apice.
Ceram X Collection di Pierre Charpin: un'edizione limitata artigianale
Pierre Charpin; Ceram X Collection; Craft edizione limitata; Limoges, Francia; 2003
Le decorazioni sono completamente staccate dalla funzione degli oggetti, anche se esiste una connessione nella possibilità di scegliere di mostrare il design sensuale o di nasconderlo posizionando i vasi in modi diversi.
“Non faccio differenza tra lavorare per una galleria, un collezionista o un'azienda,” ha spiegato Charpin, le cui creazioni spaziano da prodotti industriali a installazioni a creazioni artistiche in serie limitate, e che è stato nominato Designer dell'Anno 2017 da Maison&Objet per la sua “forma poetica” composta da forme audaci e colori.
Foto di Morgane Le Gall.
"Sosia per Campeggi": la seduta mutante progettata da Emanuele Magini
Emanuele Magini; Sosia per Campeggi; 2011
Questo bellissimo design di Magini è quasi profetico. Questo è un divano che può dividersi in due poltrone, un divano letto, o diventare uno spazio di intimità e rifugio.
Questo pezzo gioca sulle metamorfosi per adattarsi alla vita contemporanea che richiede oggetti in casa che possiamo trasformare in base alle nostre esigenze. L'intero sistema è in poliuretano rivestito in Lycra.
Cyrcus, un nuovo concetto di studio di design
Alessandro Mendini; zuppiera Monsters; prodotta da Cyrcus; 2016, scultura stampata in 3D da una zuppiera barocca napoletana digitalmente scannerizzata, reinterpretata dal designer.
Fondata dal designer Denis Santachiara, Cyrcus è sia un movimento che un'azienda e utilizza esclusivamente fornitori 2.0, rendendo la produzione digitale diffusa una realtà.
Creare, produrre, scambiare e consumare design assume così forme senza precedenti e veramente sostenibili.
Cyrcus rinnova il linguaggio del design creando i suoi prodotti in materiali come oro, argento, marmo, acciaio e alluminio, e utilizza tecnologie di stampa 3D come il taglio laser e il CNC, creando così forme che sarebbero complesse o impossibili con tecniche tradizionali.
